Prisão de Cristal (1986)

Outros títulos: Tras el Cristal (Original);  In a Glass Cage (inglês)
Diretor: Agustí Villaronga

Duração: 110 min

País de origem: Espanha

Áudio: Espanhol |  Legenda: Inglês e Português

Sinopse: Um doutor nazista, que tinha um fetiche por jovens garotos, sente-se culpado após torturar e assassinar sua última vítima e se joga de um telhado.Alguns anos mais tarde, o doutor, confinado em um pulmão de aço, aceita como enfermeiro um garoto que secretamente testemunhou aquele assassinato.

Saindo da escuridão, surge a imagem de um olho, tão próximo da lente e tão profundamente sombreado que é quase uma abstração, olhando diretamente para o observador. Corte: agora estamos voltados diretamente para a própria lente da câmera, uma inversão surpreendente, sua lente preta redonda um espelho impassível da pupila preta redonda da imagem anterior. Uma série de close-ups subsequentes, cada um desaparecendo do preto, apresenta-nos detalhes isolados e observados de forma fetichista de carne mortificada: pés amarrados, mãos amarradas, um rosto jovem ensanguentado. Tudo isso observado e fotografado por um homem grande, de meia-idade, que olha para esse menino torturado – vemos agora que é um menino e, além disso, uma criança, com não mais de dez anos – com uma mistura obscura de admiração, fascinação erótica e desespero pétreo. Depois de fotografá-lo, o homem se aproxima do rosto da criança, pressiona lascivamente os lábios perto do canto da boca em um beijo frio e lateral. Ele cambaleia para trás e, quase como se estivesse envergonhado, limpa os vestígios do beijo dos lábios com um lenço, olhando o tempo todo para as omoplatas machucadas do menino enquanto ele está pendurado nas vigas. Suspirando, ele contempla profundamente a cena por um momento e então, preparando-se para o trabalho que ainda tem que fazer, lentamente levanta uma tábua de madeira do chão, ergue-a e, pela primeira vez, misericordiosamente fora da câmera, mata o menino com um golpe. batendo nele uma vez, com força, na nuca. Nos momentos seguintes, ele tentará o suicídio saltando do telhado do prédio. Ao mesmo tempo, tudo o que foi descrito foi observado não apenas pelo público, mas por um voyeur invisível, cuja presença está implícita em um P.O.V instável. trabalho de câmera portátil e a respiração rápida e ofegante na trilha sonora, que entra furtivamente na câmara do porão e recolhe do chão os cadernos horríveis do assassino.

A cena de abertura do filme de terror de Agustí Villaronga, In a Glass Cage, de 1986, apresenta imagens e implicações que a maioria dos espectadores achará tão repulsivas que são quase inacessíveis. Afinal de contas, estes assuntos – suicídio, sadismo, desejo pedófilo e especialmente violência contra crianças – continuam a ser talvez os tabus mais universalmente insultados na nossa sociedade. E, no entanto, numa sequência apertada de quatro minutos e meio, Villaronga confronta-nos com todos eles, e com detalhes gráficos invulgares. Não apenas nos é mostrado o corpo nu e degradado de uma criança, mas somos literalmente forçados a adotar a perspectiva do agressor, a montagem inaugural de detalhes corporais replicando diretamente o olhar erótico-sádico-objetivador do assassino. O nosso olhar está suturado ao do autor da violência (e, além disso, à sua testemunha invisível), encorajando-nos ativamente a participar no seu fascínio bestial.

Esta sequência estabelece sucintamente todo o edifício formal e temático de In a Glass Cage, um filme que, penso eu, tem sido muitas vezes deturpado por grande parte dos escritos não académicos que o discutem. A interpretação predominante, tal como expressa em tal escrita, é que In a Glass Cage é um filme de arte e terror sobre o trauma, tanto individual (o abuso sexual de crianças) quanto histórico (as atrocidades do nazismo), e como ele se reproduz violentamente através de todo o mundo. gerações. Um exame superficial da narrativa certamente encorajaria esta leitura. A história fala de Klaus (Günter Meisner), um ex-nazista e pedófilo assassino, que, após a tentativa fracassada de suicídio no clímax da sequência de abertura que acabei de descrever, encontra-se quase completamente paralisado e dependente da respiração de um pulmão de ferro para viver, que sua frígida esposa Griselda (a grande Marisa Paredes, famosa por Almodóvar) e sua filha Rena (Gisèle Echevarría) assumem com relutância a gestão. Alguns anos depois, um jovem misterioso (David Sust) aparece de repente na casa, insistindo para servir como enfermeiro de Klaus. Dotada do nome fortuito de Angelo e com um semblante igualmente gracioso e sinistro, Griselda imediatamente desconfia da nova enfermeira, mas Klaus insiste que o contratem após uma conversa particular entre os dois. Não será nenhuma surpresa que Angelo tenha sido o voyeur oculto no início do filme e, além disso, vítima da violência sexual de Klaus na sua juventude. Tendo se aproximado de seu antigo agressor em um estado completamente indefeso e vulnerável, ele continuará a reconstituir sadicamente os crimes passados de Klaus na sua frente, torturando o monstro de sua infância, mesmo enquanto ele gradualmente evolui para sua imagem espelhada.

A gaiola de vidro, título do filme, embora se refira literalmente ao pulmão de ferro de Klaus, tem sido muitas vezes considerada um símbolo da forma como o trauma afecta a vida destas personagens, aprisionando-as em armadilhas invisíveis, limitando os seus movimentos a caminhos familiares de violência e subjugação. Mas, pode-se pensar que Villaronga nos mostra seu tema homônimo logo na segunda cena. A gaiola de vidro é a da lente da câmera, da própria tela do cinema: uma tela translúcida através da qual podemos ver nossos fascínios mais perversos e indescritíveis, distanciados deles com segurança pelo artifício da ficção e da irrealidade. Esse limite é seguro? A resposta já é óbvia na rapidez com que os personagens do filme reencenam a violência que testemunham e suportam, a influência que as suas paixões sombrias exercem sobre as suas vidas – e, por extensão, sobre a nossa. Afinal, o vidro se quebra facilmente.

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Naked Blood (1996)

Outros títulos: Nekeddo burddo Megyaku (Original)

Diretor: Hisayasu Satô

Duração: 76 minutos

País de origem: Japão

Áudio: Japones | Legenda: Portugues

Sinopse: Um jovem nerd cria um experimento científico para testar uma droga criada por sua mãe, essa droga é capaz de transformar dor em prazer. Infelizmente para as três mulheres envolvidas no experimento, a droga funciona bem mais que o esperado.

O subgênero body horror realmente entrou em cena e ganhou destaque com os primeiros trabalhos de David Cronenberg, com seus filmes Shivers (1975), Rabid (1977), Videodrome (1983) e The Fly (1986) deixando sua marca nos fãs de terror e cinema convencional. O blood horror também tem sido a principal permanência do cinema japonês, desde Tetsuo: O Homem de Ferro (1989) a Ichi, the killer (2001) a The Machine Girl (2008), tem sido algo profundamente ligado ao seu cinema terror.

O gênero em si não funciona facilmente, Cronenberg e Takeshi Miike são mestres nisso, capazes de combinar o terror na tela com comentários intensos e instigantes. Hisayasu Satô fez seu nome como cineasta durante a era do 'Pink Film' do Japão dos anos 80.

O filme começa quando um jovem cientista chamado Eiji Kure (Sadao Abe) desenvolve uma nova droga que funciona para substituir e mudar a forma como o cérebro lida com a dor, fazendo com que a dor desapareça e se transforme em algo prazeroso. Ele quer testar a droga que chamou de MYSON, vai entao ao experimento de sua mãe para testar um contraceptivo e a contamina com sua própria droga. As três mulheres que receberam a droga parecem não ter sido muito afetadas no início, enquanto Eiji as segue e as registra, mas logo elas começam a ter uma reação extrema à droga.

Por mais estranho que possa parecer, Splatter: Naked Blood é considerado um filme lindo pelos fans, tem uma abordagem onírica que se transforma em pesadelos e depois sonha novamente. O filme parece muito artístico, mesmo nas cenas mais extremas, não parece exploração. O tema do filme é o vício, desde o próprio vício de Eiji em fabricar e testar esta droga como uma espécie de honra ao seu falecido pai, às mulheres cujos prazeres na vida são um vício severo, ao vício geral do prazer e assim por diante. É explorado das maneiras mais extremas, mas é nisso que o vício se torna com o tempo e é uma maneira inteligente de mostrá-lo, em sua própria glória, com consequências muito reais e horríveis.

As performances são todas muito ousadas e quase hipnóticas, especialmente quando se trata de Misa Aika como Rika Mikamki, a mulher que atrai Eiji nos experimentos (talvez devido à sua semelhança com sua própria mãe). Ela é uma mulher quieta e estranha, sofre de insônia e tem um jeito estranho de dormir que inclui usar um cacto. Rika desperta não apenas a atenção de Eiji, mas também do público com suas peculiaridades e abordagens únicas da vida. Sadao Abe e Misa Aika são a alma do filme, a química entre eles é forte e norteia o filme. Splatter: Naked Blood é um remake de Hisayasu Satô, versão anterior da história central de Bôkô honban (Pleasure Kill) de 1987.

Embora seja artistico para uns, com todo ese gore e splatter, para outros de acordo com os comentarios no filmow pode se tornar cansativo e lento, e voce o que acha?

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Vagina Dentada (2007)

Outros títulos: Teeth
Diretor: Mitchell Lichtenstein
Duração: 94 min
País de origem: EUA
Áudio:  Ingles | Legenda: Portugues
 

 Sinopse: Dawn O'Keefe é uma garota do colegial que vive em abstinência sexual por causa de sua religião, mas quando não suporta mais a pressão por fazer sexo, descobre que ela é diferente de todas as outras garotas: sua vagina possui dentes afiados, e ela os usará sem piedade nos garotos que abusarem dela.

Estreia de Mitchell Lichtenstein no cinema, como roteirista e diretor, a obra gira em torno de Dawn (Jess Weixler), uma garota que prega, acima de tudo, que as relações sexuais devem ocorrer apenas após o casamento. Com sua vida toda praticamente sendo criada a partir desse seu autolimite, a garota acaba se envolvendo com Tobey (Hale Appleman), um rapaz que acabara de voltar para a cidade, amigo de seus amigos. Evidente que nenhum deles fazia ideia de que a vagina da garota possuía dentes e arrancaria fora qualquer coisa que ousasse passar perto de seus lábios diabólicos.

Lichtenstein cria um roteiro extremamente irônico nesse seu primeiro longa-metragem, satirizando todo o puritanismo das pessoas que “resolveram esperar”. Seus enquadramentos, que mostram uma Dawn na posição de “santinha” evidenciam um humor em relação a essa posição e seu texto aproveita esse ponto para lidar com a hipocrisia de muitos que seguem essa diretriz. A figura de Tobey é o melhor exemplo disso – não entrarei em muitos detalhes para não estragar o filme para quem ainda não assistiu, mas ele perfeitamente representa um grande grupo de pessoas que simplesmente não são o que parecem e se escondem atrás de seus discursos rígidos.

Existe, claro, uma lentidão exagerada na primeira metade da obra, o que acaba cansando o espectador consideravelmente, toda a construção da protagonista soa como um gigantesco bis in idem (obrigado, Ritter Fan), ao passo que traz as mesmas informações repetidamente, fazendo com que a narrativa quase caia completamente no melodrama adolescente. É evidente que a intenção do roteiro era construir um suspense em torno do órgão sexual da menina, mas tudo o que ele consegue é nos cansar até o ponto de quase abandonar a projeção.

Felizmente, quando a vagina ataca somos fisgados novamente. É a comédia do absurdo levada a um nível ainda mais inacreditável – se sua esperança era assistir um filme de terror, pode desistir, Vagina Dentada, obviamente, é um filme para soltar gargalhadas conforme vemos figuras de estupradores tendo o que menos esperam. Estamos falando aqui da vingança da mulher e ela se torna mais que prazerosa com os gritos agudos das vítimas das partes baixas de Dawn. Naturalmente, não estamos falando de uma obra que deve ser assistida por alguém de estômago fraco, ou por crianças, visto que mostra com certo detalhe (e gore) órgãos genitais, mas se você não tem problemas com isso, esse é um prato cheio para se dar algumas risadas.

Mais que isso, porém, Vagina Dentada não chega a ser nenhuma obra prima do cinema – é um filme que visa nosso entretenimento e chega a problematizar questões como o estupro ou posições muito rígidas adotadas em nossa sociedade de hoje em dia, que apenas alienam os jovens para a realidade da vida. Tal abordagem, contudo, é muito superficial e não chega a atingir o âmago de tais problemas, que, de fato, está na maneira como nossos filhos são criados e influenciados pelo ambiente ao seu redor. Dito isso, não há como não rir quando um médico grita vagina dentata! vagina dentata! It’s real! Se você não quer perder uma cena dessas, corra para ver esse filme. (https://www.planocritico.com)

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Thanatomorphose (2012)

Diretor: Éric Falardeau
Duração: 90min
País de origem: Canada
Áudio: Ingles | Legenda: Portugues

Thanatomorphose é o primeiro longa-metragem do diretor/roteirista Éric Falardeau e sua trama gira em torno de uma jovem artista (Kayden Rose, em seu primeiro papel em um longa-metragem), que faz esculturas de argila. Ela mora sozinha em seu apartamento e vive uma maré de azar que afeta a sua vida tanto no amor quanto no trabalho. E como desgraça pouca é bobagem ainda namora um junkie que só a procura para ter relações sexuais para, logo em seguida, cair na noite. Para afastar a depressão a garota tenta estabilizar sua vida social trazendo alguns amigos para beber em seu apartamento. Quando acredita que a noite terminaria com um “final feliz” seu senhorio decide intervir e chutar todos os convidados para fora.

A pressão claustrofóbica de viver esquecida, usada e abandonada, só é ampliada quando começam a aparecer estranhas manchas arroxeadas pelo seu corpo. O tempo passa e as contusões começam a se transformar em grandes manchas escuras que logo cobrem a maior parte de seu corpo. Ela começa a ter sonhos psicodélicos onde presencia carcaças fétidas de animais em closes nauseantes e cada vez que acorda sua condição é mais alarmante e precária. Ela está apodrecendo de dentro para fora e, ao invés de ir para um hospital, decide se esconder do mundo exterior.

Ao meu ver, Thanatomorphose flerta com o espectador mais atento em um nível psicossomático. A vida da protagonista é tão vazia que, ao perder o foco de sua arte (talvez a única coisa que atraía a atenção das pessoas), ela entrega-se ao ostracismo e cria uma fantasia onde sua vida começa a definhar. Neste devaneio existe o namorado misógino que a maltrata, os amigos que contam vantagens e o senhorio malvado. No decorrer de sua “decomposição” ela começa a criar novas peças de barro acopladas com alguns órgãos, tecidos e fluídos destituídos de seu próprio corpo, simbolizando claramente uma espécie de reconstrução do Ser. Uma outra explicação (menos chata, hehehehe…) seria que talvez a protagonista sofresse da Síndrome de Cotard (ou delírio niilista é uma rara desordem no qual a pessoa tem a crença de que já está morta, que não existe, que está apodrecendo e perdeu os órgãos internos) um estado avançado de depressão onde alguns dos doentes chegam a perceber o cheiro de sua carne em putrefação ou sentem como os vermes os estão devorando aos poucos.
https://bocadoinferno.com.br/criticas/2013/11/thanatomorphose-2012/

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Caligula (1979)

Diretor: Tinto Brass
Duração: 156 min
País de origem:
Áudio: ingles | Legenda: Portugues

Calígula é uma das produções mais polêmicas já lançadas, justamente devido a suas cenas de sexo explícito. O filme mostra as perversões sexuais do louco imperador romano Calígula (Malcolm McDowell), que mantém um caso com sua própria irmã e é casado com uma prostituta, além de organizar várias orgias e peversões sexuais em seu império. Ele também é cercado de vários falsos bajuladores que desejam vê-lo longe do poder.

Calígula, o filme,pode ser considerado por alguns meio sem graça para os olhos de 2019 ou atuais. Game of Thrones pode lançar uma longa sombra sobre um material anteriormente arriscado, a ponto de até mesmo uma peça lendária de pornografia cinematográfica como Calígula perder seu poder de chocar. Genitália e sexo oral na tela? ok. Estripação e assassinato de criança? ok. Incesto irmão-irmã? talvez na terça. Por razões legais (e morais), o filme ainda mostra algumas das supostas monstruosidades históricas de Tibério, envelhecendo seus “peixinhos”.

Então, alguns chamam Calígula como fracasso. Mas, concordo que – é um fracasso ambicioso! Faz uma tentativa séria, embora ponderada, de examinar a mente de um homem dotado de poder absoluto sobre seus semelhantes. Tal homem, argumenta o filme, logo se consideraria um deus e enlouqueceria como resultado. Tudo muito bem, e Malcolm McDowell faz o seu melhor para conjurar uma bagunça psicológica, mas…

Especificamente, este estudo temático simplesmente não justifica a duração de duas horas e meia de Calígula.  Acho que o maior problema com Calígula não é o seu constante desvio para a pornografia gratuita – embora pode ser um problema, especialmente quando confunde quantidade de material sexual com qualidade de material sexual. Acho que o maior problema com Calígula é que, além das cenas iniciais (genuinamente interessantes) com Tibério, o enredo pode ser resumido como:
“Um homem se encontra em uma posição de poder absoluto. Ele tenta testar os limites desse poder antagonizando deliberadamente aqueles ao seu redor. Aqueles ao seu redor finalmente estalam. O fim."
Calígula o filme é capaz de gerar uma estética visual peculiar e muitas vezes surreal. A estranha interação de fumaça, figurino e decadência do personagem não estaria fora de lugar como uma adaptação de Zothique de Clark Ashton Smith (agora há uma ideia…). Eu amo a máscara funerária torcida de Tiberius, por exemplo, e as máquinas de cortar cabeça são simplesmente incríveis. Esta Roma, tão cansada da vida, tão faminta por algo novo para saciar seus apetites, sucumbiu a um hedonismo excessivamente civilizado e depravado (literal) nu – é um cenário atraente e merece mais do que o que é feito aqui.
Então... Calígula. Uma peça fodida e lendariamente louca do cinema dos anos 1970. Vale a pena assistir? nao sei, comenta embaixo. É uma orgia literal e metafórica de pornografia de tortura, tanto para o público quanto para os personagens. Também é estranhamente manso para os padrões de 2019. Por outro lado, enterrados entre os montes de sujeira maçante, há vislumbres ocasionais.
https://phuulishfellow.wordpress.com/2019/10/31/review-caligula-film-1979/

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Holocausto Canibal (1980)

Diretor: Ruggero Deodato

Duração: 95 minutos

País de origem: Itália 

Áudio: Inglês  | Legenda: Português

Sinopse; Professor da Universidade de Nova York sai em expedição à Amazônia em busca de quatro jovens documentaristas que desapareceram durante uma filmagem. Lá chegando, ele descobre que os cineastas foram mortos por canibais, mas consegue recuperar os rolos de filme gravados por eles. De volta aos Estados Unidos, estas filmagens revelam os horrores que os documentaristas passaram nas mãos de canibais. 

O filme começa com um jornalista dizendo:

“O homem é onipotente. Para ele, nada parece impossível. (...) Hoje, estamos pensando em conquistar toda a galáxia. E num amanhã não muito distante estaremos considerando a conquista de todo o universo. Mesmo assim, o Homem parece ignorar fatos em seu próprio planeta, como que ainda há gente vivendo na idade da pedra e praticando canibalismo, ilhados em um meio ambiente brutal onde prevalece a lei do mais forte...”

Isso serve para introduzir a notícia principal sobre quatro “pobres jovens americanos da era espacial, armados apenas com suas câmeras e curiosidade” que foram até o inferno verde para fazer um documentário sobre essa vida.

Uma reportagem bastante comum, pra falar a verdade, sobre jovens que queriam apenas se divertir, mas nunca voltaram da jornada. Mostram-se suas belas fotos na tv, uma gravação de momentos antes de começar a aventura (sempre exaltando seus espíritos joviais e destemidos) e fazem aquela dramatização básica, como se fossem pessoas inocentes que nunca fizeram mal algum pra sociedade.

Portanto, acreditamos que os jovens são bons e só estavam em busca de novas aventuras - até encontrar suas gravações...

O primeiro contato dos indígenas já é marcado por extrema brutalidade. Eles invadem a aldeia como se estivessem em suas próprias casas, assustando a tribo. Atiram em um porco, sem motivo para mostrar a força de sua arma e consequentemente mostrar que são mais fortes. Como eles mesmos dizem: “Na selva, é a violência diária do mais forte contra o mais fraco!”

O sentimento de poder faz com que as pessoas sintam-se no direito de fazer aquilo que querem, até mesmo matar. No filme vemos os “pobres jovens” estuprando uma “índia não civilizada” e até mesmo colocando vários índios em uma oca e logo depois ateando fogo - por quê? Porque queriam um bom filme... (detalhe: depois eles ainda fodem em cima dos restos da oca).

Podemos ver isso até como uma crítica a própria mídia. Em boa parte do filme os jovens são tratados como heróis desbravadores que foram mortos por índios canibais, entretanto quando olhamos a verdade sobre eles, os pobres jovens se transformam em sádicos. 

[…]

Uma das primeiras gravações dos jovens que nos é mostrada é a famosa, e polêmica, cena da tartaruga. Pra você que não sabe nada sobre, é o seguinte: todas as mortes de animais no filme são reais. Na cena em questão, os jovens capturam e matam uma tartaruga gigante para ser utilizada como refeição. É uma sequencia nem um pouco legal de assistir, pois nela vemos o casco sendo quebrado e todos seus órgãos expostos. Ademais, mesmo depois de arrancar a cabeça com uma machadada seus membros continuam mexendo e coisas bizarras assim.

[…]

Apesar das piores partes serem a morte dos animais, as cenas de canibalismo, rituais, empalamento também não são nem um pouco agradáveis.

O realismo do filme é algo impressionante, claro, não a ponto de acreditarmos que estamos vendo gravações reais, mas é bastante convincente ainda pros dias de hoje. Pra época, imagino que ele tenha sido ainda mais chocante.

É até possível entender por que o diretor teve que provar à polícia que os atores estavam vivos. 

A trilha sonora também se destaca, consegue deixar as cenas ainda piores de serem assistidas.

Enfim.

“Cannibal” é um clássico que, apesar de tudo, merece ser assistido se você não se importa em ser chocado. Apesar da polêmica, é um filme que não se sustenta apenas nisso, tendo discussões que poderíamos ficar dias falando a respeito. 

créditos do comentário:  cafecomtripas! 

Curiosidade: um filme snuff - subgênero de filmes que mostram mortes, assassinatos e suicídios reais. O diretor foi julgado e inocentado após provar aos tribunais que os atores, supostamente mortos, estavam vivos e muito bem. O elenco assinara um contrato que os obrigava a sumir da mídia por um ano, para que as cruéis imagens do filme parecessem reais para o público. O realismo que o filme transmite incomoda até hoje.

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Climax (2018)

Sinopse: Nos anos 90, um grupo de dançarinos urbanos se reúnem em um isolado internato, localizado no coração de uma floresta, para um importante ensaio. Ao fazerem uma última festa de comemoração, eles notam a atmosfera mudando e percebem que foram drogados quando uma estranha loucura toma de conta deles. Sem saberem o por que ou por quem, os jovens mergulham num turbilhão de paranoia e psicose. Enquanto para uns, parece o paraíso, para outros parece uma descida ao inferno.

Dentro de poucas horas, a paranóia domina o grupo: a sincronia da dança e desfaz num pandemonio, as tensões e ressentimentos e materializam em violência real e a musica eletronica da lugar a gritos. O saldo final inclui uma orgia, mortes acidentais e provocadas, incesto e situacoes escatológicas.

Eu esperava pelo menos algumas cenas psicodélicas legais para simular o uso de LSD, mas não há nenhuma. Noe vira a câmera de cabeça para baixo nos últimos 10 minutos do filme. Sem motivo. O filme tem uma boa trilha sonora com música eletrônica de qualidade real, como Dopplereffekt e Aphex Twin. Alguém que realmente entende e ama a cultura club fez a curadoria da trilha sonora. E as cenas de dança antes das coisas "azedarem" são muito legais.

Os personagens são pessoas terríveis e desagradáveis. Os personagens gays agem com a mesma masculinidade tóxica dos personagens heterossexuais. Simplesmente errado. É exagero ao ponto do ridículo. Todos os personagens agem como jovens republicanos niilistas, descuidadamente ofensivos e descaradamente egoístas. Eles deveriam ser dançarinos profissionais envolvidos com a cena club / dance music - é absurdo. Isso não é nada parecido com o que o mundo da dance music é.

Quando vi Enter the Void, achei um pouco exagerado, porem fiel a loucura do DMT! o filme realmente e foda. No entanto, o clímax me decepcionou, oh, não parece ter relação com tomar apenas LSD, parece que o povo tomou lsd e sais de banho com cocaína. Ou colocaram duas cartelas nessa sangria... pode vir a ser uma peça de arte, mas que estimula o medo. Climax vai fazer você sentir muitas coisas e eu não acho que você vai gostar da sensação da maioria dessas coisas, mas é exatamente isso que torna Climax uma experiência horripilante muito bem executada. 

Dirigido pelo polêmico cineasta argentino Gaspar Noé (de Love e Irreversível), Climax estreou nos cinemas brasileiros em janeiro deste ano. O thriller psicológico francês, com altas doses de violência, ganhou o principal prêmio da mostra Quinzena dos Realizadores, no consagrado Festival de Cannes (França). Agora, o longa-metragem encontra-se disponível para exibição aos assinantes da Netflix, desde o dia 1º de setembro.

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Ken Park (2002)

Diretor: Edward Lachman, Larry Clark

Duração: 96 minutos

País de origem: EUA

Áudio: ? | Legenda: Português

Sinopse: A rotina de quatro adolescentes da cidade de Visalia, Califórnia. Shawn (James Bullard) é um skatista que transa com a namorada e com a mãe de sua namorada. Tate (James Ransone) gosta de se masturbar várias vezes seguidas e tem um cachorro de três pernas. Ele é criado pelos avós, que não respeitam a sua privacidade, o deixando furioso. Claude (Stephen Jasso) é agredido seguidamente pelo seu violento pai, um alcoólatra que o acusa de homossexualidade, e é consolado pela sua apática mãe grávida. Peaches (Tiffany Limos) anseia por liberdade, mas tem de cuidar de seu religioso pai, um cristão fundamentalista, que a espanca após vê-la transando. Embora conversem o tempo todo, cada um dos personagens não sabe dos problemas enfrentados pelos outros.

Mais um filme a pedido da nyco, valeu nyco e todos que acompanham o blog! Vocês fazem toda diferença.

Este é um filme sobre relacionamentos. Chocante, emocionante, honesto, maduro, na sua cara. "Ken Park" é o primeiro filme feito que nos leva ao mundo das famílias americanas para nos mostrar o que realmente acontece. A vida não é toda doce e encantadora, mesmo que desejemos que seja. Os filmes não precisam ser alegres e felizes. Não precisa haver perseguições e assassinatos de carros, policiais e mocinhos e bandidos. Para os telespectadores criados em novelas e "Friends", afaste-se, porque você não achará este filme engraçado.

Um choque, com certeza ... banido na maioria dos países, diz muito sobre isso. Quando vejo que isso me faz querer vê-lo. O sexo é totalmente credível. Você não tem atores pegando lençóis ou toalhas para encobrir seus corpos - ei, assim como na vida real !! As cenas são tensas, o lado técnico perfeito. Você será exposto a algumas pessoas problemáticas e elas não são apenas crianças. Os adultos também estão passando muito tempo vivendo a vida. Alguns querem muito mais do que os filhos de 2 e 3 pontos e uma casa branca com cercas.s. Eles anseiam por sexo ilícito. Mas procure mais, você encontrará neste filme. Esses são personagens perturbados pela vida e incapazes de funcionar, exatamente como seus amigos, colegas de trabalho e vizinhos. Muitas pessoas tropeçam na vida e não têm idéia de como se comportar, como ser amoroso ou terno. Os relacionamentos com algumas pessoas são conflitos constantes que eles nem mesmo entendem. Este filme mostra alguns. A parte triste é que a maioria das pessoas nem percebe como estão estragando suas vidas.

Não vou revisar o enredo. Mas vendo os comentários de  algumas pessoas, dizem ser tão real e por isso ser tão bom o filme, outros dizem parecer mais uma coleção de vídeos reunidos no que seria apropriadamente intitulado "Os piores momentos da América da classe baixa", sem enredo, etc.

O filme tentou colocar todos os dramas possíveis (suicídio, incesto, abuso sexual, matar avós)...

Muitos espectadores adultos ainda parecem preferir negar a possibilidade de seus filhos adolescentes abrigarem fortes desejos sexuais, muito menos a conseqüência provável de que eles já agiram contra eles! Pode parecer um tanto desagradável que Larry Clark, de 59 anos, lide com essas questões (especialmente devido ao nível de honestidade inflexível e franqueza carnal demonstrada aqui), como ele fez em KIDS e BULLY anteriormente, e poucos se atrevem a fazê-lo. 

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Grotesque (2009)

Outros títulos: Gurotesuku

Diretor: Koji Shiraishi

Duração: 73 minutos

País de origem: Japão

Áudio: Japonês | Legenda: Português

Sinopse: Um médico sem nome sempre teve tudo o que sempre quis, mas isso só o fez desenvolver necessidades mais extremas e depravadas. Ele seqüestra um jovem casal no auge de sua vida e os força a um jogo de tormento que lentamente extingue suas esperanças de sobrevivência.

"Hostel" e "Saw" indo ao Japão para tomar alguns esteróides anabolizantes"

Quando um filme é considerado tão hediondo pelo BBFC que um certificado é recusado, os fãs do cinema extremo ficam naturalmente intrigados; Sei que quando me dizem que não posso ver um filme porque isso pode danificar minha mente frágil, fico mais interessado em vê-lo, curioso para ver se minhas sensibilidades (e estômago) podem suportar o desafio .
Felizmente, nos dias de hoje, onde há vontade, geralmente há uma maneira, o que significa que agora eu sou capaz de lhe informar os detalhes sobre esse filme doentio do Japão, que provocou uma reviravolta em tantas calcinhas de censores.
Em poucas palavras, Grotesque é a resposta do diretor Kôji Shiraishi aos cineastas de terror do Ocidente, que nos últimos anos vêm reivindicando 'pornografia de tortura' como seu próprio conceito, quando, na verdade, o gênero foi praticamente inventado pelos japoneses (alguém pode contar sobre Nikkatsu? Ou com a Guinea Pig?). Ao aumentar a violência em seu filme para níveis nunca antes vistos de maldade, Shiraishi está basicamente lançando o pássaro para todos os Eli Roth do mundo e gritando 'Siga isso, se tiver coragem !!!'
A "história", por falta de uma palavra melhor (não há enredo), vê um jovem casal, Aki e Kazuo (Tsugumi Nagasawa e Hiroaki Kawatsure), sequestrado por um lunático (brilhantemente interpretado por Shigeo Ôsako) que abusa sexualmente e tortura fisicamente as pessoas para consiga suas alegrias: aparentemente, esse doente só pode ser satisfeito sexualmente observando a vontade de suas vítimas de sobreviver.
Para iniciantes, o psicopata empurra uma unha grande na parte de trás da garganta de Aki (através de um buraco na mordaça da bola!) E insere outra no abdômen; então Aki e Kazuo são despojados e sexualmente estimulados a ... aem ... conclusão (sugerem muitos fluidos corporais pegajosos). Isso não parece ser o truque para o seqüestrador, então sai a serra elétrica e os dedos (que são usados ​​para fazer um belo par de colares). Kazuo também pega seus mamilos e um braço removido como punição por gritar.
Embora Grotesque seja pouco mais do que uma desculpa para mostrar 73 minutos de cenas incrivelmente duras e realistas de tortura sádica (pelo menos até o surpreendentemente cômico final do OTT, que é como algo direto de um festival de splatter ao estilo de Peter Jackson), ele consegue seu propósito com calma, proporcionando uma experiência incansavelmente cansativa para aqueles de nós que gostam de testar nossos limites; você pode ter visto cenas igualmente repelentes em outros filmes, mas é improvável que você tenha visto tantas em um único filme.

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The Lords of Salem (2012)

Outros títulos: As Senhoras de Salem

Diretor: Rob Zombie

Duração:  101 minutos

País de origem: Canadá. EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Uma DJ local erroneamente libera uma maldição infernal numa cidade. 300 anos antes, nas mesmas ruas de Salem em que os moradores caminham hoje em dia, pessoas inocentes foram retiradas de suas casas, acusadas de bruxaria e sentenciadas à morte. Os “Senhores de Salem” corriam pela cidade com um punho de ferro, enquanto quatro bruxas que foram torturadas e mortas prometeram em sigilo que um dia voltariam para se vingar.

Rob Zombie realmente se superou com The Lords of Salem. O filme é um retrocesso aos filmes de terror psicodélicos satânicos do início dos anos 70. O filme começa com uma construção lenta, conhecendo o personagem principal, Heidi. Heidi, interpretado por Sherri Moon Zombie, é uma viciada em recuperação que trabalha para a estação de rádio local como DJ de um popular programa de rádio noturno. Ela vive em Salem, Massachusetts, famosa por seus julgamentos de bruxas durante os anos 1600.

Quando Heidi chega à estação de rádio para seu show, ela recebe um disco demo de uma banda chamada The Lords. Pensando que o álbum deve ser de uma banda nova e futura, os DJs o tocam no show. Quando o som sai pelo rádio, muitas mulheres locais entram em transe, como quando a fita é tocada em Evil Dead! Heidi tem fortes dores de cabeça quando o álbum é tocado e a partir daí começa a ter alucinações. Existem muitos flashbacks de 1600, quando um grupo de bruxas estava tendo o sábado ou a missa negra, dançando ao redor de um fogo nu, orando a Satanás e tocando música. As autoridades locais de Salem pegam todas as bruxas e as julgam. Considerados culpados de bruxaria, eles são queimados vivos na fogueira. Enquanto morria, o líder do coven amaldiçoa seu acusador, Nathaniel Hawthorne, e todos os seus ancestrais.

Heidi mora em um prédio histórico com uma senhora mais velha que mora no apartamento abaixo dela. Ela convida Heidi para tomar um chá com suas amigas, mas imediatamente você pode dizer às senhoras mais velhas que têm algo a esconder. Heidi começa uma loucura decente depois de ouvir o álbum Lords of Salem novamente. E é aí que temos os flashbacks das antigas bruxas malignas e seus estranhos rituais satânicos.

Sherri Moon Zombie faz o seu melhor desempenho até hoje, mas ela ainda não é páreo para as rainhas mais velhas que interpretam as bruxas ... Dee Wallace, Patricia Quinn, Judy Geeson e Meg Foster roubam todas as cenas. Meg Foster e Dee Wallace brilham especialmente em seus papéis. Uma das coisas, talvez legal em Rob Zombie é que ele lança muitos rostos familiares do gênero terror e Lords of Salem não foi exceção.

Lords of Salem tem uma verdadeira sensação artística, que os filmes anteriores de Zombie não tinham. Existem várias cenas que me lembram filmes clássicos de Argento como Suspiria. O uso da arquitetura colorida e do cenário de fundo é quase como outro personagem do filme. O filme foi visualmente deslumbrante e deve muitas de suas influências a filmes de terror clássicos como The Devils, The Sentinel, Eraserhead (esse temos aqui) e The Shining. A única parte do filme em que eu não estava tão interessada era o final psicodélico. Pareceu fora de contexto, mas talvez eu goste melhor em uma segunda visualização. Também tinha muitas fotos gratuitas da parte traseira de Sherri Moon.. Infelizmente, eu não acho que Lords of Salem seja atraente para o público em geral e provavelmente não terá um amplo lançamento como seus filmes anteriores.

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Hospital da Corrupção e dos Prazeres (1985)

Diretor: Rajá de Aragão

Duração: 83 minutos

País de origem: Brasil

Áudio: Português | Legenda:  -

Sinopse: Num hospital desqualificado, enfermeiros, médicos e pacientes participam de uma grande orgia. Cenas explicitas com peças de alcatra e picanha num dos mais baixos filmes nacionais do gênero.

Pornochanchada foi um gênero do cinema brasileiro. O termo, fruto das junções das palavras "pornô" com "chanchada", serviu para classificar um tipo de filme que começou a ser produzido na passagem para a década de 1970, que, por uma confluência de fatores econômicos e culturais, em especial com a liberação dos costumes, produziu uma nova tendência no campo cinematográfico no questionamento dos costumes e na exploração do erotismo. Produto cultural tipicamente do Brasil, a pornochanchada teve um grande sucesso comercial no país ao longo da década de 1970, não obstante o baixo custo de suas produções, realizadas principalmente na Boca do Lixo (wikipedia). Tem uma lista no Filmow caso você queira saber outros filmes dessa época pornochanchada, clique aqui.

O termo "boca do lixo", se refere a uma região do centro da cidade de São Paulo, localizada no bairro da Luz. Nas décadas seguintes, essas companhias atraíram distribuidoras, fábricas de equipamentos especializados, serviços de manutenção técnica e outras empresas do ramo cinematográfico para as redondezas. Entre o fim dos anos 1960, e o começo dos anos 1980, a Boca do Lixo tornou-se um reduto do cinema independente brasileiro, desvinculado dos incentivos governamentais.

Castro (2014) cita que: A designação Boca do Lixo era aplicada “porque ali se concentravam sujeitos que desafiavam as convenções morais e legais da sociedade. Seres comparáveis aos restos, à sujeira e aos dejetos produzidos continuamente na cidade” (TELES, 2009, p. 33 apud CASTRO, 2014). Viviam ali prostitutas trabalhando ilegalmente que foram despejadas do bairro por um governador.
O referido segmento erótico do cinema brasileiro corresponde predominantemente à Boca do Lixo, região paulistana compreendida por algumas ruas do bairro da Luz, em que um conjunto de diretores, atores, fotógrafos e demais técnicos cinematográficos reuniam-se entre si, sob a forma de cooperativas espontâneas, e dedicavam-se à vasta produção de filmes rotulados como pornochanchadas, por conta de seu esquema rápido de produção, obedecendo a critérios oportunistas como títulos apelativos e cenas recorrentes de nudez e/ou insinuação sexual.

CASTRO, Wesley Pereira de et al. Interstícios da pornochanchada brasileira: relações ambíguas entre a vendabilidade e contestação política nos filmes produzidos pela Boca do Lixo na primeira metade da década de 1980. 2014.

Sobre o filme aqui citado - Fiscalização sanitária aparece em hospital suspeito de corrupção e atos ilícitos. Mas, ao chegar no prédio, acaba encontrando algo bem pior e repugnante. Em meio as orgias sexuais que ocorrem no local, um grupo tentará desmontar este esquema e prender a quadrilha. Boca do lixo pura do cinema nacional, que inclui cenas bizarras de sexo em cenários repugnantes, incluindo até um açougue.

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Black Mass of the Nazi Sex Wizard (2015)

Vomit Gore 4
Diretor: Lucifer Valentine
Duração: 66 minutos
País de origem: Canadá
Áudio: English | Legenda: Inglês

Sinopse: Black Mass of the Nazi Sex Wizard é a prequela da Trilogia Vomit Gore de Lucifer Valentine. Neste labirinto demoníaco, experimentamos o ritual satânico que gera encarnações sem fim de Angela Aberdeen, pois ela está condenada a viver sua existência assombrada da eterna "garota perdida". Numa noite fria e escura de Natal, entramos no reino do inferno de angela e testemunhamos suas mutações torturadas enquanto descemos mais fundo em seu mundo subterrâneo satânico da  Missa Negra Sexual do Mago nazista.

Vômito, sangue e Natal. Este filme é doentio e implacável, embora bastante repetitivo. O estilo dos namorados parece estar melhorando, a trilha sonora e a cinematografia são muito boas, e uma consistência é mantida, apesar do assunto bizarro. Este filme também não gasta tempo com digressões pornográficas que reduzem a tensão. Dito isto, os cortes rápidos, destinados a desorientar, logo se tornam cansativos. E algumas fotos são muito longas ou claras, revelando os efeitos falsos, embora eu não saiba se é intencional. Claro que não há muito enredo decifrável, mas este filme consegue fazer o que pretendia.
De acordo com o horrorsociety (2015), (e que eu não tinha parado pra pensar), o que impressiona não são os filmes em si, mas os fãs, são obcecados por esses filmes. A tal ponto que vários têm os personagens e obras de arte do filme tatuados neles.
A história desta é um pouco mais do que encontramos em Slaughtered Vomit Dolls e  ReGOREgitated Sacrifice , mas é contada de tal maneira que o espectador não tem idéia do que está acontecendo. Por fim, o filme retorna às raízes sangrentas e produz matanças. O filme tem algumas das maiores emoções do cinema independente, mas apenas para os fãs mesmo! 

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Miss Violence (2013)

Diretor: Alexandros Avranas
Duração:  98 minutos
País de origem: Grécia
Áudio: Grego(?) | Legenda: Português

Sinopse: Aggeliki (Chloe Bolota) no seu aniversário de 11 anos se joga da varanda de casa com um sorriso no rosto. Sua família alega que não foi suicídio, mas sim um acidente e parece conformada com a morte da menina tentando, de todas as formas, continuar com suas vidas, perfeitamente organizadas. Em busca de respostas, promotores começam uma investigação para saber se foi, ou não suicídio e quais são os segredos obscuros que essa família, aparentemente perfeita guarda.

Hoje foi o dia dos filmes gregos e estranhos! Seguindo "Dente Canino (2009)" postado a pouco tempo e “Miss Violence” que choca ao mostrar uma família nada convencional. Ambos os filmes retratam a decomposição de famílias nada ortodoxas. Entre pesquisas encontrei um artigo chamado "Dente Canino e Miss Violence: a 'estranha onda grega' e a violência dos afetos" de Catarina Amorim , para os mais curiosos no assunto.

As duas Grécias, de várias maneiras, se cruzam em Miss Violence, drama do jovem diretor Alexandros Avranas que conquistou, em 2013, dois merecidos troféus no Festival de Veneza: o Leão de Prata de melhor direção e a Copa Volpi de melhor ator para o impressionante Themis Panou, um ator originário do teatro que interpreta o patriarca de uma família disfuncional.

A tensão permanente é construída com muita eficácia pelo diretor, a partir de uma fotografia de cores dessaturadas, em tons marrons e, mais ainda, por uma direção de atores que trabalha no sentido de desdramatizar a expressão dos sentimentos. 

Na verdade, no entanto, transmite com precisão a incrível repressão e o pacto de silêncio diante das relações anormais que vigoram dentro da família.

Afinal, as gestações de Eleni se sucedem sem que haja nenhuma outra figura masculina no clã, exceto o pai. E as meninas veem com medo sua aproximação da puberdade.

Não pode deixar de ser incômoda a crueza com que os personagens infantis são submetidos a situações de humilhação ou de violência.

Na coletiva de apresentação do filme, em Veneza, o diretor inclusive comentou este assunto, esclarecendo que a temática de sua história havia sido exaustivamente debatida tanto com seus jovens atores, quanto com seus pais, para garantir que nenhum limite indesejável fosse ultrapassado.

E que sua intenção, ao fazer o filme, era no sentido de uma denúncia e tomada de consciência em relação à violência doméstica escondida entre as quatro paredes dos lares. Ao pôr o dedo na ferida, o diretor expõe um mal que é discutido hoje nos quatro cantos do mundo (Por Neusa Barbosa em exame.com , 2014).

Avranas levou sua história ao extremo, para mostrar o quão podre é a instituição que chamamos de "sagrada família grega". A porta do apartamento está trancada. Para um patriarca, não importa o que acontece por trás dele, desde que fique lá. Afinal, é a família dele. O que importa é o seu próprio rosto para a sociedade, para manter as aparências. O que importa é a superfície, não a substância.

Um filme que é ao mesmo tempo um thriller psicológico e um estudo cultural frio, mas profundo.

Curiosidades: Baseado no caso real de Detlef S, pai de oito filhos, em 2011, que abusou da filha e forçou a enteada a se prostituir. Como afirmou o diretor Alexandros Avranas, o caso da vida real é ainda mais sombrio do que o filme retrata. Detlef S foi considerado culpado em 70 acusações de abuso sexual de crianças menores de 14 anos, 63 acusações de abuso de menores e 29 acusações de facilitar a prostituição.

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Kynodontas (2009)

Outros títulos: Dogtooth | Dente Canino | Canine

Diretor: Yorgos Lanthimos

Duração: 94 minutos

País de origem: Grécia

Áudio: Grego | Legenda: Português

Sinopse: Dente Canino conta a história de uma família que tem três filhos e moram em uma casa isolada no subúrbio. Em volta dessa casa há uma cerca muito alta, que as crianças nunca passaram. Ou seja, os filhos do casal nunca tiveram nenhum contato com mundo exterior. Quem cria, educa e ensina todo para as crianças são os pais, porém, excluindo toda e qualquer influência do mundo lá fora. A situação piora quando as crianças começam a fazer questionamentos que não fazem mais sentido no mundo em eles vivem.

Vinte e poucos anos em uma casa grande e eles ficaram lá a vida toda por causa de seus pais. As três crianças são contadas mentiras de vários graus. Vivendo totalmente isolados do mundo e em um universo fabricado, eles não reagem como as pessoas normais. A falta de conscientização e exposição cria cenários e reações muito interessantes.  Eles realmente pensaram que expor as crianças ao mundo seria prejudicial para elas. Embora isso não seja algo com o qual possamos concordar, existem alguns aspectos positivos que surgem na minha opinião. Por exemplo, quando uma das meninas que nunca foi exposta à cultura popular dança, ela cria algo único. Como ela nunca viu nada antes, ela não é influenciada por nada e cria seu próprio estilo. Isso é positivo em minha mente.

No entanto, só, não há muito suspense, terror nem nada demais para "chocar", apesar de uma ideia interessante muitas vezes, os momentos se prolongavam por mais cinco minutos do que deveriam e os eventos careciam do fluxo necessário para manter alguém interessado. Cinco minutos pareciam dez, dez pareciam vinte e, bem, você entendeu. Longas cenas de sexo desajeitadas, sangue desnecessário, apenas para tentar mantê-lo interessante e nervoso. O filme é provocativo, pois aborda alguns temas sexuais bastante delicados - principalmente envolvendo incesto - que alguns na platéia podem achar desconcertantes para dizer o mínimo. Enfim pelo que percebi é mais um filme que as pessoas dão 8 ou 80, amam ou odeiam!

Alguns dizem ser uma "cópia" do filme mexicano chamado "Castelo da pureza" de 1973, dirigido por Arturo Ripstein. E também que história foi baseada em um evento real que aconteceu no México nos anos 50. 

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Melissa P. (2006)

Outros títulos: 100 Escovadas Antes de Dormir

Diretor: Luca Guadagnino

Duração: 97 minutos

País de origem: Espanha | Itália

Áudio: Itália | Legenda: Português

Sinopse: Garota de 16 anos, solitária e tímida, aceita convite para encontro com amigo que a inicia no sexo e em jogos sádicos. Devagar, ela se envolve com esse mundo e passa a ter encontros ousados com outros parceiros.

O filme não é tanto uma ficção quanto muitos gostariam que fosse. De maneira muito realista, revela a hiper-sensibilidade da juventude, os sentimentos, a maneira especial como tudo está chegando ao cérebro de um homem, o sexo, as cores, os pensamentos confusos ... e então aqui estão as decisões. Melissa sempre quer escolher o que fazer com sua vida, o que sentir, como agir, o que procurar, mas, de alguma forma, a mudança está apenas em suas ações, mas não em seu interior, suas capas de diário geralmente estão desarmonia com o que acontece com ela depois.  Ela é menos consciente do que a personagem interpretada por Liv Tyler em Stealing Beauty, mas muito mais proativa. Ela não deixa as situações passarem, ela está pegando o que pode dali, ela não espera. A crueldade dos atos e a doçura do interior. Incompatível. E que este filme é mais real que um doce romance.
Ainda assim, a maioria diz que 'Melissa P.' é fraco demais e clichê.
Cenas que foram filmados de uma maneira muito amadora e foram interrompidos, então nada realmente aconteceu. Para um filme que entra na vida sexual de um indivíduo, toda a tensão sexual leva a alguns momentos de beijo e, antes que as coisas se tornem excessivas, é interrompida, resultando em tédio. No entanto, houve alguns momentos deste filme que foram bastante bons, como o personagem da avó de Melissa, interpretado pela maravilhosa Geraldine Chaplin. O papel principal de Melissa também foi desempenhado muito bem por María Valverde e ela conseguiu muito bem a personagem sexualmente carregada.

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Ichi the killer (2001)

Outros títulos: 殺し屋 1, Koroshiya Ichi, Ichi: O Assassino

Diretor: Takashi Miike

Duração:  129 minutos

País de origem: Japão

Áudio: Japonês | Legenda: Português

Sinopse: Anjo, um chefe da máfia japonesa, a Yakuza, desaparece com três milhões de ienes. Os membros de sua gangue, liderados pelo masoquista Kakihara, saem em busca de Anjo, mas os métodos extremamente violentos do novo líder acabam chamando a atenção negativamente de gangues rivais. Tudo piora quando ele contrata o misterioso assassino psicopata Ichi, controlado por um policial aposentado.

Esse é um filme a pedido, e a revisão foi escrita por Victor Fermino (2018), como não estou com tempo para assistir, e nunca o vi, não sei o que dizer, se é bom ou mediano, acredito que pelo fato do diretor ser o próprio Takashi Miike, para quem gosta vale a pena!

Ichi the Killer é baseado num mangá de mesmo nome que circulou no fim do século passado, escrito por Hideo Yamamoto. Como ambas as obras seguem a mesma sinopse, vou simplificar: Ichi é um rapaz com problemas psicológicos que é usado por um “mafioso” para dar conta de outros mafiosos, porque o fato de ter problemas mentais fez com que ele se tornasse um lutador extremamente ágil e habilidoso, capaz de trucidar dezenas de homens em minutos, ainda mais quando usa uma roupa especial para matar mafiosos. E do outro lado da história, temos Kakihara, o loiro cicatrizado da imagem acima: Kakihara é um membro importante do grupo que Ichi costuma fatiar, mas não é um membro qualquer; ele é cruel, violento, habilidoso e demonstra um masoquismo doentio. Mais do que isso, Kakihara idolatra dor e sofrimento, tanto dele quanto de outras pessoas.

Com um ambiente estabelecendo uma grande quantidade de figurantes prontos para morrerem de formas horrendas nas mãos de dois psicopatas, qualquer diretor faria um filme de ação, mas a adaptação de Ichi the Killer acaba providenciando um insight da personagem realmente interessante: Kakihara.

Segundo a narrativa do filme, Ichi é uma lenda; ele é a personagem titular mas não passa de um problema para Kakihara e sua gangue. No início, há problemas maiores, e nós, espectadores, somos servidos com um banquete de sangue e violência que, para Kakihara, são banais, mas não da mesma forma que seriam se o filme retratasse a perspectiva de Ichi.

Ichi é, para todos os fins, um super-herói: ele consegue facilmente esquartejar qualquer criatura que cruze seu caminho, usando as lâminas nos seus sapatos, e usa uma roupa especial que o faz parecer ridículo. Sua única fraqueza é o fato de ser, por dentro, uma criança manipulável e instável. Se Ichi fosse o foco do filme, teríamos sequências de ação rápidas e frequentes com um eventual clímax onde Kakihara potencialmente usaria a fraqueza de Ichi contra ele (nesse caso, uma garota, já que os problemas do rapaz são atribuídos a inibição de sexualidade), para só então ser derrotado.

Mas o filme não é assim. Enquanto o mangá de fato retratava Ichi de forma mais humana, talvez devido à duração, Takashi Miike teve que condensar o enredo, e com isso, estabeleceu a narrativa do ponto de vista do mafioso cruel, mas ainda assim, humano.

Veja, é um filme de 2001, época de experiências muitas vezes falhas de integração de efeitos visuais práticos com efeitos computadorizados. Ichi the Killer ainda tem muito sangue de molho de tomate digital, mas a forma como a violência é retratada acaba entretendo. Isso porque a maioria das mortes não tem impacto emocional por si (são mafiosos, afinal), mas porque elas são simplesmente essenciais à rotina do filme.

Rotina?

Sim. Rotina. Como dito acima, Kakihara é um criminoso, mas um trabalhador ainda assim (boa parte do filme é sobre a jornada em busca de seu chefe, Anjo), morte e tortura são rotina. E assim como em Visitor Q, o filme acaba te deixando confortável nesse ambiente macabro, que tem sua própria lógica doentia e suas personagens vindas de um submundo que ninguém gostaria de visitar na vida real.(medium.com)

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Fight for Your Life (1977)

Outros títulos: Lute Pela Sua Vida - Brasil

Ausbruch zur Hölle - Alemanha

Defiende tu Vida - Espanha

Staying Alive - Estados Unidos da América

Otages en Sursis - França

Diretor: Robert A. Endelson

Duração: 85 minutos

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Esse filme foi a pedido, não encontrei legenda em português, porém utilizei um programa para traduzi-la! A legenda contém erros, mas da pra entender muito bem, mais uma singularidade!

O exploitation Fight for Your Life não é necessariamente considerado um filme de terror. Mas na verdade não é muito diferente de tortura / vingança, filmes de “horror” como Eu cuspo em sua sepultura ou Última casa à esquerda. Este é politicamente incorreto como qualquer um deles, não apenas com o abuso físico e sexual, mas também com assassinatos de crianças e epítetos raciais de sobra.

A história é básiquinha: três condenados fugitivos tomam como refém a família de um pastor negro (Robert Judd), a fim de ficarem quietos enquanto os policiais estão caçando. Como todos precisam de um pouco de entretenimento, eles continuam abusando e humilhando a família por horas. O principal ofensor é o líder de gangue Kane (William Sanderson, mais conhecido como Larry pelo programa de TV Newhart), um caipira racista que usa uma corda como cinto.

Os criminosos são estereótipos de oportunidades iguais: um branco, um hispânico, um asiático, todos psicóticos. Como em todos os filmes desse gênero, é desconfortável assistir, mas o elemento racial o torna duplamente. Se você é uma pessoa branca procurando algo para assistir com um amigo negro, posso sugerir algo menos inflamatório, como Nascimento de uma Nação (1915) KKK.

Ainda assim, o objetivo da Fight for Your Life é desconforto e, nesse nível, é bem-sucedido (em grande parte graças ao desempenho alegre e desprezível de Sanderson). É um filme de exploração bem feito e corajoso. E como qualquer bom filme de vingança, há muitas oportunidades de vingança ... embora, francamente, isso possa ter ido mais longe. Não sei ao certo qual é a moral da história; por toda a conversa do pregador sobre dar a outra face, ele com certeza muda de tom até o final.

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Cobain: Montage of Heck (2015)

Diretor: Brett Morgen (I)

Duração: 132 minutos

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: "Focado na vida do lendário vocalista da banda Nirvana por meio de materiais inéditos como canções, filmes caseiros, obras de arte, fotografias, revistas e songbooks, "Cobain: Montage of a Heck" é o primeiro documentário plenamente autorizado sobre o músico.Exibido pela primeira vez no Sundance Film Festival 2015, o documentário é dirigido por Brett Morgen (indicado ao Oscar em 1999 pelo documentário "On the Ropes"), que trabalhou desde 2007 na produção do mesmo."

Há uma grande quantidade de críticos, jornalistas e fãs que estão irresponsavelmente jogando a fase "o documentário definitivo" em relação a Kurt Cobain. Este filme não é absolutamente definitivo. Ele oferece uma fatia muito estreita da vida de Kurt e tem pouco ou nenhum foco em sua arte, que é a única coisa que Kurt queria que as pessoas examinassem mais do que qualquer coisa.
O título "Montage of Heck", tirado de uma das antigas mixtapes de Kurt, é certamente um nome adequado. O filme faz uso de vários clipes dos vídeos caseiros de Kurt, desenhos, cadernos, poesia, cartas de amor e muito mais. A edição nessas montagens é linda e atraente, e existem alguns segmentos de animação absolutamente lindos. Porém as vezes essas seções do filme geralmente se prolongavam demais distraindo a narrativa em vez de servi-la e nos vendendo partes da mente de Kurt e da turbulência interna que já eram muito claras.
O filme tem apenas um único tema, que é usar a mídia pessoal oferecida com gentileza pela família Cobain para contar a história de uma alma torturada e hiper-sensível, talentosa e viciada em drogas que se matou, e a nuvem de caos que levou a isso.
Há pouca ou nenhuma percepção sobre sua arte, apenas as lutas que o levaram a fazer sua arte, que são muito menos interessantes porque, como público, estamos bem conscientes do que os hábitos negativos podem fazer com a psique ou a saúde física, mas o real intriga é o que uma pessoa cria ou faz apesar desses problemas. Talvez seja essa a opinião de alguns.  De alguma forma, esse filme conseguiu se tornar o inimigo e refletiu tudo o que Kurt tentou fugir. Apesar de Morgen ter feito isso pelo dinheiro.
Apesar destes detalhes, o filme é um olhar enérgico para Kurt Cobain e o homem que ele era. Foi bem feito, divertido e um documentário que vale a pena ser visto, principalmente de graça.!
A trilha sonora do filme apresenta gravações, capas e remixes ao vivo do Nirvana, além de músicas de outros artistas que se encaixam nas cenas, como a música Buddy Holly, que reproduz os filmes caseiros de seus pais nos anos 60. Isso é bem executado e eu particularmente adoro a versão para violino de "Smell Like Teen Spirit", que foi usada para imitar uma partitura orquestral na sequência animada mais longa.

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Maladolescenza (1977)

Outros títulos:  Spielen wir Liebe (Alemanha)

Maladolescencia (Espanha)

Puppy Love (Estados Unidos da América)

Diretor:Pier Giuseppe Murgia

Duração: 93 minutos

País de origem: Itália

Áudio: | Legenda: Português

Sinopse: Casal de adolescentes vive em local paradisíaco momentos de intensa felicidade e descobertas amorosas e sexuais, até que uma nova amiga surge para confundir e desestruturar a relação entre os dois.
A Maladolescenza, uma produção ítalo-alemã de 1977, no entanto, lida com isso de uma maneira poderosamente real - mostrando em termos gráficos o bullying de adolescentes e o uso do sexo como instrumento de dominação.

Embora não seja totalmente claro sobre o objetivo e a intenção do diretor, Maladolescenza é um filme tenso e não é recomendado para aqueles ofendidos por crueldade com animais (neste caso - um pássaro) ou crianças apresentadas nuas e em situações ameaçadoras.

Definido como uma partitura original de Pippo Caruso, baseada em músicas e danças medievais, o filme se passa em uma floresta que mantém as ruínas de uma cidade antiga. Existem apenas três atores no filme e eles apresentam performances memoráveis. Dois adolescentes, Fabrizio (Martin Loeb) e Laura (Lara Wendel), moram perto da borda da floresta e passam as férias de verão brincando juntos, como há muitos anos. Laura, de 12 anos, está apaixonada por Fabrizio e o provoca sexualmente, mas ele responde apenas provocando e assustando-a. Como a maioria dos agressores, no entanto, ele sabe exatamente quando desistir para tranquilizar sua vítima e dar a ela uma falsa sensação de segurança. Quando os dois descobrem a misteriosa cidade velha, Fabrizio se declara rei, mas, para Laura ser rainha, ela deve primeiro vencer os testes cruéis que ele criou.

Entre eles, ter uma cobra jogada em cima de você enquanto você se deita no chão e é perseguido por um cachorro rosnando pela floresta. Laura, como muitas vítimas voluntárias, proclama sua confiança em Fabrice, apesar de seu sadismo e da morte de seu pássaro de estimação. Quando eles então fazem amor juntos, no entanto, isso é feito com ternura e o filme mostra Fabrizio como um bom coração quando ele se adapta a seus próprios propósitos. Quando uma nova garota de 13 anos, Sylvia (Eva Ionesco), se junta ao grupo a convite de dois amigos, as coisas não funcionam para a vantagem de Laura. Sylvia, ao contrário de Laura, é manipuladora e fria, e logo ela e Fabrizio se unem para humilhar e assustar Laura, obrigando-a a correr pela floresta enquanto atiram arcos e flechas nela, usando máscaras aterradoras. 

Percebendo que Fabrizio e Sylvia se apaixonaram, Laura comovente começa a se vestir e agir como Sylvia para reconquistar o carinho de Fabrizio, mas sem sucesso. com um trabalho de câmera muito atmosférico e uma trilha sonora que varia de bonita a enervante e até perturbadora.  Uma coisa que torna o filme tão poderoso é a maneira como ele constantemente oscila entre cenas muito bonitas, como as crianças brincando e rindo enquanto a música bonita toca, antes que as cenas se transformem em horror.

Infelizmente, muitas pessoas não conseguem enxergar além dessas cenas de sexo e não conseguem descobrir o verdadeiro significado da história: os verdadeiros adolescentes maus podem ser. Até algumas capas que eu já vi desse filme fazem você pensar erroneamente que este é um filme erótico superficial. Na verdade, esta é uma história sobre crueldade. Você sentirá pena de Laura porque ela é o alvo, ela é a terceira pessoa, ela é quem sempre fica no banco de trás e está sendo odiada sem motivo. Mas de alguma forma perto do fim, ela também é cruel, talvez por vingança, talvez por ter aprendido  garoto o ferrado que controla outras pessoas deliberadamente usando sua força e superioridade de autoconfiança, o garoto egoísta que não dá a mínima para ninguém. E o resultado é uma tragédia sem sentido que poderia ter sido facilmente evitada. Embora o cenário seja idílico, sob a direção hábil de Pier Murgia, Maladolescenza mantém uma atmosfera constante de ameaça iminente.

Curiosidades:

O filme foi realmente feito em 1972, quando as duas estrelas femininas tinham apenas 12 anos, apesar de ambas parecerem totalmente nuas e se apresentarem em cenas de sexo simuladas.

Proibido na Holanda desde 2010, porque o filme é considerado pornografia infantil. É o único filme que já foi proibido na Holanda.

A Maladolescenza é proibida na Alemanha desde 28 de julho de 2006. Considerando as leis alemãs, é pornografia infantil (§ 184 b StGB).

Acredita-se que o título italiano original de "Maladolescenza" seja uma palavra portmanteau de 'malizia adolescenza', que significa 'malícia na adolescência' em inglês.

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Cannibal (2006)

Diretor: Marian Dora

Duração: 90 minutos

País de origem: Alemanha

Áudio: Inglês | Legenda: Português (com erros)

Sinopse:Baseado no caso da vida real de Armin Meiwes, um solitário programador homossexual alemão que coloca uma série de anúncios online, na esperança de atrair alguém a quem ele possa cozinhar e comer (!). Surpreendentemente, o anúncio é bem sucedido, atraindo a atenção de um homem (que é aqui chamado apenas "a carne"). Logo, o Canibal e seu jantar em perspectiva estão em êxtase, amando, trocando carícias... fazendo tudo que um casal "normal" faria... tudo como um prefácio para as atrocidades que vêm a seguir...

O filme em si, embora falho algumas vezes, honestamente é bem feito. Há muitas imagens surpreendentes que você não veria em outro lugar, só nos filmes de Marian Dora mesmo. A fotografia na maioria das vezes é como estar vendo The Angel’s Melancholia (2009), só muda o roteiro. Uma das cenas de abertura é de um sem-teto injetando heroína, e parece razoavelmente autêntica. Quando o filme finalmente chega ao desmembramento, tudo é muito realista. Eu não ficaria surpreso se alguém dissesse que eles usavam um cadáver de animal nos closes. A iluminação e o enquadramento também são muito bem feitos em algumas cenas interiores.

Como mencionei antes, o filme tem uma qualidade realmente ingênua e inocente. Você teria que ser espetacularmente demente para realmente se envolver nas atividades descritas, e talvez minha imagem romantizada de uma figura de Hannibal Lecter esteja mostrando minha ingenuidade. Por outro lado, há particularidades dementes que poderia ser uma encenação de um evento real,  onde duas pessoas perturbadas se encontram e realizam um cenário mutuamente agradável ... um come o outro. 

Devo mencionar que existe um conteúdo homossexual significativo que está totalmente de acordo com o evento da vida real. Novamente, isso foi bastante gráfico e um tanto inesperado. Se eu tivesse tempo para pesquisar o caso, teria ficado menos surpreso. Embora isso possa fazer com que alguns evitem esse filme, eu diria que ele faz parte da experiência total e é essencial para a história.

Eu acho que o que torna esse excelente artesanato é que é um filme, mas estranhamente realista, é quase como assistir a um documentário do evento real e é terrivelmente nojento.

Você é fã de Kvlt? Veja o filme. É fã de filmes para doidos? Veja o filme. Não? Veja assim mesmo e comente xingando muito, haha mas para quem não é fã de cinema extremo, eu recomendaria encontrar um livro sobre o estudo de caso em vez de assistir a isso, um apena que nada mais me surpreende, já vi todos, e esse só mais um que me daria sono. Nota imdb 5,3/10..

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