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Miss Violence (2013)

Outros títulos:
Diretor: Alexandros Avranas
Duração:  98 minutos
País de origem: Grécia
Áudio: Grego(?) | Legenda: Português

Sinopse: Aggeliki (Chloe Bolota) no seu aniversário de 11 anos se joga da varanda de casa com um sorriso no rosto. Sua família alega que não foi suicídio, mas sim um acidente e parece conformada com a morte da menina tentando, de todas as formas, continuar com suas vidas, perfeitamente organizadas. Em busca de respostas, promotores começam uma investigação para saber se foi, ou não suicídio e quais são os segredos obscuros que essa família, aparentemente perfeita guarda.

Hoje foi o dia dos filmes gregos e estranhos! Seguindo "Dente Canino (2009)" postado a pouco tempo e “Miss Violence” que choca ao mostrar uma família nada convencional. Ambos os filmes retratam a decomposição de famílias nada ortodoxas. Entre pesquisas encontrei um artigo chamado "Dente Canino e Miss Violence: a 'estranha onda grega' e a violência dos afetos" de Catarina Amorim , para os mais curiosos no assunto.

As duas Grécias, de várias maneiras, se cruzam em Miss Violence, drama do jovem diretor Alexandros Avranas que conquistou, em 2013, dois merecidos troféus no Festival de Veneza: o Leão de Prata de melhor direção e a Copa Volpi de melhor ator para o impressionante Themis Panou, um ator originário do teatro que interpreta o patriarca de uma família disfuncional.
A tensão permanente é construída com muita eficácia pelo diretor, a partir de uma fotografia de cores dessaturadas, em tons marrons e, mais ainda, por uma direção de atores que trabalha no sentido de desdramatizar a expressão dos sentimentos. 
Na verdade, no entanto, transmite com precisão a incrível repressão e o pacto de silêncio diante das relações anormais que vigoram dentro da família.
Afinal, as gestações de Eleni se sucedem sem que haja nenhuma outra figura masculina no clã, exceto o pai. E as meninas veem com medo sua aproximação da puberdade.
Não pode deixar de ser incômoda a crueza com que os personagens infantis são submetidos a situações de humilhação ou de violência.
Na coletiva de apresentação do filme, em Veneza, o diretor inclusive comentou este assunto, esclarecendo que a temática de sua história havia sido exaustivamente debatida tanto com seus jovens atores, quanto com seus pais, para garantir que nenhum limite indesejável fosse ultrapassado.
E que sua intenção, ao fazer o filme, era no sentido de uma denúncia e tomada de consciência em relação à violência doméstica escondida entre as quatro paredes dos lares. Ao pôr o dedo na ferida, o diretor expõe um mal que é discutido hoje nos quatro cantos do mundo (Por Neusa Barbosa em exame.com , 2014).
Avranas levou sua história ao extremo, para mostrar o quão podre é a instituição que chamamos de "sagrada família grega". A porta do apartamento está trancada. Para um patriarca, não importa o que acontece por trás dele, desde que fique lá. Afinal, é a família dele. O que importa é o seu próprio rosto para a sociedade, para manter as aparências. O que importa é a superfície, não a substância.
Um filme que é ao mesmo tempo um thriller psicológico e um estudo cultural frio, mas profundo.
Curiosidades: Baseado no caso real de Detlef S, pai de oito filhos, em 2011, que abusou da filha e forçou a enteada a se prostituir. Como afirmou o diretor Alexandros Avranas, o caso da vida real é ainda mais sombrio do que o filme retrata. Detlef S foi considerado culpado em 70 acusações de abuso sexual de crianças menores de 14 anos, 63 acusações de abuso de menores e 29 acusações de facilitar a prostituição.
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Kynodontas (2009)


Outros títulos: Dogtooth | Dente Canino | Canine
Diretor: Yorgos Lanthimos
Duração: 94 minutos
País de origem: Grécia
Áudio: Grego | Legenda: Português

Sinopse: Dente Canino conta a história de uma família que tem três filhos e moram em uma casa isolada no subúrbio. Em volta dessa casa há uma cerca muito alta, que as crianças nunca passaram. Ou seja, os filhos do casal nunca tiveram nenhum contato com mundo exterior. Quem cria, educa e ensina todo para as crianças são os pais, porém, excluindo toda e qualquer influência do mundo lá fora. A situação piora quando as crianças começam a fazer questionamentos que não fazem mais sentido no mundo em eles vivem.

Vinte e poucos anos em uma casa grande e eles ficaram lá a vida toda por causa de seus pais. As três crianças são contadas mentiras de vários graus. Vivendo totalmente isolados do mundo e em um universo fabricado, eles não reagem como as pessoas normais. A falta de conscientização e exposição cria cenários e reações muito interessantes.  Eles realmente pensaram que expor as crianças ao mundo seria prejudicial para elas. Embora isso não seja algo com o qual possamos concordar, existem alguns aspectos positivos que surgem na minha opinião. Por exemplo, quando uma das meninas que nunca foi exposta à cultura popular dança, ela cria algo único. Como ela nunca viu nada antes, ela não é influenciada por nada e cria seu próprio estilo. Isso é positivo em minha mente.
No entanto, só, não há muito suspense, terror nem nada demais para "chocar", apesar de uma ideia interessante muitas vezes, os momentos se prolongavam por mais cinco minutos do que deveriam e os eventos careciam do fluxo necessário para manter alguém interessado. Cinco minutos pareciam dez, dez pareciam vinte e, bem, você entendeu. Longas cenas de sexo desajeitadas, sangue desnecessário, apenas para tentar mantê-lo interessante e nervoso. O filme é provocativo, pois aborda alguns temas sexuais bastante delicados - principalmente envolvendo incesto - que alguns na platéia podem achar desconcertantes para dizer o mínimo. Enfim pelo que percebi é mais um filme que as pessoas dão 8 ou 80, amam ou odeiam!

Alguns dizem ser uma "cópia" do filme mexicano chamado "Castelo da pureza" de 1973, dirigido por Arturo Ripstein. E também que história foi baseada em um evento real que aconteceu no México nos anos 50. 

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Melissa P. (2006)


Outros títulos: 100 Escovadas Antes de Dormir
Diretor: Luca Guadagnino
Duração: 97 minutos
País de origem: Espanha | Itália
Áudio: Itália | Legenda: Português

Sinopse: Garota de 16 anos, solitária e tímida, aceita convite para encontro com amigo que a inicia no sexo e em jogos sádicos. Devagar, ela se envolve com esse mundo e passa a ter encontros ousados com outros parceiros.

O filme não é tanto uma ficção quanto muitos gostariam que fosse. De maneira muito realista, revela a hiper-sensibilidade da juventude, os sentimentos, a maneira especial como tudo está chegando ao cérebro de um homem, o sexo, as cores, os pensamentos confusos ... e então aqui estão as decisões. Melissa sempre quer escolher o que fazer com sua vida, o que sentir, como agir, o que procurar, mas, de alguma forma, a mudança está apenas em suas ações, mas não em seu interior, suas capas de diário geralmente estão desarmonia com o que acontece com ela depois.  Ela é menos consciente do que a personagem interpretada por Liv Tyler em Stealing Beauty, mas muito mais proativa. Ela não deixa as situações passarem, ela está pegando o que pode dali, ela não espera. A crueldade dos atos e a doçura do interior. Incompatível. E que este filme é mais real que um doce romance.
Ainda assim, a maioria diz que 'Melissa P.' é fraco demais e clichê. 
Cenas que foram filmados de uma maneira muito amadora e foram interrompidos, então nada realmente aconteceu. Para um filme que entra na vida sexual de um indivíduo, toda a tensão sexual leva a alguns momentos de beijo e, antes que as coisas se tornem excessivas, é interrompida, resultando em tédio. No entanto, houve alguns momentos deste filme que foram bastante bons, como o personagem da avó de Melissa, interpretado pela maravilhosa Geraldine Chaplin. O papel principal de Melissa também foi desempenhado muito bem por María Valverde e ela conseguiu muito bem a personagem sexualmente carregada.
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Ichi the killer (2001)


Outros títulos: 殺し屋 1, Koroshiya Ichi, Ichi: O Assassino
Diretor: Takashi Miike
Duração:  129 minutos
País de origem: Japão
Áudio: Japonês | Legenda: Português

Sinopse: Anjo, um chefe da máfia japonesa, a Yakuza, desaparece com três milhões de ienes. Os membros de sua gangue, liderados pelo masoquista Kakihara, saem em busca de Anjo, mas os métodos extremamente violentos do novo líder acabam chamando a atenção negativamente de gangues rivais. Tudo piora quando ele contrata o misterioso assassino psicopata Ichi, controlado por um policial aposentado.

Esse é um filme a pedido, e a revisão foi escrita por Victor Fermino (2018), como não estou com tempo para assistir, e nunca o vi, não sei o que dizer, se é bom ou mediano, acredito que pelo fato do diretor ser o próprio Takashi Miike, para quem gosta vale a pena!
Ichi the Killer é baseado num mangá de mesmo nome que circulou no fim do século passado, escrito por Hideo Yamamoto. Como ambas as obras seguem a mesma sinopse, vou simplificar: Ichi é um rapaz com problemas psicológicos que é usado por um “mafioso” para dar conta de outros mafiosos, porque o fato de ter problemas mentais fez com que ele se tornasse um lutador extremamente ágil e habilidoso, capaz de trucidar dezenas de homens em minutos, ainda mais quando usa uma roupa especial para matar mafiosos. E do outro lado da história, temos Kakihara, o loiro cicatrizado da imagem acima: Kakihara é um membro importante do grupo que Ichi costuma fatiar, mas não é um membro qualquer; ele é cruel, violento, habilidoso e demonstra um masoquismo doentio. Mais do que isso, Kakihara idolatra dor e sofrimento, tanto dele quanto de outras pessoas.
Com um ambiente estabelecendo uma grande quantidade de figurantes prontos para morrerem de formas horrendas nas mãos de dois psicopatas, qualquer diretor faria um filme de ação, mas a adaptação de Ichi the Killer acaba providenciando um insight da personagem realmente interessante: Kakihara.
Segundo a narrativa do filme, Ichi é uma lenda; ele é a personagem titular mas não passa de um problema para Kakihara e sua gangue. No início, há problemas maiores, e nós, espectadores, somos servidos com um banquete de sangue e violência que, para Kakihara, são banais, mas não da mesma forma que seriam se o filme retratasse a perspectiva de Ichi.
Ichi é, para todos os fins, um super-herói: ele consegue facilmente esquartejar qualquer criatura que cruze seu caminho, usando as lâminas nos seus sapatos, e usa uma roupa especial que o faz parecer ridículo. Sua única fraqueza é o fato de ser, por dentro, uma criança manipulável e instável. Se Ichi fosse o foco do filme, teríamos sequências de ação rápidas e frequentes com um eventual clímax onde Kakihara potencialmente usaria a fraqueza de Ichi contra ele (nesse caso, uma garota, já que os problemas do rapaz são atribuídos a inibição de sexualidade), para só então ser derrotado.
Mas o filme não é assim. Enquanto o mangá de fato retratava Ichi de forma mais humana, talvez devido à duração, Takashi Miike teve que condensar o enredo, e com isso, estabeleceu a narrativa do ponto de vista do mafioso cruel, mas ainda assim, humano.
Veja, é um filme de 2001, época de experiências muitas vezes falhas de integração de efeitos visuais práticos com efeitos computadorizados. Ichi the Killer ainda tem muito sangue de molho de tomate digital, mas a forma como a violência é retratada acaba entretendo. Isso porque a maioria das mortes não tem impacto emocional por si (são mafiosos, afinal), mas porque elas são simplesmente essenciais à rotina do filme.
Rotina?
Sim. Rotina. Como dito acima, Kakihara é um criminoso, mas um trabalhador ainda assim (boa parte do filme é sobre a jornada em busca de seu chefe, Anjo), morte e tortura são rotina. E assim como em Visitor Q, o filme acaba te deixando confortável nesse ambiente macabro, que tem sua própria lógica doentia e suas personagens vindas de um submundo que ninguém gostaria de visitar na vida real.(medium.com)
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Fight for Your Life (1977)


Outros títulos: Lute Pela Sua Vida - Brasil
Ausbruch zur Hölle - Alemanha
Defiende tu Vida - Espanha
Staying Alive - Estados Unidos da América
Otages en Sursis - França
Diretor: Robert A. Endelson
Duração: 85 minutos
País de origem: EUA
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Esse filme foi a pedido, não encontrei legenda em português, porém utilizei um programa para traduzi-la! A legenda contém erros, mas da pra entender muito bem, mais uma singularidade!
O exploitation Fight for Your Life não é necessariamente considerado um filme de terror. Mas na verdade não é muito diferente de tortura / vingança, filmes de “horror” como Eu cuspo em sua sepultura ou Última casa à esquerda. Este é politicamente incorreto como qualquer um deles, não apenas com o abuso físico e sexual, mas também com assassinatos de crianças e epítetos raciais de sobra.
A história é básiquinha: três condenados fugitivos tomam como refém a família de um pastor negro (Robert Judd), a fim de ficarem quietos enquanto os policiais estão caçando. Como todos precisam de um pouco de entretenimento, eles continuam abusando e humilhando a família por horas. O principal ofensor é o líder de gangue Kane (William Sanderson, mais conhecido como Larry pelo programa de TV Newhart), um caipira racista que usa uma corda como cinto.
Os criminosos são estereótipos de oportunidades iguais: um branco, um hispânico, um asiático, todos psicóticos. Como em todos os filmes desse gênero, é desconfortável assistir, mas o elemento racial o torna duplamente. Se você é uma pessoa branca procurando algo para assistir com um amigo negro, posso sugerir algo menos inflamatório, como Nascimento de uma Nação (1915) KKK.
Ainda assim, o objetivo da Fight for Your Life é desconforto e, nesse nível, é bem-sucedido (em grande parte graças ao desempenho alegre e desprezível de Sanderson). É um filme de exploração bem feito e corajoso. E como qualquer bom filme de vingança, há muitas oportunidades de vingança ... embora, francamente, isso possa ter ido mais longe. Não sei ao certo qual é a moral da história; por toda a conversa do pregador sobre dar a outra face, ele com certeza muda de tom até o final.
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Cobain: Montage of Heck (2015)


Diretor: Brett Morgen (I)
Duração: 132 minutos
País de origem: EUA
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: "Focado na vida do lendário vocalista da banda Nirvana por meio de materiais inéditos como canções, filmes caseiros, obras de arte, fotografias, revistas e songbooks, "Cobain: Montage of a Heck" é o primeiro documentário plenamente autorizado sobre o músico.Exibido pela primeira vez no Sundance Film Festival 2015, o documentário é dirigido por Brett Morgen (indicado ao Oscar em 1999 pelo documentário "On the Ropes"), que trabalhou desde 2007 na produção do mesmo."

Há uma grande quantidade de críticos, jornalistas e fãs que estão irresponsavelmente jogando a fase "o documentário definitivo" em relação a Kurt Cobain. Este filme não é absolutamente definitivo. Ele oferece uma fatia muito estreita da vida de Kurt e tem pouco ou nenhum foco em sua arte, que é a única coisa que Kurt queria que as pessoas examinassem mais do que qualquer coisa.
O título "Montage of Heck", tirado de uma das antigas mixtapes de Kurt, é certamente um nome adequado. O filme faz uso de vários clipes dos vídeos caseiros de Kurt, desenhos, cadernos, poesia, cartas de amor e muito mais. A edição nessas montagens é linda e atraente, e existem alguns segmentos de animação absolutamente lindos. Porém as vezes essas seções do filme geralmente se prolongavam demais distraindo a narrativa em vez de servi-la e nos vendendo partes da mente de Kurt e da turbulência interna que já eram muito claras.
O filme tem apenas um único tema, que é usar a mídia pessoal oferecida com gentileza pela família Cobain para contar a história de uma alma torturada e hiper-sensível, talentosa e viciada em drogas que se matou, e a nuvem de caos que levou a isso.
Há pouca ou nenhuma percepção sobre sua arte, apenas as lutas que o levaram a fazer sua arte, que são muito menos interessantes porque, como público, estamos bem conscientes do que os hábitos negativos podem fazer com a psique ou a saúde física, mas o real intriga é o que uma pessoa cria ou faz apesar desses problemas. Talvez seja essa a opinião de alguns.  De alguma forma, esse filme conseguiu se tornar o inimigo e refletiu tudo o que Kurt tentou fugir. Apesar de Morgen ter feito isso pelo dinheiro.
Apesar destes detalhes, o filme é um olhar enérgico para Kurt Cobain e o homem que ele era. Foi bem feito, divertido e um documentário que vale a pena ser visto, principalmente de graça.!
A trilha sonora do filme apresenta gravações, capas e remixes ao vivo do Nirvana, além de músicas de outros artistas que se encaixam nas cenas, como a música Buddy Holly, que reproduz os filmes caseiros de seus pais nos anos 60. Isso é bem executado e eu particularmente adoro a versão para violino de "Smell Like Teen Spirit", que foi usada para imitar uma partitura orquestral na sequência animada mais longa.
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Maladolescenza (1977)


Outros títulos:  Spielen wir Liebe (Alemanha)

Maladolescencia (Espanha)
Puppy Love (Estados Unidos da América)
Diretor:Pier Giuseppe Murgia
Duração: 93 minutos
País de origem: Itália
Áudio: | Legenda: Português

Sinopse: Casal de adolescentes vive em local paradisíaco momentos de intensa felicidade e descobertas amorosas e sexuais, até que uma nova amiga surge para confundir e desestruturar a relação entre os dois.
A Maladolescenza, uma produção ítalo-alemã de 1977, no entanto, lida com isso de uma maneira poderosamente real - mostrando em termos gráficos o bullying de adolescentes e o uso do sexo como instrumento de dominação.
Embora não seja totalmente claro sobre o objetivo e a intenção do diretor, Maladolescenza é um filme tenso e não é recomendado para aqueles ofendidos por crueldade com animais (neste caso - um pássaro) ou crianças apresentadas nuas e em situações ameaçadoras.
Definido como uma partitura original de Pippo Caruso, baseada em músicas e danças medievais, o filme se passa em uma floresta que mantém as ruínas de uma cidade antiga. Existem apenas três atores no filme e eles apresentam performances memoráveis. Dois adolescentes, Fabrizio (Martin Loeb) e Laura (Lara Wendel), moram perto da borda da floresta e passam as férias de verão brincando juntos, como há muitos anos. Laura, de 12 anos, está apaixonada por Fabrizio e o provoca sexualmente, mas ele responde apenas provocando e assustando-a. Como a maioria dos agressores, no entanto, ele sabe exatamente quando desistir para tranquilizar sua vítima e dar a ela uma falsa sensação de segurança. Quando os dois descobrem a misteriosa cidade velha, Fabrizio se declara rei, mas, para Laura ser rainha, ela deve primeiro vencer os testes cruéis que ele criou.
Entre eles, ter uma cobra jogada em cima de você enquanto você se deita no chão e é perseguido por um cachorro rosnando pela floresta. Laura, como muitas vítimas voluntárias, proclama sua confiança em Fabrice, apesar de seu sadismo e da morte de seu pássaro de estimação. Quando eles então fazem amor juntos, no entanto, isso é feito com ternura e o filme mostra Fabrizio como um bom coração quando ele se adapta a seus próprios propósitos. Quando uma nova garota de 13 anos, Sylvia (Eva Ionesco), se junta ao grupo a convite de dois amigos, as coisas não funcionam para a vantagem de Laura. Sylvia, ao contrário de Laura, é manipuladora e fria, e logo ela e Fabrizio se unem para humilhar e assustar Laura, obrigando-a a correr pela floresta enquanto atiram arcos e flechas nela, usando máscaras aterradoras. 
Percebendo que Fabrizio e Sylvia se apaixonaram, Laura comovente começa a se vestir e agir como Sylvia para reconquistar o carinho de Fabrizio, mas sem sucesso. com um trabalho de câmera muito atmosférico e uma trilha sonora que varia de bonita a enervante e até perturbadora.  Uma coisa que torna o filme tão poderoso é a maneira como ele constantemente oscila entre cenas muito bonitas, como as crianças brincando e rindo enquanto a música bonita toca, antes que as cenas se transformem em horror.

Infelizmente, muitas pessoas não conseguem enxergar além dessas cenas de sexo e não conseguem descobrir o verdadeiro significado da história: os verdadeiros adolescentes maus podem ser. Até algumas capas que eu já vi desse filme fazem você pensar erroneamente que este é um filme erótico superficial. Na verdade, esta é uma história sobre crueldade. Você sentirá pena de Laura porque ela é o alvo, ela é a terceira pessoa, ela é quem sempre fica no banco de trás e está sendo odiada sem motivo. Mas de alguma forma perto do fim, ela também é cruel, talvez por vingança, talvez por ter aprendido  garoto o ferrado que controla outras pessoas deliberadamente usando sua força e superioridade de autoconfiança, o garoto egoísta que não dá a mínima para ninguém. E o resultado é uma tragédia sem sentido que poderia ter sido facilmente evitada. Embora o cenário seja idílico, sob a direção hábil de Pier Murgia, Maladolescenza mantém uma atmosfera constante de ameaça iminente.
Curiosidades:
O filme foi realmente feito em 1972, quando as duas estrelas femininas tinham apenas 12 anos, apesar de ambas parecerem totalmente nuas e se apresentarem em cenas de sexo simuladas.
Proibido na Holanda desde 2010, porque o filme é considerado pornografia infantil. É o único filme que já foi proibido na Holanda.
A Maladolescenza é proibida na Alemanha desde 28 de julho de 2006. Considerando as leis alemãs, é pornografia infantil (§ 184 b StGB).
Acredita-se que o título italiano original de "Maladolescenza" seja uma palavra portmanteau de 'malizia adolescenza', que significa 'malícia na adolescência' em inglês.
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Cannibal (2006)


Diretor: Marian Dora
Duração: 90 minutos
País de origem: Alemanha
Áudio: Inglês | Legenda: Português (com erros)

Sinopse:Baseado no caso da vida real de Armin Meiwes, um solitário programador homossexual alemão que coloca uma série de anúncios online, na esperança de atrair alguém a quem ele possa cozinhar e comer (!). Surpreendentemente, o anúncio é bem sucedido, atraindo a atenção de um homem (que é aqui chamado apenas "a carne"). Logo, o Canibal e seu jantar em perspectiva estão em êxtase, amando, trocando carícias... fazendo tudo que um casal "normal" faria... tudo como um prefácio para as atrocidades que vêm a seguir...

O filme em si, embora falho algumas vezes, honestamente é bem feito. Há muitas imagens surpreendentes que você não veria em outro lugar, só nos filmes de Marian Dora mesmo. A fotografia na maioria das vezes é como estar vendo The Angel’s Melancholia (2009), só muda o roteiro. Uma das cenas de abertura é de um sem-teto injetando heroína, e parece razoavelmente autêntica. Quando o filme finalmente chega ao desmembramento, tudo é muito realista. Eu não ficaria surpreso se alguém dissesse que eles usavam um cadáver de animal nos closes. A iluminação e o enquadramento também são muito bem feitos em algumas cenas interiores.
Como mencionei antes, o filme tem uma qualidade realmente ingênua e inocente. Você teria que ser espetacularmente demente para realmente se envolver nas atividades descritas, e talvez minha imagem romantizada de uma figura de Hannibal Lecter esteja mostrando minha ingenuidade. Por outro lado, há particularidades dementes que poderia ser uma encenação de um evento real,  onde duas pessoas perturbadas se encontram e realizam um cenário mutuamente agradável ... um come o outro. 
Devo mencionar que existe um conteúdo homossexual significativo que está totalmente de acordo com o evento da vida real. Novamente, isso foi bastante gráfico e um tanto inesperado. Se eu tivesse tempo para pesquisar o caso, teria ficado menos surpreso. Embora isso possa fazer com que alguns evitem esse filme, eu diria que ele faz parte da experiência total e é essencial para a história.
Eu acho que o que torna esse excelente artesanato é que é um filme, mas estranhamente realista, é quase como assistir a um documentário do evento real e é terrivelmente nojento.
Você é fã de Kvlt? Veja o filme. É fã de filmes para doidos? Veja o filme. Não? Veja assim mesmo e comente xingando muito, haha mas para quem não é fã de cinema extremo, eu recomendaria encontrar um livro sobre o estudo de caso em vez de assistir a isso, um apena que nada mais me surpreende, já vi todos, e esse só mais um que me daria sono. Nota imdb 5,3/10..
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Borderline (2008)


Outros títulos: Borderline - Além dos Limites
Diretor: Lyne Charlebois
Duração: 110 minutos
País de origem: Canadá
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: A história de Kiki é mostrada em diferentes fases de sua vida. Com a mãe internada, ela é criada pela avó, que não se preocupa com ela. Seu refúgio é a escola. Sua vida antes dos 30 está bem longe de ser um conto de fadas. Ela se envolve com diversos homens, um após o outro. Sexo e álcool são suas únicas saídas e sua rotina. Mas aos 30 anos, Kiki enfrenta o maior de todos os desafios: aprender a amar a si mesma. Adaptação dos romances Borderline e La Brèche, da canadense Marie-Sissi Labrèche.

Sinceramente, filme que realmente retrata com mais convicção o transtorno limitrofe (borderline) é Allein (2004), esse é meio meh, o que temos aqui é sexo, Flashbacks, alguns inúteis, e um estudo sobre uma jovem que sente os erros cometidos por sua mãe e pela sociedade geral em forma de psicose, como um fio elétrico o qual quem as toca leva um choque ruim. Ela mantém um homem de meia-idade cativo aos seus extremos emocionais. Tcheky é casado, mas não se cansa da natureza selvagem de Kiki. Mikael (interpretado com muito êxito por Pierre-Luc Brilliant) é uma alternativa saudável a Tcheky, mas Kiki tem dificuldade em entender isso. Este é um dos poucos filmes recentes tenta abordar o transtorno.
De acordo com a Uol (2019): "Em contrapartida, existe um bom aproveitamento da fotogenia de Brasília nos exteriores. Em poucas palavras, um filme que fica entre o que é e o que poderia ser, que interessa mais pelo que se apontaria habitualmente como defeitos. Enfim, um filme borderline como seus personagens. Como eles, capaz de ser intenso, desajeitado, inesperado. Mas por isso mesmo nunca desprezível (apesar da direção tão irregular também dos atores)."
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Klip (2012)


Outros títulos:  Clip
Diretor: Maja Miloš
Duração: 100 minutos
País de origem: Sérvia
Áudio: Sérvio | Legenda: Português (imperfeita)

Sinopse: Jasna é uma bela garota adolescente que leva a vida dura da geração do pós-guerra da Sérvia. Com o pai que tem uma doença terminal e uma mãe depressiva, ela está desiludida, tendo raiva de tudo e de todos, inclusive de si mesma. Apaixonando-se por um garoto da escola, ela mergulha num mundo de sexo e drogas, filmando tudo constantemente com seu telefone celular. Ainda assim, neste ambiente pesado, o amor e a ternura emergem.

Primeiro devo dizer que a legenda ptbr tá tipo tão ruim que tu vai querer xingar, e eu não posso fazer uma nova baseando na de inglês, se souber inglês, baixe e busque uma legenda inglês! Talvez encontre aqui no torrent. Mas eu fui obrigada a ajeitar a parte a qual eles falam sobre "qual seu signo" pro garoto, na legenda estava que seu signo era balança opa mas o correto seria Libra, e ela Gêmeos. Mesmo assim dá pra "pegar" o filme tranquilamente.
Vencedora do prêmio de melhor longa-metragem Tiger Award no Festival de Roterdã de 2012, a estreia de Maja Milos na direção do filme provocou polêmica no circuito do festival por seu visual gráfico. Parcialmente financiado pelo governo sérvio, leva o título da propensão de sua protagonista Jasna (Isidora Simijonovic) de 14 anos de idade e outros adolescentes sem futuro em um subúrbio abandonado na Sérvia. De acordo com o site filmmakermagazine a atriz tinha 16 anos quando o filme foi feito.
O filme termina como começou, é um recipiente vazio. E muitas vezes da nojo das atitudes da garota, apesar da doença terminal de seu pai, trata as pessoas da sua família da pior maneira. Persegue um namorado, que a humilha casualmente de maneiras físicas e emocionais. Ao mesmo tempo parece ser sua maneira de lidar. Gradualmente nos ocorre que estamos vislumbrando uma mulher vivendo nas garras de uma sociedade na decadência ética niilista mesquinha e da barbárie sexualizada. A única coisa que faz Jasna se sentir valiosa é dar um boquetão, logo depois percebe-se que ela mesma se sente mal, muitas vezes.
Não há muito enredo, e o desenvolvimento dos personagens são superficiais. Como se a principal preocupação do autor foi chocar e provocar o público através das cenas com menores de idade de erotismo explícito. Uma pena que a mudança não tenha ido mais longe com a história, e para no meio do caminho em comparação a filmes como "Kids (1995)". Vale a pena assistir? talvez não. A propósito, ela tem um pai muito doente e uma mãe preocupada, mas não dá a mínima para isso. Este filme mostra como a sociedade doente é descrita neste filme.
Klip é um filme Sérvio assim como "A Serbian Film", seria a Sérvia o buraco negro dos filmes violentos?
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Irréversible (2002)


Outros títulos: Irreversível
Diretor: Gaspar Noé
Duração: 94 minutos
País de origem: França
Áudio: Francês | Legenda: Português

Irreversível é o tipo de filme “ame ou odeie”! Polêmico, foi duramente criticado em Cannes, onde um dos críticos clamava “tomara que o tempo destrua esse filme” em referência a frase “O tempo destrói tudo”, evocada logo no início. O argentino Gaspar Noé já havia lançado um filme bem indigesto, Seul Contre Tous, onde já mostrava um estilo de cinema forte e contundente.
Logo no início de Irreversível, há uma referência a Seul Contre Tous, onde o personagem de Philippe Nahon aparece em um quarto fétido de um hotel decadente, dizendo a tal frase: “O tempo destrói tudo”. Logo depois somos levados a barulhos de uma sirene de ambulância, onde Marcus (Vincent Cassel) estava sendo socorrido de uma aparente briga. Narrado de trás pra frente, como já havíamos visto em Amnésia (Christopher Nolan), cada cena se desenrola e culmina na ação que inicia a cena anterior.
Vemos Marcus, acompanhado pelo amigo Pierre (Albert Dupontel), procurando desesperadamente por um homem chamado La Tênia (Jo Prestia). A boate gay Rectun é uma visita ao inferno, e logo de cara vemos a cena mais violenta do filme quando Tênia é encontrado. As cenas seguintes seguem mostrando a investigação da dupla de amigos, e o motivo da vingança; a famosa e repulsiva cena do estupro, onde Alex (Monica Bellucci) é abordada pelo tal La Tênia no túnel do metrô. A cena dura cerca de 10 minutos, e é construída com todos os requintes de crueldade para chocar o espectador, mesmo que exagerada e desnecessária, a cena causa, sim, impacto em quem a vê. Quem resistir a essa primeira metade, vai conhecer a parte mais amena e talvez mais doce do filme: o passado em comum do casal Marcus e Alex, e do amigo Pierre, ex-namorado de Alex, sem interferir na amizade do trio.
A fotografia em tons vermelhos, uma câmera trêmula que se justifica em cenas mais frenéticas, junto com uma pesada e ruidosa trilha que só contribui para essa sensação.
As diversas reações negativas ao filme impedem qualquer reflexão que ele possa proporcionar. A forma que o diretor escolheu, em narrar o filme de forma inversa, mostra que se os personagens “pudessem voltar atrás”, e as escolhas fossem outras, suas ações não culminariam em consequências desastrosas. Porém, não podemos mudar o passado, e nem prever o futuro por mais que possamos medir nossas atitudes, pois, como o próprio título diz, é Irreversível, afinal, “O tempo destrói tudo” (Boca do Inferno, 2015).
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Allein (2004)


Outros títulos: Solitária (Português)
Diretor: Thomas Durchschlag
Duração: 88 minutos
País de origem: Alemanha
Áudio: Alemão |  Legenda: Português

Quando o diretor Thomas Durchschlang falou sobre o filme no Festival Mac-Ophuls na Alemanha, ele afirmou que após ser confrontado sobre o assunto transtorno de personalidade limítrofe (Borderline) ele tentou descobrir o que levaria uma pessoa a se machucar constantemente, o filme então representou a resposta para essa questão.
Por mais paradoxal que isso soe, a resposta não é dada no decorrer do filme. Ao invés disso, vemos uma abordagem inteligente e sutil para o problema, sugeriu possíveis respostas mas eventualmente nos deixou formar nossa própria opinião.
O personagem principal é uma estudante chamada Maria, que sofre do referido distúrbio de personalidade. Citando o autor novamente, o fato fascinante sobre os pacientes limítrofes é que eles experimentam os mesmos sentimentos de dúvida e ódio que todo mundo conhece uma vez ou outra - a diferença é que, para eles, isso simplesmente não desaparece. Ainda assim, até certo ponto, é muito fácil se relacionar com as ações de Maria, pois ela procura um significado em sua vida e é incapaz de encontrar um. O principal recurso para Maria escapar de seus sentimentos é substituí-los pela dor, que ela inflige a si mesma de tantas maneiras diferentes que não é fácil nem mesmo identificar todos eles. A dor física é a mais óbvia, tipo quando ela se corta com uma lâmina de barbear, mas o abuso emocional ocorre com muito mais frequência: ela tem várias relações em uma noite com estranhos completos, ilustrando como seu sentimento de autoestima é quase inexistente. Há noites de bebida e discoteca, sem significado nem prazer nelas. É assim que ela age quando alguém tenta confortá-la, afastando essas tentativas sem reconhecer que este é um sinal de alguém cuidando dela. Mas também há momentos felizes. A história começa a se desenrolar quando ela conhece Jan, um aluno um pouco desajeitado (mas muito gentil e atencioso) que está estudando veterinária. No começo, ela não quer se envolver com ele, mas acaba cedendo e, pela primeira vez em sua vida, experimenta calor e um relacionamento saudável. Eles se divertem muito durante um fim de semana na praia, e Maria tenta controlar sua vida abandonando seus velhos hábitos. Infelizmente, mas inevitavelmente, ela descobre que isso não é tão fácil. As coisas começam a piorar, por exemplo, quando ela para de ver seu terapeuta, pois, como ela afirma, "Jan está cuidando de mim". Fica pior quando Jan sai por uma semana para visitar um acampamento de cientistas na Holanda para estudar o comportamento dos chimpanzés - mesmo com a ajuda de sua amiga Sarah, Maria não é capaz de evitar ser sugada novamente pelos velhos padrões autodestrutivos. 
Apesar do roteiro ser bom, não acho que o filme teria funcionado sem sua atuação excelente, especialmente da atriz principal Lavinia Wilson, que administra um retrato absolutamente convincente de Maria e seus vários problemas.  Talvez a desvantagem seria as cenas muito gráficas, dependendo do público, e pode ser bem deprimente (mas por isso está aqui, e também porque é um filme raro e perdido de encontrar). Nota do filme tá em 6,8 / 10
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Wetlands (2013)


Outros títulos: Feuchtgebiete | Zonas Úmidas
Diretor: David Wnendt
Duração: 109 minutos
País de origem: Alemanha
Áudio: Alemão | Legenda: Português

Sinopse: Baseado no livro homônimo de Charlotte Roche, que conta a história de Helen Memel, uma jovem de 18 anos que é internada pós umas mal sucedida depilação íntima. A situação curiosa expõe a vida dela, que não aceita a separação dos pais, e acaba se envolvendo com um enfermeiro do hospital.

Na melhor das hipóteses, é um desafio para a paciência da platéia pelo choque disfarçado de um conto sobre uma jovem mulher que concorda com seu eu mais imundo (seria as feminazi do século xx?). Na pior das hipóteses, é uma exploração grosseira e agressiva da evolução emocional de uma jovem danificada. Empacotado como o "filme WTF, NSFW" do ano - a marca registrada de todos os grandes filmes - Wetlands recebeu o tapete vermelho e os elogios dourados dos críticos de cinema equivocados. Aclamado como um trabalho bruto e descomplicado, do tipo que só pode ser visto como honesto e revigorante, esse filme é barato e ignorante, e muitas vezes desonesto consigo mesmo e com o público.
O filme estréia em Helen, que é vagamente jovem - entre 16 e 23 anos, com base em suas próprias predileções - urbanita alemã desencantada que percorre a cidade em um longboard enquanto ela nos narra os desafios da vida, começando com as hemorróidas. Ela entra no banheiro um pouco mais sujo do que o banheiro da Trainspotting, onde alivia graficamente a coceira com a ponta de um creme. A câmera aproxima um púbico ocioso do assento do vaso sanitário, rolando créditos enquanto a platéia monta em uma vibrante montanha-russa CGI através de uma mancha cheia de bactérias. Essa é a sequência menos grotesca de um filme cheio de cenas vis, unidas por uma narrativa fraca.  É uma irrelevância grosseira repetidamente combinada em cenas como a dela e sua melhor amiga Carla manchando sangue menstrual no rosto em uma celebração da irmandade.
"Quando se propõe a chocar ele falha nesse intento. Quando se propõe a contar uma história sobre amadurecimento ele também falha, assim como o drama, que não é eficaz. Serve mais como curiosidade e se tiver um estômago mais resistente para acompanhar essa jornada em meio a merda, pus e outros líquidos viscosos para contar sua história" (Ibertson, filmow)
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Whores' Glory (2011)

Outros títulos: A Glória das Prostitutas
Diretor:  Michael Glawogger
Duração: 110 minutos
País de origem: Alemanha e Áustria
Áudio: Inglês, espanhol | Legenda: Português

Whore's Glory é uma peça associada ao filme Workingman's Death de Glawogger, um retrato que em cinco capítulos e um epílogo demonstra que o trabalho é a essência da condição humana.
As principais inspirações para a Whores 'Glory foram trípticos de Bosch e Brueghel: a Tailândia é o paraíso, a Terra de Bangladesh e o inferno do México.
A prostituição na Tailândia mostra cores cremosas, sussurros melodiosos e maneiras graciosas que fazem parte da rotina diária do chamado Fish Tank (bordel-aquário), onde as mulheres são separadas dos joelhos por uma parede de vidro, vistas, mas não ouvidas, conversando e tirando sarro de seus possíveis clientes enquanto eles escolhem. 
Em Bangladesh, as mulheres vêem o seu trabalho como um serviço social: se não prestar os seus serviços, os homens de qualquer jeito violariam as mulheres nas ruas. Elas sacrificam a sua dignidade todos os dias por dinheiro. É muito mais caótico. A "Cidade da Diversão" é um matriarcado no qual prostitutas mais velhas se tornam madame, às vezes vendendo seus próprios filhos ou outras meninas que elea compraram ou "adquiriram".  Ao contrário de suas irmãs tailandesas, as mulheres de Bangladesh parecem não saber como escapar, é um labirinto que os habitantes correm em círculos.
Sinceramente não sei porque Bangladesh não é o inferno! é o pior e mais triste dos três, mas ok né. Talvez eu que não tenha entendido.
Em Reynosa, no México, em um bairro conhecido como La Zona,  os habitantes ficam vazios em uma noite eterna de neon brutal e uma escuridão recheada de pavor,  enquanto os carros circulam incessantemente os barracos de um cômodo onde as prostitutas passam o tempo jogando truque. Parece que a única saída deste lugar é a morte. La Zona é tudo sobre entropia em uma sociedade que está prestes a se desintegrar. O fim dos dias parece próximo, a devastação está por toda parte, a loucura corre desenfreada. No México, vemos a profissão ser literalmente glorificada, enquanto Glawogger filma uma prostituta a trabalhar. Imagens maravilhosas e excepcionalmente editadas, constituem uma tela voyeurista da profissão mais antiga.
Poder-se-à falar de "documentário atmosférico"? Pois é essa a maior conclusão que se depreende de WHORES' GLORY  no mais cru e sincero retrato de como homens e mulheres se portam diante de uma relação de dependência mútua, onde o alívio vai do físico ao espiritual.
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Born into Brothels: Calcutta's Red Light Kids (2004)


Outros títulos: Nascidos em Bordéis
Diretor: Ross Kauffman / Zana Briski
Duração: 86 minutos
País de origem: EUA
Áudio: | Legenda: Português

De acordo com o  wikipedia os cineastas afirmam que a vida das crianças que aparecem em Born into Brothels foram transformadas pelo dinheiro ganho com a venda de fotos e um livro sobre eles. Ross Kauffman, co-diretor do documentário, diz que o valor recebido foi de 100 mil dólares dos Estados Unidos (cerca de 4.5 milhões de rupias), que vai pagar a taxa de matrícula de uma escola na Índia para os filhos das prostitutas.

Se em “Quem quer ser milionário?”, Danny Boyle utiliza uma fabula para mostrar a realidade e a cultura da Índia, “Nascidos em Bordeis (Born Into Brothels: Calcutta ‘S Red Ligth Kids)” documentário ganhador do Oscar de 2005, dirigido por Zana Briski e Ross Kauffman nós apresenta a realidade do mesmo pais da forma mais nua e crua possível .

O filme registra a fotografa (a própria Zana Briski) que acompanhou de perto a história de oito crianças filhos e filhas de prostitutas do bairro da Luz Vermelha, em Calcutá, na índia. Dividido em dois momentos. No primeiro, o longa foca na pobreza e na violência que as crianças sofrem em casa ao encarar a triste realidade das mulheres de suas famílias, que são obrigadas a se prostituir para dar uma vida melhor para seus filhos. Em um segundo momento, as crianças munidas com uma câmera fotográfica se enchem de esperanças ao retratar tudo que chamar atenção, onde vão descobrindo uma nova perspectiva de vida e uma nova forma de expressão.

Os diretores mostram o empenho da fotografa em tentar dar uma vida melhor aos pequenos pupilos (em uma das cenas mais emocionantes, Zana tem que provar que seus alunos não são soropositivos) através da educação e da arte. O problema do filme é que fica explicito que a única (e boa) intenção, era usar da fotografia para conquistar a empatia das crianças para um o objetivo maior, tira-las da seus lares e darem a eles a oportunidade de uma educação, é exatamente ai que as dificuldades aparecem. As crianças na faixa de 6 a 14 anos tem uma mentalidade muito diferente  do que as crianças que viveram em um ambiente menos hostil. Isso é porque suas vidas nos ensinaram assim. (cinemaeafins, 2018)

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Anjos do Sol (2006)


Diretor: Rudi Lagemann

Duração: 92 Minutos
País de origem: Brasil
Áudio: Português  | Legenda:

O filme retrata a exploração sexual e o tráfico infantil, no qual os responsáveis se aproveitam da necessidade econômica e da ignorância das menos favorecidas para ludibriá-las com promessas de bem-aventuranças. A seca, a pobreza, a falta de recursos, o descaso dos governos com relação às necessidades educacionais, sociais, econômicas, as faz ainda mais vulneváveis a serem enganadas (assim como seus pais) por falsas promessas de sucesso, de melhoria no lar, na família pelos criminosos. Isso foi o que aconteceu com o grupo familiar do filme.

Esta é a história que relata o filme, dirigido por Rudi Lagemann, uma menina, Maria (Fernanda Carvalho), de 12 anos, de uma família pobre do interior da Bahia, que foi vendida por seu pai (Rui Manthur) a um aproveitador denominado Tadeu (Francisco Diaz). Este, por sua vez, revende-a a uma cafetina, Nazaré (Vera Holtz), que a leiloa. Neste leilão, em um arremate burlado, um fazendeiro chamado Lourenço (Otávio Augusto) arremata a menina para presentear a seu filho, de quinze anos, com o objetivo deste perder a sua virgindade com ela. Porém, ao chegar à cabana preparada para este fim, a menina resiste ao ato com o adolescente. O fazendeiro se revolta com esta atitude e decide enviar a menina para um bordel, num povoado de garimpeiros, no Amazonas, mas não antes de agredi-la e de abusá-la sexualmente na frente de seu filho.Chegando ao bordel, a menina é recebida por Seu Saraiva (Antônio Callado), o dono do local. Logo, este procura preparar Maria e Inês (Bianca Comparato), outra menina na mesma situação de Maria, para saciar seus clientes à noite, mas não antes de se saciar primeiro com Maria. Depois de vários abusos, durante várias noites, as duas meninas resolvem fugir, porém a fuga é frustrada e Inês é morta cruelmente por Saraiva. Depois de mais alguns dias de abusos, Maria se encoraja novamente e decide fugir outra vez, desta vez com êxito para o RJ, a empreitada ou pelo menos em parte, pois [...] bem, não vou falar o final mas não é novidade. (jus

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The Incredible Melting Man (1977)

Outros títulos: O Incrível Homem que Derreteu
Diretor: William Sachs
Duração:  83 minutos
País de origem: EUA
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: O coronel Steven West (Alex Rebar) volta de um voo até Saturno. Hospitalizado, ele descobre que na sua visita ao planeta pegou uma doença desconhecida! Uma infecção que faz sua carne derreter! West foge do hospital e se esconde num bosque próximo para comer. Uma série de crimes horríveis, com cadáveres mutilados, mostra que West se transformou numa coisa perigosa, que precisa comer carne humana para evitar o próprio derretimento. Uma empolgante caçada humana é desencadeada, em busca do astronauta que virou fera.

 “O Incrível Homem que Derreteu” é uma espécie de remake gore do clássico “First Man Into Space” (1959, de Robert Day), com inspiração no também clássico “The Quatermass Xperiment” (1955, de Val Guest), sem se levar à sério em nenhum momento (perceba como os atores interpretam as personagens com um ar de incredulidade). Atente, também, às participações especiais de Jonathan Demme (no papel de uma vítima) e da atriz Rainbeaux Smith (especialista em aparecer em exploitation movies) no papel de uma modelo fotográfica atazanada por um fotografo tarado. (canibuk, 2011).

"Um filme com um dos finais mais tristes que já vi.
Ele finalmente morre e tem o que restou de seu corpo irreconhecível recolhido como se fosse lixo e jogado na lixeira por quem não tinha a mínima idéia de que aquilo no chão foi um ser humano."(Rebeca, filmow)
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Bad Taste (1987)


Outros títulos: Trash - Náusea Total
Diretor: Peter Jackson
Duração: 91 minutos
País de origem: Nova Zelândia (Aotearoa)
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Um extravagante grupo governamental investiga a presença de alienígenas no planeta Terra. Até aí tudo bem, não fossem os visitantes esquisitos (quando não estão disfarçados de humanos) e perigosos, usando os cérebros e carne humanos como guloseimas – não é pra menos que a intenção dos seres de outro mundo é conseguir matéria prima para uma rede de fast-food intergaláctico.

Um detalhe legal é que estes primeiros filmes do diretor acabam se relacionando, usando referências uns dos outros. Por exemplo: em Meet The Feeble, durante um dos espetáculos, aparece um dos alienígenas de Bad Taste na platéia. Já em Fome Animal, a música Sodomy é tocada na igreja.  (trashinema, 2014).

Quem diria que um dos grandes nomes do cinema mundial, com duas trilogias de sucesso and blockbusters como O Senhor dos Anéis e O Hobbit, fez filmes toscos e bagaceiros mas bem hilariantes e divertidos no começo de carreira.
Bad Taste (Nova Zelândia, 1987), conhecido no Brasil como Náusea Total, foi o primeiro longa-metragem do diretor Peter Jackson, e teve inicio em 1983, sendo inicialmente um curta de apenas 15 minutos, que prolongou de tamanho, e se transformou após 4 anos de trabalho, em um longa de 92 minutos.
Bad Taste é um filme de terror-trash que conta a história de uma população, de uma pequena e pacata cidade chamada Kaihoro, que desaparece misteriosamente do mapa, após a invasão de seres de outro planeta.
Esses ETs se assemelham e muito com os terráqueos, e na verdade são seres feiosos e que estão na forma humana provisoriamente.
Seus objetivos são eliminar os seres humanos da pacata cidade (e por que não da face da Terra?) e dominá-la em seguida, além de abastecer uma rede intergaláctica de fast-food com carne de gente.
Mas como todo filme tem o seu herói, na trama temos aqueles que sonham em investigar o sumiço da população e eliminar os ETs, que são Derek (o próprio diretor Peter Jackson) e seus amigos Ozzy (Terry Potter), Frank (Mike Minett) e Giles (Craig Smith).
A equipe técnica de Bad Taste foi composta por amigos de Peter Jackson, que tiveram que economizar dinheiro para a realização desta obra cinematográfica de baixo orçamento, o que não impediu que esta produção se tornasse um clássico do cinema trash e da tosqueira.
Peter Jackson em cena.
A produção tem cenas de gore e perda de braços, cabeças e cérebros. Para quem gosta dos subgêneros trash/ splatter, vale a pena dar uma conferida.
OBS: Em Bad Taste não vemos uma mulher atuando no filme… [...]
No Brasil, o filme foi lançado em DVD como Bad Taste, pela Trash Collection (Estúdio: VTO Continental). Por Calil Neto (calilnomundopop)

Curiosidades: 
O nome da cidade 'Kaihoro' sob ataque é uma palavra maori que pode ser traduzida como "Cidade dos Alimentos" ou "Fast Food" - Kai significa "Comida", e Horo significa Vila e também "Rápida", dependendo do contexto.

O diretor Peter Jackson filmou o filme nos fins de semana, durante um período de quatro anos, com amigos fazendo os papéis principais. Jackson financiou a maior parte do filme até o final das filmagens, quando a New Zealand Film Commission lhe deu dinheiro para terminar seu projeto depois de ficar impressionado com o que ele já havia produzido. Nunca houve um roteiro para o filme; cada cena foi filmada a partir de idéias que o diretor teve durante a semana. (imdb)
Nota imdb: 6,6/10
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O OPENLOAD FICOU FORA DO AR... 

Bad Boy Bubby (1993)


Diretor: Rolf de Heer
Duração: 114 minutos
País de origem: Austrália
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Especial dia das crianças, bubby escolhido a dedo ! =) se nunca viu aproveita aí, lembrando que caso queira assistir um filme já deletado, é só comentar, caso odeie o filme, tô no caminho certo, caso goste, preciso piorar, né não?!

Bad Boy Bubby é um filme Australiano de 1993, de gêneros Humor negro e drama.O filme se tornou notório por romper as fronteiras do bom gosto com cenas fortes de violência, incesto e blasfêmia, entre outros assuntos tabu.
Bubby é um homem que passou os primeiros 35 anos de sua vida trancado no porão nojento de sua abusiva e controladora mãe. Tendo sido ensinado que o ar fora de lá é venenoso e que sair seria pecaminoso, ele só compreende a verdade quando seu pai ausente retorna e acaba com a já conturbada unidade familiar. Segue-se uma confrontação trágica, obrigando Bubby a entrar no mundo real. Não sabendo nada sobre a vida e claramente sofrendo de distúrbios mentais, ele sai cambaleando pela cidade, divagando um monólogo feito principalmente de frases prontas, ouvidas ao acaso. Seu comportamento é interpretado de diferentes maneiras por pessoas que ele encontra: alguns o acham louco, enquanto outros comparam seu estranho discurso e comportamento com brilhantismo.

Bubby venceu 4 prêmios do Instituto Australiano de Cinema de 1994; Melhor Diretor (Rolf de Heer), Melhor ator principal (Nicholas Hope), Melhor Roteiro Original (Rolf de Heer), e Melhor Edição (Suresh Ayyar). Também foi nominado para melhor filme (Rolf de Heer) e Melhor Fotografia (Ian Jones).
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Baixio das Bestas (2006)


Diretor: Cláudio Assis
Duração: 80 minutos
País de origem: Brasil
Áudio: Português | Legenda: Inglês (embutir)

Sinopse: O Baixio das Bestas é um lugar símbolo das confluências humanas. Uma pequena comunidade entranhada dentro de uma cultura secular e paralisada em sua autoridade e em sua moral: a decadente cultura latifundiária. Nesse cenário se passa a história de Auxiliadora, uma menina explorada pelo seu velho avô. Armando uma arena de combate no meio do canavial, o Baixio das Bestas serve como centro nervoso da ação, onde o que interessa não é constatar uma situação, mas problematizar as relações e sugerir narrativas, a partir delas. Humanizar as questões e dimensionar a existência além da aparência das coisas e fraturar a cômoda situação de espectador diante dos fatos.

"'Baixio das bestas' é uma jornada pela miséria humana" 
"Baixio das bestas" não enrola nem amacia. Um "Irreversível" da Zona da Mata - guardadas as devidas proporções -, assim como no polêmico filme francês, em "Baixio das bestas" não há vaselina. Até por isso, Caio Blat e Matheus Nachtergaele gritam numa orgia: "- Cadê a manteiga? Hoje eu quero c*!". Masturbação, estupro, espancamento de mulheres, exploração de menores, pedofilia, sodomia, depilação íntima feminina in loco (ou em foco, ou em close), um pouquinho de sexo explícito, pênis na tela, vaginas na tela, está tudo lá. Por trás, um estudo cru e cruel sobre a exploração humana, sobretudo da mulher.
De um lado, a menina explorada pelo avô - que também é seu pai -, sendo exposta por ele, nua, para caminhoneiros. Um puteiro freqüentado por violentos agroboys é o outro lado da moeda responsável pela carga dramática do filme. Dentro desses dois núcleos é onde fundamentalmente o importante acontece.

"Baixio das bestas" é um filme contundente, tenso, violento e - como não podia deixar de ser - polêmico. É esplendidamente fotografado em CinemaScope - como em "Amarelo manga" -, com muita câmera na mão, ótimos planos-sequência e um desempenho visceral de seu elenco. É uma obra importante dentro da (pouca) variedade do cinema brasileiro, e mais um "pé na porta" de fora do eixo Rio-São Paulo, que já nos brindou com "Cinema, aspirinas e urubus" e "Cidade baixa". "- Sabe o que é o melhor do cinema? É que no cinema tu pode fazer o que tu quer" - diz o personagem de Matheus. E é isso que Claudio Assis faz. O que quer. Aparentemente, sua intenção de chocar é muito clara. O que não quer dizer que, através de um olhar mais atento, não se perceba o quão importantes são as denúncias que faz. Suas pertinências são mais que relevantes. Ao preferir não tapar o sol com a peneira, ele joga um foco de luz na parte "mundo cão" de nosso mundo. De nosso país. Pode-se não gostar de seu estilo cinematográfico. No mundo real, entretanto, dar as costas não é uma opção.
Daniel Levi - O Globo Online (2007) 

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