Prisão de Cristal (1986)

Outros títulos: Tras el Cristal (Original);  In a Glass Cage (inglês)
Diretor: Agustí Villaronga

Duração: 110 min

País de origem: Espanha

Áudio: Espanhol |  Legenda: Inglês e Português

Sinopse: Um doutor nazista, que tinha um fetiche por jovens garotos, sente-se culpado após torturar e assassinar sua última vítima e se joga de um telhado.Alguns anos mais tarde, o doutor, confinado em um pulmão de aço, aceita como enfermeiro um garoto que secretamente testemunhou aquele assassinato.

Saindo da escuridão, surge a imagem de um olho, tão próximo da lente e tão profundamente sombreado que é quase uma abstração, olhando diretamente para o observador. Corte: agora estamos voltados diretamente para a própria lente da câmera, uma inversão surpreendente, sua lente preta redonda um espelho impassível da pupila preta redonda da imagem anterior. Uma série de close-ups subsequentes, cada um desaparecendo do preto, apresenta-nos detalhes isolados e observados de forma fetichista de carne mortificada: pés amarrados, mãos amarradas, um rosto jovem ensanguentado. Tudo isso observado e fotografado por um homem grande, de meia-idade, que olha para esse menino torturado – vemos agora que é um menino e, além disso, uma criança, com não mais de dez anos – com uma mistura obscura de admiração, fascinação erótica e desespero pétreo. Depois de fotografá-lo, o homem se aproxima do rosto da criança, pressiona lascivamente os lábios perto do canto da boca em um beijo frio e lateral. Ele cambaleia para trás e, quase como se estivesse envergonhado, limpa os vestígios do beijo dos lábios com um lenço, olhando o tempo todo para as omoplatas machucadas do menino enquanto ele está pendurado nas vigas. Suspirando, ele contempla profundamente a cena por um momento e então, preparando-se para o trabalho que ainda tem que fazer, lentamente levanta uma tábua de madeira do chão, ergue-a e, pela primeira vez, misericordiosamente fora da câmera, mata o menino com um golpe. batendo nele uma vez, com força, na nuca. Nos momentos seguintes, ele tentará o suicídio saltando do telhado do prédio. Ao mesmo tempo, tudo o que foi descrito foi observado não apenas pelo público, mas por um voyeur invisível, cuja presença está implícita em um P.O.V instável. trabalho de câmera portátil e a respiração rápida e ofegante na trilha sonora, que entra furtivamente na câmara do porão e recolhe do chão os cadernos horríveis do assassino.

A cena de abertura do filme de terror de Agustí Villaronga, In a Glass Cage, de 1986, apresenta imagens e implicações que a maioria dos espectadores achará tão repulsivas que são quase inacessíveis. Afinal de contas, estes assuntos – suicídio, sadismo, desejo pedófilo e especialmente violência contra crianças – continuam a ser talvez os tabus mais universalmente insultados na nossa sociedade. E, no entanto, numa sequência apertada de quatro minutos e meio, Villaronga confronta-nos com todos eles, e com detalhes gráficos invulgares. Não apenas nos é mostrado o corpo nu e degradado de uma criança, mas somos literalmente forçados a adotar a perspectiva do agressor, a montagem inaugural de detalhes corporais replicando diretamente o olhar erótico-sádico-objetivador do assassino. O nosso olhar está suturado ao do autor da violência (e, além disso, à sua testemunha invisível), encorajando-nos ativamente a participar no seu fascínio bestial.

Esta sequência estabelece sucintamente todo o edifício formal e temático de In a Glass Cage, um filme que, penso eu, tem sido muitas vezes deturpado por grande parte dos escritos não académicos que o discutem. A interpretação predominante, tal como expressa em tal escrita, é que In a Glass Cage é um filme de arte e terror sobre o trauma, tanto individual (o abuso sexual de crianças) quanto histórico (as atrocidades do nazismo), e como ele se reproduz violentamente através de todo o mundo. gerações. Um exame superficial da narrativa certamente encorajaria esta leitura. A história fala de Klaus (Günter Meisner), um ex-nazista e pedófilo assassino, que, após a tentativa fracassada de suicídio no clímax da sequência de abertura que acabei de descrever, encontra-se quase completamente paralisado e dependente da respiração de um pulmão de ferro para viver, que sua frígida esposa Griselda (a grande Marisa Paredes, famosa por Almodóvar) e sua filha Rena (Gisèle Echevarría) assumem com relutância a gestão. Alguns anos depois, um jovem misterioso (David Sust) aparece de repente na casa, insistindo para servir como enfermeiro de Klaus. Dotada do nome fortuito de Angelo e com um semblante igualmente gracioso e sinistro, Griselda imediatamente desconfia da nova enfermeira, mas Klaus insiste que o contratem após uma conversa particular entre os dois. Não será nenhuma surpresa que Angelo tenha sido o voyeur oculto no início do filme e, além disso, vítima da violência sexual de Klaus na sua juventude. Tendo se aproximado de seu antigo agressor em um estado completamente indefeso e vulnerável, ele continuará a reconstituir sadicamente os crimes passados de Klaus na sua frente, torturando o monstro de sua infância, mesmo enquanto ele gradualmente evolui para sua imagem espelhada.

A gaiola de vidro, título do filme, embora se refira literalmente ao pulmão de ferro de Klaus, tem sido muitas vezes considerada um símbolo da forma como o trauma afecta a vida destas personagens, aprisionando-as em armadilhas invisíveis, limitando os seus movimentos a caminhos familiares de violência e subjugação. Mas, pode-se pensar que Villaronga nos mostra seu tema homônimo logo na segunda cena. A gaiola de vidro é a da lente da câmera, da própria tela do cinema: uma tela translúcida através da qual podemos ver nossos fascínios mais perversos e indescritíveis, distanciados deles com segurança pelo artifício da ficção e da irrealidade. Esse limite é seguro? A resposta já é óbvia na rapidez com que os personagens do filme reencenam a violência que testemunham e suportam, a influência que as suas paixões sombrias exercem sobre as suas vidas – e, por extensão, sobre a nossa. Afinal, o vidro se quebra facilmente.

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Caligula (1979)

Diretor: Tinto Brass
Duração: 156 min
País de origem:
Áudio: ingles | Legenda: Portugues

Calígula é uma das produções mais polêmicas já lançadas, justamente devido a suas cenas de sexo explícito. O filme mostra as perversões sexuais do louco imperador romano Calígula (Malcolm McDowell), que mantém um caso com sua própria irmã e é casado com uma prostituta, além de organizar várias orgias e peversões sexuais em seu império. Ele também é cercado de vários falsos bajuladores que desejam vê-lo longe do poder.

Calígula, o filme,pode ser considerado por alguns meio sem graça para os olhos de 2019 ou atuais. Game of Thrones pode lançar uma longa sombra sobre um material anteriormente arriscado, a ponto de até mesmo uma peça lendária de pornografia cinematográfica como Calígula perder seu poder de chocar. Genitália e sexo oral na tela? ok. Estripação e assassinato de criança? ok. Incesto irmão-irmã? talvez na terça. Por razões legais (e morais), o filme ainda mostra algumas das supostas monstruosidades históricas de Tibério, envelhecendo seus “peixinhos”.

Então, alguns chamam Calígula como fracasso. Mas, concordo que – é um fracasso ambicioso! Faz uma tentativa séria, embora ponderada, de examinar a mente de um homem dotado de poder absoluto sobre seus semelhantes. Tal homem, argumenta o filme, logo se consideraria um deus e enlouqueceria como resultado. Tudo muito bem, e Malcolm McDowell faz o seu melhor para conjurar uma bagunça psicológica, mas…

Especificamente, este estudo temático simplesmente não justifica a duração de duas horas e meia de Calígula.  Acho que o maior problema com Calígula não é o seu constante desvio para a pornografia gratuita – embora pode ser um problema, especialmente quando confunde quantidade de material sexual com qualidade de material sexual. Acho que o maior problema com Calígula é que, além das cenas iniciais (genuinamente interessantes) com Tibério, o enredo pode ser resumido como:
“Um homem se encontra em uma posição de poder absoluto. Ele tenta testar os limites desse poder antagonizando deliberadamente aqueles ao seu redor. Aqueles ao seu redor finalmente estalam. O fim."
Calígula o filme é capaz de gerar uma estética visual peculiar e muitas vezes surreal. A estranha interação de fumaça, figurino e decadência do personagem não estaria fora de lugar como uma adaptação de Zothique de Clark Ashton Smith (agora há uma ideia…). Eu amo a máscara funerária torcida de Tiberius, por exemplo, e as máquinas de cortar cabeça são simplesmente incríveis. Esta Roma, tão cansada da vida, tão faminta por algo novo para saciar seus apetites, sucumbiu a um hedonismo excessivamente civilizado e depravado (literal) nu – é um cenário atraente e merece mais do que o que é feito aqui.
Então... Calígula. Uma peça fodida e lendariamente louca do cinema dos anos 1970. Vale a pena assistir? nao sei, comenta embaixo. É uma orgia literal e metafórica de pornografia de tortura, tanto para o público quanto para os personagens. Também é estranhamente manso para os padrões de 2019. Por outro lado, enterrados entre os montes de sujeira maçante, há vislumbres ocasionais.
https://phuulishfellow.wordpress.com/2019/10/31/review-caligula-film-1979/

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As boas maneiras (2017)

O drama de terror dos roteiristas e diretores brasileiros Marco Dutra e Juliana Rojas estreou mundialmente na competição principal de Locarno.

Assim como os licantropos combinam aspectos humanos e lupinos, a própria imagem é um híbrido de arte e gênero de cinema, combinando comentários sociais afiados com fantasia grand guignol. As protagonistas Isabel Zuaa e Marjorie Estiano (excelente em seu tempo limitado na tela) são particularmente merecedoras de prêmios como duas amigas improváveis de lados muito diferentes das classes, cujo relacionamento traça um curso de fluxo convincente ao longo da primeira metade lenta.

Clara (Zuaa) é uma zeladora profissional independente e autoconfiante de uma favela nos subúrbios pobres da metrópole.  Ela é uuma babá que vive com a rica mãe grávida Ana (Estiano). e conforme o grande dia se aproxima, o papel de Clara muda de serva para confidente / amiga para amante. Enquanto isso, Ana exibe um comportamento decididamente incomum durante sua gravidez, seu sonambulismo de lua cheia cada vez mais perto do território do cinema de terror. A mudança ocorre decisivamente na marca de uma hora, quando uma das sequências de parto bem nojentas na memória viva apresenta um bebê grotesco de origem evidentemente sobrenatural. A segunda metade do filme, ambientada sete anos depois, revela que ele se tornou um garoto aparentemente normal e bem-educado, Joel (Miguel Lobo). Clara o criou em sua casa no subúrbio, onde mantém sua adoção por uma dieta vegetariana estrita e toma cuidados especiais quando a lua está cheia ...

Dutra e Rojas se inspiram extensa e sensivelmente em golpes anteriores de lobisomem de origem literária e cinematográfica. Eles incorporam acenos a clássicos como An American Werewolf de John Landis em Londres de uma maneira que irá deliciar os geeks do terror, embora a atualização climática sobre a multidão empunhando tochas de camponeses vingativos talvez seja um tanto antigo demais. 

E embora haja claramente muito terreno sendo abordado aqui em termos de assuntos sociais e culturais complexos, o editor Caetano Gordano (cujo único crédito anterior é Trabalho Duro) deveria, no entanto, ter encontrado alguma forma de condensar o material em um comprimento mais gerenciável. A primeira hora é a mais forte, agraciada com a atuação matizada de Estiano como uma jovem de aparência convencional que, gradativa e com muita simpatia, revela seu eu interior depois de acolher Clara em sua vida. A coprodução Brasil-França pontua de forma artesanal mais impressionante em termos de cinematografia e design de produção. Rui Pocas e Fernando Zuccolotto interpretam os interiores e exteriores de São Paulo - suas classes divididas pelo rio Pinheiros - por meio de estilizações de fábula, o impacto intensificado pelos tons sinistramente delicados de contos de fadas de Guilherme e Gustavo Garbato elegante e pesado Ponto (hollywoodreporter).

O filme mistura com sabedoria e criatividade diversos gêneros. É um conto de fadas sombrio em que terror, comédia, drama e até números musicais se misturam completamente. O terror muitas vezes serve como parábola social para a exclusão do diferente, mas aqui vocês se verão afogados em referências e alusões, desde críticas esquisitas sobre a maternidade solitária até questões raciais. Há tanto para lidar que talvez seja melhor não tentar processar tudo, e apenas se abandonar à bela estranheza deste filme. Claro, um orçamento limitado limita o susto do CGI, você tem que ter a mente aberta sobre isso. A turbulência emocional compensa mais do que isso, pois a atuação de Isabél Zuaa carrega o filme desde o primeiro plano. O script deveria ser mais rígido, pois dá saltos enormes e depois fica mais lento. Eu recomendo assistir isso tarde da noite, com amigos próximos que gostam de coisas estranhas, e depois de alguns baseados ou bebidas. Eu assistir em um dia que estava sem sono algum, e estava passando no Canal Brasil, valeu canal brasillll !!

Sei que nao tenho mais meu notebook para upar os filmes porem busquei link externos para o filme online ! estao aqui abaixo...

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Ken Park (2002)

Diretor: Edward Lachman, Larry Clark

Duração: 96 minutos

País de origem: EUA

Áudio: ? | Legenda: Português

Sinopse: A rotina de quatro adolescentes da cidade de Visalia, Califórnia. Shawn (James Bullard) é um skatista que transa com a namorada e com a mãe de sua namorada. Tate (James Ransone) gosta de se masturbar várias vezes seguidas e tem um cachorro de três pernas. Ele é criado pelos avós, que não respeitam a sua privacidade, o deixando furioso. Claude (Stephen Jasso) é agredido seguidamente pelo seu violento pai, um alcoólatra que o acusa de homossexualidade, e é consolado pela sua apática mãe grávida. Peaches (Tiffany Limos) anseia por liberdade, mas tem de cuidar de seu religioso pai, um cristão fundamentalista, que a espanca após vê-la transando. Embora conversem o tempo todo, cada um dos personagens não sabe dos problemas enfrentados pelos outros.

Mais um filme a pedido da nyco, valeu nyco e todos que acompanham o blog! Vocês fazem toda diferença.

Este é um filme sobre relacionamentos. Chocante, emocionante, honesto, maduro, na sua cara. "Ken Park" é o primeiro filme feito que nos leva ao mundo das famílias americanas para nos mostrar o que realmente acontece. A vida não é toda doce e encantadora, mesmo que desejemos que seja. Os filmes não precisam ser alegres e felizes. Não precisa haver perseguições e assassinatos de carros, policiais e mocinhos e bandidos. Para os telespectadores criados em novelas e "Friends", afaste-se, porque você não achará este filme engraçado.

Um choque, com certeza ... banido na maioria dos países, diz muito sobre isso. Quando vejo que isso me faz querer vê-lo. O sexo é totalmente credível. Você não tem atores pegando lençóis ou toalhas para encobrir seus corpos - ei, assim como na vida real !! As cenas são tensas, o lado técnico perfeito. Você será exposto a algumas pessoas problemáticas e elas não são apenas crianças. Os adultos também estão passando muito tempo vivendo a vida. Alguns querem muito mais do que os filhos de 2 e 3 pontos e uma casa branca com cercas.s. Eles anseiam por sexo ilícito. Mas procure mais, você encontrará neste filme. Esses são personagens perturbados pela vida e incapazes de funcionar, exatamente como seus amigos, colegas de trabalho e vizinhos. Muitas pessoas tropeçam na vida e não têm idéia de como se comportar, como ser amoroso ou terno. Os relacionamentos com algumas pessoas são conflitos constantes que eles nem mesmo entendem. Este filme mostra alguns. A parte triste é que a maioria das pessoas nem percebe como estão estragando suas vidas.

Não vou revisar o enredo. Mas vendo os comentários de  algumas pessoas, dizem ser tão real e por isso ser tão bom o filme, outros dizem parecer mais uma coleção de vídeos reunidos no que seria apropriadamente intitulado "Os piores momentos da América da classe baixa", sem enredo, etc.

O filme tentou colocar todos os dramas possíveis (suicídio, incesto, abuso sexual, matar avós)...

Muitos espectadores adultos ainda parecem preferir negar a possibilidade de seus filhos adolescentes abrigarem fortes desejos sexuais, muito menos a conseqüência provável de que eles já agiram contra eles! Pode parecer um tanto desagradável que Larry Clark, de 59 anos, lide com essas questões (especialmente devido ao nível de honestidade inflexível e franqueza carnal demonstrada aqui), como ele fez em KIDS e BULLY anteriormente, e poucos se atrevem a fazê-lo. 

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Miss Violence (2013)

Diretor: Alexandros Avranas
Duração:  98 minutos
País de origem: Grécia
Áudio: Grego(?) | Legenda: Português

Sinopse: Aggeliki (Chloe Bolota) no seu aniversário de 11 anos se joga da varanda de casa com um sorriso no rosto. Sua família alega que não foi suicídio, mas sim um acidente e parece conformada com a morte da menina tentando, de todas as formas, continuar com suas vidas, perfeitamente organizadas. Em busca de respostas, promotores começam uma investigação para saber se foi, ou não suicídio e quais são os segredos obscuros que essa família, aparentemente perfeita guarda.

Hoje foi o dia dos filmes gregos e estranhos! Seguindo "Dente Canino (2009)" postado a pouco tempo e “Miss Violence” que choca ao mostrar uma família nada convencional. Ambos os filmes retratam a decomposição de famílias nada ortodoxas. Entre pesquisas encontrei um artigo chamado "Dente Canino e Miss Violence: a 'estranha onda grega' e a violência dos afetos" de Catarina Amorim , para os mais curiosos no assunto.

As duas Grécias, de várias maneiras, se cruzam em Miss Violence, drama do jovem diretor Alexandros Avranas que conquistou, em 2013, dois merecidos troféus no Festival de Veneza: o Leão de Prata de melhor direção e a Copa Volpi de melhor ator para o impressionante Themis Panou, um ator originário do teatro que interpreta o patriarca de uma família disfuncional.

A tensão permanente é construída com muita eficácia pelo diretor, a partir de uma fotografia de cores dessaturadas, em tons marrons e, mais ainda, por uma direção de atores que trabalha no sentido de desdramatizar a expressão dos sentimentos. 

Na verdade, no entanto, transmite com precisão a incrível repressão e o pacto de silêncio diante das relações anormais que vigoram dentro da família.

Afinal, as gestações de Eleni se sucedem sem que haja nenhuma outra figura masculina no clã, exceto o pai. E as meninas veem com medo sua aproximação da puberdade.

Não pode deixar de ser incômoda a crueza com que os personagens infantis são submetidos a situações de humilhação ou de violência.

Na coletiva de apresentação do filme, em Veneza, o diretor inclusive comentou este assunto, esclarecendo que a temática de sua história havia sido exaustivamente debatida tanto com seus jovens atores, quanto com seus pais, para garantir que nenhum limite indesejável fosse ultrapassado.

E que sua intenção, ao fazer o filme, era no sentido de uma denúncia e tomada de consciência em relação à violência doméstica escondida entre as quatro paredes dos lares. Ao pôr o dedo na ferida, o diretor expõe um mal que é discutido hoje nos quatro cantos do mundo (Por Neusa Barbosa em exame.com , 2014).

Avranas levou sua história ao extremo, para mostrar o quão podre é a instituição que chamamos de "sagrada família grega". A porta do apartamento está trancada. Para um patriarca, não importa o que acontece por trás dele, desde que fique lá. Afinal, é a família dele. O que importa é o seu próprio rosto para a sociedade, para manter as aparências. O que importa é a superfície, não a substância.

Um filme que é ao mesmo tempo um thriller psicológico e um estudo cultural frio, mas profundo.

Curiosidades: Baseado no caso real de Detlef S, pai de oito filhos, em 2011, que abusou da filha e forçou a enteada a se prostituir. Como afirmou o diretor Alexandros Avranas, o caso da vida real é ainda mais sombrio do que o filme retrata. Detlef S foi considerado culpado em 70 acusações de abuso sexual de crianças menores de 14 anos, 63 acusações de abuso de menores e 29 acusações de facilitar a prostituição.

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Kynodontas (2009)

Outros títulos: Dogtooth | Dente Canino | Canine

Diretor: Yorgos Lanthimos

Duração: 94 minutos

País de origem: Grécia

Áudio: Grego | Legenda: Português

Sinopse: Dente Canino conta a história de uma família que tem três filhos e moram em uma casa isolada no subúrbio. Em volta dessa casa há uma cerca muito alta, que as crianças nunca passaram. Ou seja, os filhos do casal nunca tiveram nenhum contato com mundo exterior. Quem cria, educa e ensina todo para as crianças são os pais, porém, excluindo toda e qualquer influência do mundo lá fora. A situação piora quando as crianças começam a fazer questionamentos que não fazem mais sentido no mundo em eles vivem.

Vinte e poucos anos em uma casa grande e eles ficaram lá a vida toda por causa de seus pais. As três crianças são contadas mentiras de vários graus. Vivendo totalmente isolados do mundo e em um universo fabricado, eles não reagem como as pessoas normais. A falta de conscientização e exposição cria cenários e reações muito interessantes.  Eles realmente pensaram que expor as crianças ao mundo seria prejudicial para elas. Embora isso não seja algo com o qual possamos concordar, existem alguns aspectos positivos que surgem na minha opinião. Por exemplo, quando uma das meninas que nunca foi exposta à cultura popular dança, ela cria algo único. Como ela nunca viu nada antes, ela não é influenciada por nada e cria seu próprio estilo. Isso é positivo em minha mente.

No entanto, só, não há muito suspense, terror nem nada demais para "chocar", apesar de uma ideia interessante muitas vezes, os momentos se prolongavam por mais cinco minutos do que deveriam e os eventos careciam do fluxo necessário para manter alguém interessado. Cinco minutos pareciam dez, dez pareciam vinte e, bem, você entendeu. Longas cenas de sexo desajeitadas, sangue desnecessário, apenas para tentar mantê-lo interessante e nervoso. O filme é provocativo, pois aborda alguns temas sexuais bastante delicados - principalmente envolvendo incesto - que alguns na platéia podem achar desconcertantes para dizer o mínimo. Enfim pelo que percebi é mais um filme que as pessoas dão 8 ou 80, amam ou odeiam!

Alguns dizem ser uma "cópia" do filme mexicano chamado "Castelo da pureza" de 1973, dirigido por Arturo Ripstein. E também que história foi baseada em um evento real que aconteceu no México nos anos 50. 

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Melissa P. (2006)

Outros títulos: 100 Escovadas Antes de Dormir

Diretor: Luca Guadagnino

Duração: 97 minutos

País de origem: Espanha | Itália

Áudio: Itália | Legenda: Português

Sinopse: Garota de 16 anos, solitária e tímida, aceita convite para encontro com amigo que a inicia no sexo e em jogos sádicos. Devagar, ela se envolve com esse mundo e passa a ter encontros ousados com outros parceiros.

O filme não é tanto uma ficção quanto muitos gostariam que fosse. De maneira muito realista, revela a hiper-sensibilidade da juventude, os sentimentos, a maneira especial como tudo está chegando ao cérebro de um homem, o sexo, as cores, os pensamentos confusos ... e então aqui estão as decisões. Melissa sempre quer escolher o que fazer com sua vida, o que sentir, como agir, o que procurar, mas, de alguma forma, a mudança está apenas em suas ações, mas não em seu interior, suas capas de diário geralmente estão desarmonia com o que acontece com ela depois.  Ela é menos consciente do que a personagem interpretada por Liv Tyler em Stealing Beauty, mas muito mais proativa. Ela não deixa as situações passarem, ela está pegando o que pode dali, ela não espera. A crueldade dos atos e a doçura do interior. Incompatível. E que este filme é mais real que um doce romance.
Ainda assim, a maioria diz que 'Melissa P.' é fraco demais e clichê.
Cenas que foram filmados de uma maneira muito amadora e foram interrompidos, então nada realmente aconteceu. Para um filme que entra na vida sexual de um indivíduo, toda a tensão sexual leva a alguns momentos de beijo e, antes que as coisas se tornem excessivas, é interrompida, resultando em tédio. No entanto, houve alguns momentos deste filme que foram bastante bons, como o personagem da avó de Melissa, interpretado pela maravilhosa Geraldine Chaplin. O papel principal de Melissa também foi desempenhado muito bem por María Valverde e ela conseguiu muito bem a personagem sexualmente carregada.

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Cobain: Montage of Heck (2015)

Diretor: Brett Morgen (I)

Duração: 132 minutos

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: "Focado na vida do lendário vocalista da banda Nirvana por meio de materiais inéditos como canções, filmes caseiros, obras de arte, fotografias, revistas e songbooks, "Cobain: Montage of a Heck" é o primeiro documentário plenamente autorizado sobre o músico.Exibido pela primeira vez no Sundance Film Festival 2015, o documentário é dirigido por Brett Morgen (indicado ao Oscar em 1999 pelo documentário "On the Ropes"), que trabalhou desde 2007 na produção do mesmo."

Há uma grande quantidade de críticos, jornalistas e fãs que estão irresponsavelmente jogando a fase "o documentário definitivo" em relação a Kurt Cobain. Este filme não é absolutamente definitivo. Ele oferece uma fatia muito estreita da vida de Kurt e tem pouco ou nenhum foco em sua arte, que é a única coisa que Kurt queria que as pessoas examinassem mais do que qualquer coisa.
O título "Montage of Heck", tirado de uma das antigas mixtapes de Kurt, é certamente um nome adequado. O filme faz uso de vários clipes dos vídeos caseiros de Kurt, desenhos, cadernos, poesia, cartas de amor e muito mais. A edição nessas montagens é linda e atraente, e existem alguns segmentos de animação absolutamente lindos. Porém as vezes essas seções do filme geralmente se prolongavam demais distraindo a narrativa em vez de servi-la e nos vendendo partes da mente de Kurt e da turbulência interna que já eram muito claras.
O filme tem apenas um único tema, que é usar a mídia pessoal oferecida com gentileza pela família Cobain para contar a história de uma alma torturada e hiper-sensível, talentosa e viciada em drogas que se matou, e a nuvem de caos que levou a isso.
Há pouca ou nenhuma percepção sobre sua arte, apenas as lutas que o levaram a fazer sua arte, que são muito menos interessantes porque, como público, estamos bem conscientes do que os hábitos negativos podem fazer com a psique ou a saúde física, mas o real intriga é o que uma pessoa cria ou faz apesar desses problemas. Talvez seja essa a opinião de alguns.  De alguma forma, esse filme conseguiu se tornar o inimigo e refletiu tudo o que Kurt tentou fugir. Apesar de Morgen ter feito isso pelo dinheiro.
Apesar destes detalhes, o filme é um olhar enérgico para Kurt Cobain e o homem que ele era. Foi bem feito, divertido e um documentário que vale a pena ser visto, principalmente de graça.!
A trilha sonora do filme apresenta gravações, capas e remixes ao vivo do Nirvana, além de músicas de outros artistas que se encaixam nas cenas, como a música Buddy Holly, que reproduz os filmes caseiros de seus pais nos anos 60. Isso é bem executado e eu particularmente adoro a versão para violino de "Smell Like Teen Spirit", que foi usada para imitar uma partitura orquestral na sequência animada mais longa.

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Maladolescenza (1977)

Outros títulos:  Spielen wir Liebe (Alemanha)

Maladolescencia (Espanha)

Puppy Love (Estados Unidos da América)

Diretor:Pier Giuseppe Murgia

Duração: 93 minutos

País de origem: Itália

Áudio: | Legenda: Português

Sinopse: Casal de adolescentes vive em local paradisíaco momentos de intensa felicidade e descobertas amorosas e sexuais, até que uma nova amiga surge para confundir e desestruturar a relação entre os dois.
A Maladolescenza, uma produção ítalo-alemã de 1977, no entanto, lida com isso de uma maneira poderosamente real - mostrando em termos gráficos o bullying de adolescentes e o uso do sexo como instrumento de dominação.

Embora não seja totalmente claro sobre o objetivo e a intenção do diretor, Maladolescenza é um filme tenso e não é recomendado para aqueles ofendidos por crueldade com animais (neste caso - um pássaro) ou crianças apresentadas nuas e em situações ameaçadoras.

Definido como uma partitura original de Pippo Caruso, baseada em músicas e danças medievais, o filme se passa em uma floresta que mantém as ruínas de uma cidade antiga. Existem apenas três atores no filme e eles apresentam performances memoráveis. Dois adolescentes, Fabrizio (Martin Loeb) e Laura (Lara Wendel), moram perto da borda da floresta e passam as férias de verão brincando juntos, como há muitos anos. Laura, de 12 anos, está apaixonada por Fabrizio e o provoca sexualmente, mas ele responde apenas provocando e assustando-a. Como a maioria dos agressores, no entanto, ele sabe exatamente quando desistir para tranquilizar sua vítima e dar a ela uma falsa sensação de segurança. Quando os dois descobrem a misteriosa cidade velha, Fabrizio se declara rei, mas, para Laura ser rainha, ela deve primeiro vencer os testes cruéis que ele criou.

Entre eles, ter uma cobra jogada em cima de você enquanto você se deita no chão e é perseguido por um cachorro rosnando pela floresta. Laura, como muitas vítimas voluntárias, proclama sua confiança em Fabrice, apesar de seu sadismo e da morte de seu pássaro de estimação. Quando eles então fazem amor juntos, no entanto, isso é feito com ternura e o filme mostra Fabrizio como um bom coração quando ele se adapta a seus próprios propósitos. Quando uma nova garota de 13 anos, Sylvia (Eva Ionesco), se junta ao grupo a convite de dois amigos, as coisas não funcionam para a vantagem de Laura. Sylvia, ao contrário de Laura, é manipuladora e fria, e logo ela e Fabrizio se unem para humilhar e assustar Laura, obrigando-a a correr pela floresta enquanto atiram arcos e flechas nela, usando máscaras aterradoras. 

Percebendo que Fabrizio e Sylvia se apaixonaram, Laura comovente começa a se vestir e agir como Sylvia para reconquistar o carinho de Fabrizio, mas sem sucesso. com um trabalho de câmera muito atmosférico e uma trilha sonora que varia de bonita a enervante e até perturbadora.  Uma coisa que torna o filme tão poderoso é a maneira como ele constantemente oscila entre cenas muito bonitas, como as crianças brincando e rindo enquanto a música bonita toca, antes que as cenas se transformem em horror.

Infelizmente, muitas pessoas não conseguem enxergar além dessas cenas de sexo e não conseguem descobrir o verdadeiro significado da história: os verdadeiros adolescentes maus podem ser. Até algumas capas que eu já vi desse filme fazem você pensar erroneamente que este é um filme erótico superficial. Na verdade, esta é uma história sobre crueldade. Você sentirá pena de Laura porque ela é o alvo, ela é a terceira pessoa, ela é quem sempre fica no banco de trás e está sendo odiada sem motivo. Mas de alguma forma perto do fim, ela também é cruel, talvez por vingança, talvez por ter aprendido  garoto o ferrado que controla outras pessoas deliberadamente usando sua força e superioridade de autoconfiança, o garoto egoísta que não dá a mínima para ninguém. E o resultado é uma tragédia sem sentido que poderia ter sido facilmente evitada. Embora o cenário seja idílico, sob a direção hábil de Pier Murgia, Maladolescenza mantém uma atmosfera constante de ameaça iminente.

Curiosidades:

O filme foi realmente feito em 1972, quando as duas estrelas femininas tinham apenas 12 anos, apesar de ambas parecerem totalmente nuas e se apresentarem em cenas de sexo simuladas.

Proibido na Holanda desde 2010, porque o filme é considerado pornografia infantil. É o único filme que já foi proibido na Holanda.

A Maladolescenza é proibida na Alemanha desde 28 de julho de 2006. Considerando as leis alemãs, é pornografia infantil (§ 184 b StGB).

Acredita-se que o título italiano original de "Maladolescenza" seja uma palavra portmanteau de 'malizia adolescenza', que significa 'malícia na adolescência' em inglês.

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Borderline (2008)

Outros títulos: Borderline - Além dos Limites

Diretor: Lyne Charlebois

Duração: 110 minutos

País de origem: Canadá

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: A história de Kiki é mostrada em diferentes fases de sua vida. Com a mãe internada, ela é criada pela avó, que não se preocupa com ela. Seu refúgio é a escola. Sua vida antes dos 30 está bem longe de ser um conto de fadas. Ela se envolve com diversos homens, um após o outro. Sexo e álcool são suas únicas saídas e sua rotina. Mas aos 30 anos, Kiki enfrenta o maior de todos os desafios: aprender a amar a si mesma. Adaptação dos romances Borderline e La Brèche, da canadense Marie-Sissi Labrèche.

Sinceramente, filme que realmente retrata com mais convicção o transtorno limitrofe (borderline) é Allein (2004), esse é meio meh, o que temos aqui é sexo, Flashbacks, alguns inúteis, e um estudo sobre uma jovem que sente os erros cometidos por sua mãe e pela sociedade geral em forma de psicose, como um fio elétrico o qual quem as toca leva um choque ruim. Ela mantém um homem de meia-idade cativo aos seus extremos emocionais. Tcheky é casado, mas não se cansa da natureza selvagem de Kiki. Mikael (interpretado com muito êxito por Pierre-Luc Brilliant) é uma alternativa saudável a Tcheky, mas Kiki tem dificuldade em entender isso. Este é um dos poucos filmes recentes tenta abordar o transtorno.
De acordo com a Uol (2019): "Em contrapartida, existe um bom aproveitamento da fotogenia de Brasília nos exteriores. Em poucas palavras, um filme que fica entre o que é e o que poderia ser, que interessa mais pelo que se apontaria habitualmente como defeitos. Enfim, um filme borderline como seus personagens. Como eles, capaz de ser intenso, desajeitado, inesperado. Mas por isso mesmo nunca desprezível (apesar da direção tão irregular também dos atores)."

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Lilja 4-ever (2002)

Outros títulos: Para Sempre Lilya (brasil)

Diretor: Lukas Moodysson

Duração: 109 minutos

País de origem: Dinamarca | Suécia

Áudio: | Legenda: Português

Sinopse: Lilya (Oksana Akinshina) tem 16 anos e vive em um subúrbio pobre, em algum lugar da antiga União Soviética. Sua mãe mudou-se para os Estados Unidos, com seu novo marido, e Lilya espera que ela lhe envie algum dinheiro. Após algum tempo sem receber notícias nem qualquer quantia dela, Lilya é obrigada a se mudar para um pequeno apartamento, que não possui luz nem aquecimento. Desesperada, ela recebe o apoio de Volodya (Artyom Bogucharsky), um garoto de apenas 11 anos que de vez em quando dorme no sofá de Lilya. A situação muda quando Lilya se apaixona por Andrei (Pavel Ponomaryov), que a convida para iniciar uma nova vida na Suécia. Apesar da desconfiança de Volodya, Lilya aceita o convite e viaja com Andrei.

Primeiramente as melhores partes do filme são a trilha sonora, ou seja, Rammstein - Mein Herz Brennt combinada com a fotografia do clima.

Lilya 4-Ever é uma visão brutal de crescer quando as probabilidades estão contra você. A personagem-título, Lilya (Oksana Akinshina), é uma garota de 16 anos que vive nos cortiços queimados e quebrados que compreendem um pequeno canto do mundo "em algum lugar da antiga União Soviética". Abandonada por sua mãe (Lyubov Agapova), que voou para ficar com o namorado nos Estados Unidos, Lilya deve se defender. Seu único amigo é um garoto de 11 anos chamado Volodya (Artyom Bogucharsky). Juntos, os dois constroem fantasias elaboradas que lhes permitem escapar, ainda que temporariamente, da tristeza de suas vidas. Mas fantasiar é um passatempo inútil, e Lilya precisa de dinheiro para continuar vivendo em seu apartamento em ruínas.  Então ela conhece Andrei (Pavel Ponomaryov), um visitante da Suécia que passa um tempo com ela, mostra sua consideração e pede que ela volte com ele para o Ocidente. Ela está muito feliz,mas o que é óbvio para Volodya - o fato de Andrei ser bom demais para ser verdade - um fato que Lilya aprende tarde demais sozinha. 

A fotografia de Lilya 4-Ever é tão sombrio quanto o cenário é bonito. Moodysson descobriu alguns dos lugares mais cinzentos e desagradáveis ​​para a filmagem, e a maioria das cenas ao ar livre ocorre à noite ou quando o céu está nublado (o que particularmente acho lindo), gostei de verdade dessa sensação.

Lilya é uma mistura de resistência intransigente e inocência de olhos arregalados. Ela tem o conhecimento de alguém que fará o necessário para sobreviver, mas ainda se apega aos sonhos do príncipe encantado e faz suas orações todas as noites.
Nota no IMDB 7,8/10.

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Klip (2012)

Outros títulos:  Clip

Diretor: Maja Miloš

Duração: 100 minutos

País de origem: Sérvia

Áudio: Sérvio | Legenda: Português (imperfeita)

Sinopse: Jasna é uma bela garota adolescente que leva a vida dura da geração do pós-guerra da Sérvia. Com o pai que tem uma doença terminal e uma mãe depressiva, ela está desiludida, tendo raiva de tudo e de todos, inclusive de si mesma. Apaixonando-se por um garoto da escola, ela mergulha num mundo de sexo e drogas, filmando tudo constantemente com seu telefone celular. Ainda assim, neste ambiente pesado, o amor e a ternura emergem.

Primeiro devo dizer que a legenda ptbr tá tipo tão ruim que tu vai querer xingar, e eu não posso fazer uma nova baseando na de inglês, se souber inglês, baixe e busque uma legenda inglês! Talvez encontre aqui no torrent. Mas eu fui obrigada a ajeitar a parte a qual eles falam sobre "qual seu signo" pro garoto, na legenda estava que seu signo era balança opa mas o correto seria Libra, e ela Gêmeos. Mesmo assim dá pra "pegar" o filme tranquilamente.

Vencedora do prêmio de melhor longa-metragem Tiger Award no Festival de Roterdã de 2012, a estreia de Maja Milos na direção do filme provocou polêmica no circuito do festival por seu visual gráfico. Parcialmente financiado pelo governo sérvio, leva o título da propensão de sua protagonista Jasna (Isidora Simijonovic) de 14 anos de idade e outros adolescentes sem futuro em um subúrbio abandonado na Sérvia. De acordo com o site filmmakermagazine a atriz tinha 16 anos quando o filme foi feito.

O filme termina como começou, é um recipiente vazio. E muitas vezes da nojo das atitudes da garota, apesar da doença terminal de seu pai, trata as pessoas da sua família da pior maneira. Persegue um namorado, que a humilha casualmente de maneiras físicas e emocionais. Ao mesmo tempo parece ser sua maneira de lidar. Gradualmente nos ocorre que estamos vislumbrando uma mulher vivendo nas garras de uma sociedade na decadência ética niilista mesquinha e da barbárie sexualizada. A única coisa que faz Jasna se sentir valiosa é dar um boquetão, logo depois percebe-se que ela mesma se sente mal, muitas vezes.

Não há muito enredo, e o desenvolvimento dos personagens são superficiais. Como se a principal preocupação do autor foi chocar e provocar o público através das cenas com menores de idade de erotismo explícito. Uma pena que a mudança não tenha ido mais longe com a história, e para no meio do caminho em comparação a filmes como "Kids (1995)". Vale a pena assistir? talvez não. A propósito, ela tem um pai muito doente e uma mãe preocupada, mas não dá a mínima para isso. Este filme mostra como a sociedade doente é descrita neste filme.

Klip é um filme Sérvio assim como "A Serbian Film", seria a Sérvia o buraco negro dos filmes violentos?

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Irréversible (2002)

Outros títulos: Irreversível

Diretor: Gaspar Noé

Duração: 94 minutos

País de origem: França

Áudio: Francês | Legenda: Português

Irreversível é o tipo de filme “ame ou odeie”! Polêmico, foi duramente criticado em Cannes, onde um dos críticos clamava “tomara que o tempo destrua esse filme” em referência a frase “O tempo destrói tudo”, evocada logo no início. O argentino Gaspar Noé já havia lançado um filme bem indigesto, Seul Contre Tous, onde já mostrava um estilo de cinema forte e contundente.
Logo no início de Irreversível, há uma referência a Seul Contre Tous, onde o personagem de Philippe Nahon aparece em um quarto fétido de um hotel decadente, dizendo a tal frase: “O tempo destrói tudo”. Logo depois somos levados a barulhos de uma sirene de ambulância, onde Marcus (Vincent Cassel) estava sendo socorrido de uma aparente briga. Narrado de trás pra frente, como já havíamos visto em Amnésia (Christopher Nolan), cada cena se desenrola e culmina na ação que inicia a cena anterior.
Vemos Marcus, acompanhado pelo amigo Pierre (Albert Dupontel), procurando desesperadamente por um homem chamado La Tênia (Jo Prestia). A boate gay Rectun é uma visita ao inferno, e logo de cara vemos a cena mais violenta do filme quando Tênia é encontrado. As cenas seguintes seguem mostrando a investigação da dupla de amigos, e o motivo da vingança; a famosa e repulsiva cena do estupro, onde Alex (Monica Bellucci) é abordada pelo tal La Tênia no túnel do metrô. A cena dura cerca de 10 minutos, e é construída com todos os requintes de crueldade para chocar o espectador, mesmo que exagerada e desnecessária, a cena causa, sim, impacto em quem a vê. Quem resistir a essa primeira metade, vai conhecer a parte mais amena e talvez mais doce do filme: o passado em comum do casal Marcus e Alex, e do amigo Pierre, ex-namorado de Alex, sem interferir na amizade do trio.
A fotografia em tons vermelhos, uma câmera trêmula que se justifica em cenas mais frenéticas, junto com uma pesada e ruidosa trilha que só contribui para essa sensação.
As diversas reações negativas ao filme impedem qualquer reflexão que ele possa proporcionar. A forma que o diretor escolheu, em narrar o filme de forma inversa, mostra que se os personagens “pudessem voltar atrás”, e as escolhas fossem outras, suas ações não culminariam em consequências desastrosas. Porém, não podemos mudar o passado, e nem prever o futuro por mais que possamos medir nossas atitudes, pois, como o próprio título diz, é Irreversível, afinal, “O tempo destrói tudo” (Boca do Inferno, 2015).

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Allein (2004)

Outros títulos: Solitária (Português)

Diretor: Thomas Durchschlag

Duração: 88 minutos

País de origem: Alemanha

Áudio: Alemão |  Legenda: Português

Quando o diretor Thomas Durchschlang falou sobre o filme no Festival Mac-Ophuls na Alemanha, ele afirmou que após ser confrontado sobre o assunto transtorno de personalidade limítrofe (Borderline) ele tentou descobrir o que levaria uma pessoa a se machucar constantemente, o filme então representou a resposta para essa questão.

Por mais paradoxal que isso soe, a resposta não é dada no decorrer do filme. Ao invés disso, vemos uma abordagem inteligente e sutil para o problema, sugeriu possíveis respostas mas eventualmente nos deixou formar nossa própria opinião.

O personagem principal é uma estudante chamada Maria, que sofre do referido distúrbio de personalidade. Citando o autor novamente, o fato fascinante sobre os pacientes limítrofes é que eles experimentam os mesmos sentimentos de dúvida e ódio que todo mundo conhece uma vez ou outra - a diferença é que, para eles, isso simplesmente não desaparece. Ainda assim, até certo ponto, é muito fácil se relacionar com as ações de Maria, pois ela procura um significado em sua vida e é incapaz de encontrar um. O principal recurso para Maria escapar de seus sentimentos é substituí-los pela dor, que ela inflige a si mesma de tantas maneiras diferentes que não é fácil nem mesmo identificar todos eles. A dor física é a mais óbvia, tipo quando ela se corta com uma lâmina de barbear, mas o abuso emocional ocorre com muito mais frequência: ela tem várias relações em uma noite com estranhos completos, ilustrando como seu sentimento de autoestima é quase inexistente. Há noites de bebida e discoteca, sem significado nem prazer nelas. É assim que ela age quando alguém tenta confortá-la, afastando essas tentativas sem reconhecer que este é um sinal de alguém cuidando dela. Mas também há momentos felizes. A história começa a se desenrolar quando ela conhece Jan, um aluno um pouco desajeitado (mas muito gentil e atencioso) que está estudando veterinária. No começo, ela não quer se envolver com ele, mas acaba cedendo e, pela primeira vez em sua vida, experimenta calor e um relacionamento saudável. Eles se divertem muito durante um fim de semana na praia, e Maria tenta controlar sua vida abandonando seus velhos hábitos. Infelizmente, mas inevitavelmente, ela descobre que isso não é tão fácil. As coisas começam a piorar, por exemplo, quando ela para de ver seu terapeuta, pois, como ela afirma, "Jan está cuidando de mim". Fica pior quando Jan sai por uma semana para visitar um acampamento de cientistas na Holanda para estudar o comportamento dos chimpanzés - mesmo com a ajuda de sua amiga Sarah, Maria não é capaz de evitar ser sugada novamente pelos velhos padrões autodestrutivos. 

Apesar do roteiro ser bom, não acho que o filme teria funcionado sem sua atuação excelente, especialmente da atriz principal Lavinia Wilson, que administra um retrato absolutamente convincente de Maria e seus vários problemas.  Talvez a desvantagem seria as cenas muito gráficas, dependendo do público, e pode ser bem deprimente (mas por isso está aqui, e também porque é um filme raro e perdido de encontrar). Nota do filme tá em 6,8 / 10

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Wetlands (2013)

Outros títulos: Feuchtgebiete | Zonas Úmidas

Diretor: David Wnendt

Duração: 109 minutos

País de origem: Alemanha

Áudio: Alemão | Legenda: Português

Sinopse: Baseado no livro homônimo de Charlotte Roche, que conta a história de Helen Memel, uma jovem de 18 anos que é internada pós umas mal sucedida depilação íntima. A situação curiosa expõe a vida dela, que não aceita a separação dos pais, e acaba se envolvendo com um enfermeiro do hospital.

Na melhor das hipóteses, é um desafio para a paciência da platéia pelo choque disfarçado de um conto sobre uma jovem mulher que concorda com seu eu mais imundo (seria as feminazi do século xx?). Na pior das hipóteses, é uma exploração grosseira e agressiva da evolução emocional de uma jovem danificada. Empacotado como o "filme WTF, NSFW" do ano - a marca registrada de todos os grandes filmes - Wetlands recebeu o tapete vermelho e os elogios dourados dos críticos de cinema equivocados. Aclamado como um trabalho bruto e descomplicado, do tipo que só pode ser visto como honesto e revigorante, esse filme é barato e ignorante, e muitas vezes desonesto consigo mesmo e com o público.
O filme estréia em Helen, que é vagamente jovem - entre 16 e 23 anos, com base em suas próprias predileções - urbanita alemã desencantada que percorre a cidade em um longboard enquanto ela nos narra os desafios da vida, começando com as hemorróidas. Ela entra no banheiro um pouco mais sujo do que o banheiro da Trainspotting, onde alivia graficamente a coceira com a ponta de um creme. A câmera aproxima um púbico ocioso do assento do vaso sanitário, rolando créditos enquanto a platéia monta em uma vibrante montanha-russa CGI através de uma mancha cheia de bactérias. Essa é a sequência menos grotesca de um filme cheio de cenas vis, unidas por uma narrativa fraca.  É uma irrelevância grosseira repetidamente combinada em cenas como a dela e sua melhor amiga Carla manchando sangue menstrual no rosto em uma celebração da irmandade.
"Quando se propõe a chocar ele falha nesse intento. Quando se propõe a contar uma história sobre amadurecimento ele também falha, assim como o drama, que não é eficaz. Serve mais como curiosidade e se tiver um estômago mais resistente para acompanhar essa jornada em meio a merda, pus e outros líquidos viscosos para contar sua história" (Ibertson, filmow)

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Whores' Glory (2011)

Outros títulos: A Glória das Prostitutas

Diretor:  Michael Glawogger

Duração: 110 minutos

País de origem: Alemanha e Áustria

Áudio: Inglês, espanhol | Legenda: Português

Whore's Glory é uma peça associada ao filme Workingman's Death de Glawogger, um retrato que em cinco capítulos e um epílogo demonstra que o trabalho é a essência da condição humana.

As principais inspirações para a Whores 'Glory foram trípticos de Bosch e Brueghel: a Tailândia é o paraíso, a Terra de Bangladesh e o inferno do México.

A prostituição na Tailândia mostra cores cremosas, sussurros melodiosos e maneiras graciosas que fazem parte da rotina diária do chamado Fish Tank (bordel-aquário), onde as mulheres são separadas dos joelhos por uma parede de vidro, vistas, mas não ouvidas, conversando e tirando sarro de seus possíveis clientes enquanto eles escolhem. 

Em Bangladesh, as mulheres vêem o seu trabalho como um serviço social: se não prestar os seus serviços, os homens de qualquer jeito violariam as mulheres nas ruas. Elas sacrificam a sua dignidade todos os dias por dinheiro. É muito mais caótico. A "Cidade da Diversão" é um matriarcado no qual prostitutas mais velhas se tornam madame, às vezes vendendo seus próprios filhos ou outras meninas que elea compraram ou "adquiriram".  Ao contrário de suas irmãs tailandesas, as mulheres de Bangladesh parecem não saber como escapar, é um labirinto que os habitantes correm em círculos.

Sinceramente não sei porque Bangladesh não é o inferno! é o pior e mais triste dos três, mas ok né. Talvez eu que não tenha entendido.

Em Reynosa, no México, em um bairro conhecido como La Zona,  os habitantes ficam vazios em uma noite eterna de neon brutal e uma escuridão recheada de pavor,  enquanto os carros circulam incessantemente os barracos de um cômodo onde as prostitutas passam o tempo jogando truque. Parece que a única saída deste lugar é a morte. La Zona é tudo sobre entropia em uma sociedade que está prestes a se desintegrar. O fim dos dias parece próximo, a devastação está por toda parte, a loucura corre desenfreada. No México, vemos a profissão ser literalmente glorificada, enquanto Glawogger filma uma prostituta a trabalhar. Imagens maravilhosas e excepcionalmente editadas, constituem uma tela voyeurista da profissão mais antiga.

Poder-se-à falar de "documentário atmosférico"? Pois é essa a maior conclusão que se depreende de WHORES' GLORY  no mais cru e sincero retrato de como homens e mulheres se portam diante de uma relação de dependência mútua, onde o alívio vai do físico ao espiritual.

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Born into Brothels: Calcutta's Red Light Kids (2004)

Outros títulos: Nascidos em Bordéis

Diretor: Ross Kauffman / Zana Briski

Duração: 86 minutos

País de origem: EUA

Áudio: | Legenda: Português

De acordo com o  wikipedia os cineastas afirmam que a vida das crianças que aparecem em Born into Brothels foram transformadas pelo dinheiro ganho com a venda de fotos e um livro sobre eles. Ross Kauffman, co-diretor do documentário, diz que o valor recebido foi de 100 mil dólares dos Estados Unidos (cerca de 4.5 milhões de rupias), que vai pagar a taxa de matrícula de uma escola na Índia para os filhos das prostitutas.

Se em “Quem quer ser milionário?”, Danny Boyle utiliza uma fabula para mostrar a realidade e a cultura da Índia, “Nascidos em Bordeis (Born Into Brothels: Calcutta ‘S Red Ligth Kids)” documentário ganhador do Oscar de 2005, dirigido por Zana Briski e Ross Kauffman nós apresenta a realidade do mesmo pais da forma mais nua e crua possível .

O filme registra a fotografa (a própria Zana Briski) que acompanhou de perto a história de oito crianças filhos e filhas de prostitutas do bairro da Luz Vermelha, em Calcutá, na índia. Dividido em dois momentos. No primeiro, o longa foca na pobreza e na violência que as crianças sofrem em casa ao encarar a triste realidade das mulheres de suas famílias, que são obrigadas a se prostituir para dar uma vida melhor para seus filhos. Em um segundo momento, as crianças munidas com uma câmera fotográfica se enchem de esperanças ao retratar tudo que chamar atenção, onde vão descobrindo uma nova perspectiva de vida e uma nova forma de expressão.

Os diretores mostram o empenho da fotografa em tentar dar uma vida melhor aos pequenos pupilos (em uma das cenas mais emocionantes, Zana tem que provar que seus alunos não são soropositivos) através da educação e da arte. O problema do filme é que fica explicito que a única (e boa) intenção, era usar da fotografia para conquistar a empatia das crianças para um o objetivo maior, tira-las da seus lares e darem a eles a oportunidade de uma educação, é exatamente ai que as dificuldades aparecem. As crianças na faixa de 6 a 14 anos tem uma mentalidade muito diferente  do que as crianças que viveram em um ambiente menos hostil. Isso é porque suas vidas nos ensinaram assim. (cinemaeafins, 2018)

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Anjos do Sol (2006)

Diretor: Rudi Lagemann

Duração: 92 Minutos

País de origem: Brasil

Áudio: Português  | Legenda:

O filme retrata a exploração sexual e o tráfico infantil, no qual os responsáveis se aproveitam da necessidade econômica e da ignorância das menos favorecidas para ludibriá-las com promessas de bem-aventuranças. A seca, a pobreza, a falta de recursos, o descaso dos governos com relação às necessidades educacionais, sociais, econômicas, as faz ainda mais vulneváveis a serem enganadas (assim como seus pais) por falsas promessas de sucesso, de melhoria no lar, na família pelos criminosos. Isso foi o que aconteceu com o grupo familiar do filme.

Esta é a história que relata o filme, dirigido por Rudi Lagemann, uma menina, Maria (Fernanda Carvalho), de 12 anos, de uma família pobre do interior da Bahia, que foi vendida por seu pai (Rui Manthur) a um aproveitador denominado Tadeu (Francisco Diaz). Este, por sua vez, revende-a a uma cafetina, Nazaré (Vera Holtz), que a leiloa. Neste leilão, em um arremate burlado, um fazendeiro chamado Lourenço (Otávio Augusto) arremata a menina para presentear a seu filho, de quinze anos, com o objetivo deste perder a sua virgindade com ela. Porém, ao chegar à cabana preparada para este fim, a menina resiste ao ato com o adolescente. O fazendeiro se revolta com esta atitude e decide enviar a menina para um bordel, num povoado de garimpeiros, no Amazonas, mas não antes de agredi-la e de abusá-la sexualmente na frente de seu filho.Chegando ao bordel, a menina é recebida por Seu Saraiva (Antônio Callado), o dono do local. Logo, este procura preparar Maria e Inês (Bianca Comparato), outra menina na mesma situação de Maria, para saciar seus clientes à noite, mas não antes de se saciar primeiro com Maria. Depois de vários abusos, durante várias noites, as duas meninas resolvem fugir, porém a fuga é frustrada e Inês é morta cruelmente por Saraiva. Depois de mais alguns dias de abusos, Maria se encoraja novamente e decide fugir outra vez, desta vez com êxito para o RJ, a empreitada ou pelo menos em parte, pois [...] bem, não vou falar o final mas não é novidade. (jus) 

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Bad Boy Bubby (1993)

Diretor: Rolf de Heer

Duração: 114 minutos

País de origem: Austrália

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Especial dia das crianças, bubby escolhido a dedo ! =) se nunca viu aproveita aí, lembrando que caso queira assistir um filme já deletado, é só comentar, caso odeie o filme, tô no caminho certo, caso goste, preciso piorar, né não?!

Bad Boy Bubby é um filme Australiano de 1993, de gêneros Humor negro e drama.O filme se tornou notório por romper as fronteiras do bom gosto com cenas fortes de violência, incesto e blasfêmia, entre outros assuntos tabu.

Bubby é um homem que passou os primeiros 35 anos de sua vida trancado no porão nojento de sua abusiva e controladora mãe. Tendo sido ensinado que o ar fora de lá é venenoso e que sair seria pecaminoso, ele só compreende a verdade quando seu pai ausente retorna e acaba com a já conturbada unidade familiar. Segue-se uma confrontação trágica, obrigando Bubby a entrar no mundo real. Não sabendo nada sobre a vida e claramente sofrendo de distúrbios mentais, ele sai cambaleando pela cidade, divagando um monólogo feito principalmente de frases prontas, ouvidas ao acaso. Seu comportamento é interpretado de diferentes maneiras por pessoas que ele encontra: alguns o acham louco, enquanto outros comparam seu estranho discurso e comportamento com brilhantismo.

Bubby venceu 4 prêmios do Instituto Australiano de Cinema de 1994; Melhor Diretor (Rolf de Heer), Melhor ator principal (Nicholas Hope), Melhor Roteiro Original (Rolf de Heer), e Melhor Edição (Suresh Ayyar). Também foi nominado para melhor filme (Rolf de Heer) e Melhor Fotografia (Ian Jones).

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Baixio das Bestas (2006)

Diretor: Cláudio Assis

Duração: 80 minutos

País de origem: Brasil

Áudio: Português | Legenda: Inglês (embutir)

Sinopse: O Baixio das Bestas é um lugar símbolo das confluências humanas. Uma pequena comunidade entranhada dentro de uma cultura secular e paralisada em sua autoridade e em sua moral: a decadente cultura latifundiária. Nesse cenário se passa a história de Auxiliadora, uma menina explorada pelo seu velho avô. Armando uma arena de combate no meio do canavial, o Baixio das Bestas serve como centro nervoso da ação, onde o que interessa não é constatar uma situação, mas problematizar as relações e sugerir narrativas, a partir delas. Humanizar as questões e dimensionar a existência além da aparência das coisas e fraturar a cômoda situação de espectador diante dos fatos.

"'Baixio das bestas' é uma jornada pela miséria humana" 

"Baixio das bestas" não enrola nem amacia. Um "Irreversível" da Zona da Mata - guardadas as devidas proporções -, assim como no polêmico filme francês, em "Baixio das bestas" não há vaselina. Até por isso, Caio Blat e Matheus Nachtergaele gritam numa orgia: "- Cadê a manteiga? Hoje eu quero c*!". Masturbação, estupro, espancamento de mulheres, exploração de menores, pedofilia, sodomia, depilação íntima feminina in loco (ou em foco, ou em close), um pouquinho de sexo explícito, pênis na tela, vaginas na tela, está tudo lá. Por trás, um estudo cru e cruel sobre a exploração humana, sobretudo da mulher.

De um lado, a menina explorada pelo avô - que também é seu pai -, sendo exposta por ele, nua, para caminhoneiros. Um puteiro freqüentado por violentos agroboys é o outro lado da moeda responsável pela carga dramática do filme. Dentro desses dois núcleos é onde fundamentalmente o importante acontece.

"Baixio das bestas" é um filme contundente, tenso, violento e - como não podia deixar de ser - polêmico. É esplendidamente fotografado em CinemaScope - como em "Amarelo manga" -, com muita câmera na mão, ótimos planos-sequência e um desempenho visceral de seu elenco. É uma obra importante dentro da (pouca) variedade do cinema brasileiro, e mais um "pé na porta" de fora do eixo Rio-São Paulo, que já nos brindou com "Cinema, aspirinas e urubus" e "Cidade baixa". "- Sabe o que é o melhor do cinema? É que no cinema tu pode fazer o que tu quer" - diz o personagem de Matheus. E é isso que Claudio Assis faz. O que quer. Aparentemente, sua intenção de chocar é muito clara. O que não quer dizer que, através de um olhar mais atento, não se perceba o quão importantes são as denúncias que faz. Suas pertinências são mais que relevantes. Ao preferir não tapar o sol com a peneira, ele joga um foco de luz na parte "mundo cão" de nosso mundo. De nosso país. Pode-se não gostar de seu estilo cinematográfico. No mundo real, entretanto, dar as costas não é uma opção.

Daniel Levi - O Globo Online (2007) 

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