The Devil's Reject (2005)

Outros títulos:  Rejeitados pelo Diabo

Diretor: Rob Zombie

Duração: 109 minutos

País de origem: Alemanha, Estados Unidos da América

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: O roqueiro Rob Zombie (ex-White Zombie) escreve e dirige Rejeitados pelo Diabo, um faroeste mega-violento em ritmo de punk rock da telona. Emboscados em sua própria casa pelo xerife Wydell (William Forsythe), a família Firefly revida o fogo, mas só Otis e sua irmã Baby conseguem escapar. Num motel de beira de estrada, os irmãos chamam seu velho parceiro Capitão Spaulding (Sig Haig) e chacinam quem lhes atrapalhar o caminho. A violência aumenta e Wydell decide cruzar a linha e fazer justiça com as próprias mãos, num dos mais depravados e aterrorizantes duelos do cinema estadunidense.

Rob Zombie conseguiu, aqui, incrivelmente, criar um dos filmes de horror definitivos da contemporaneidade. "The Devil's Reject" é, do início ao fim, uma autêntica aula de como se realizar uma produção do gênero - e mesmo que vez ou outra hajam deslizes pontuais na narrativa, isso não compromete a abordagem ousada do diretor, trazendo uma dosagem admirável de insanidade, tensão, violência, sadismo e emoção, combinados na tela com uma intensidade incrível (e ainda repleto de um senso de humor subversivo e uma excitante pegada 'western').

Após uma irregular e criticada primeira película, Zombie decidiu reunir os três personagens mais carismáticos de "House of 1000 Corpses" e mergulhá-los em uma estória mais ativa, e nas palavras dele mesmo "criar algo que pudesse agradar tanto os fãs do primeiro filme, como os não fãs". 

Enquanto aguardam o capitão Spaulding, para que possam, juntos, tentar fugir das autoridades; Otis e Baby fazem uma família refém em um hotel beira de estrada, dando origem a uma das melhores sequências do filme. Zombie aproveita tal momento, não apenas para criar momentos enervantes de horror e violência física e psicológica, como também, para se aprofundar na psique doentia de seus principais personagens, que se comprazem na dor alheia e no sofrimento humano, submetendo suas vítimas a situações humilhantes: em determinado momento por exemplo, Otis induz uma senhora de meia idade a fazer 'strip tease' e proferir obscenidades em frente ao marido; já em outro, vemos Baby obrigando uma das mulheres presentes a agredir fisicamente a outra.

Quem também recebe tridimensionalidade do roteiro é o xerife Wydell(quase uma versão texana do Travis Bickle de "Taxi Driver", que pretende extinguir a 'escória'do mundo com as próprias mãos): apesar de ser um cristão fervoroso e um 'homem da lei', Wydell mostra que pode ser tão violento e perverso quanto os criminosos que persegue e acaba perdendo completamente seus escrúpulos para poder saciar sua sede de vingança. Um falso moralista autêntico, que abusa de sua autoridade para depreciar quem ele julga seus 'subalternos' - vejam, por exemplo, o desprezo com que ele trata o crítico de cinema especialista em Groucho Marx, por julgar que esta é uma profissão inútil (cineplayers).

Por ser ambientado na década de 70, o soundtrack do filme possui músicas que fazem parte de dois subgêneros do rock que ficaram muito populares em algumas regiões dos EUA na época: Country Rock e Southern Rock, contudo, ele também aproveita músicas das décadas de 50 e 60. Artistas e bandas como o The Allman Brothers Band, Terry Reid, Elvin Bishop, James Gang e Lynyrd Skynyrd tem canções de sucesso presentes no álbum.

As canções juntas das cenas fazem o público se sentir no meio do ambiente agressivo que o filme tem, fazendo desta soundtrack, uma das melhores do cinema estadunidense – destaque para a cena final onde Os Rejeitados pelo Diabo seguem a mais de 100 km/h ao som de Free Bird nas estradas dos desertos norte-americanos ao encontro da polícia (musicaecinema).

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Sid & Nancy - O Amor Mata (1986)

Outros títulos: Sid and Nancy: Love Kills

Diretor: Alex Cox (I)

Duração:  112 Minutos

País de origem: Reino Unido da Grã-Bretanha e Irlanda do Norte

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Uma trágica história de amor e devoção total até a morte. O lendário Sid Vicious, integrante do Sex Pistols, tem sua participação menosprezada pela banda, mas teve uma vida mais agitada e fascinante do que todos os integrantes juntos. Sua vida já tumultuada e autodestrutiva, foi potencializada com a chegada de Nancy. Viciados em heroína e tendo eles juntos como uma droga do outro, Sid & Nancy são os ícones perfeitos da geração punk da década de 1970.  Gary Oldman e Chloe Webb impressionam nos papéis centrais, e nos levam numa alucinante viagem aos becos e porões do movimento punk na Inglaterra.

Alguns filmes glorificam o Rock'n Roll exibindo o lado glamuroso, cheio de aventura e maravilhas. Sid e Nancy não é assim. Ao invés disso, expõe o ventre sujo e decadente do Punk Rock, com muita violência e drogas. Gary Oldman interpreta Sid Vicious, o baixista do grupo britânico de punk rock Sex Pistols. O filme narra sua vida de quando ele conhece sua namorada Nancy Spungen, para o trágico desaparecimento desse relacionamento. É um filme barulhento, feio e grosseiro que captura perfeitamente o que os Sex Pistols representavam... Anarquia. Cheio de todos os tipos de sexo, drogas e Rock and Roll, Sid e Nancy é um passeio seriamente selvagem. Se há algo que faz esse filme, são Gary Oldman e Chloe Webb. Esses dois são incríveis, Oldman mais ainda. Oldman capta as tendências autodestrutivas de Sid de forma excelente e leva a um extremo assustadoramente crível.  Spray em paredes, beber sem limites, Heroína pra lá, pra cá, casas queimadas etc. Ele é a verdadeira essência da anarquia, e ainda assim sentimos simpatia por ele. Isso é apenas por causa de Nancy, a namorada. Ela é uma personagem que você ama odiar. Ela é uma desculpa patética para um ser humano, sempre se lamentando para conseguir seu caminho e suas drogas, nunca contribuindo com nada positivo para a vida de Sid e sempre gritando sobre seus próprios problemas. É repugnante e torna o filme ainda mais distorcido e cativante à medida que observamos essa autodestruição se desdobrar na tela.

Não é fácil contar uma história em que seus dois personagens principais são tão facilmente tocáveis, mas de alguma forma esse filme faz isso. Eu acho que é por causa do equilíbrio entre Nancy e Sid que nos sentimos compelidos a ter pena de Sid e desprezar Nancy, fazendo com que o filme se envolva de uma maneira estranha e um pouco desequilibrada. A história deles é tão retrógrada e tão obscena que temos que nos interessar de alguma forma. Começa simplesmente o suficiente. 

A coisa fica cada vez pior para os dois à medida que o filme avança e a vida de Sid desmorona lentamente ao seu redor, com ele muito bêbado ou muito alto para notar. O filme fica um pouco mais para o meio, já que as conversas entre Nancy e Sid começam a ficar um pouco repetitivas, mas somos atingidos por um final esperado, mas ainda assim que fecha o filme no tom e atmosfera certos. Não há realmente nada sensato ou razoável sobre Sid e Nancy. Envolve o verdadeiro caos e discurso através da vida de um homem e sua namorada sei lá como qualificar... (KnightsofNi11, 2011).

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Nordkraft (2005)

Diretor: Ole Christian Madsen

Duração:  120 minutos

País de origem: Dinamarca

Áudio: Dinamarquês | Legenda: Português

Sinopse: O filme mostra o modo como várias pessoas tentam escapar das drogas e desse ambiente, mas percebem como é difícil virar as costas para um mundo em que você vive há tanto tempo. O filme segue três histórias diferentes (mas todos tem raízes no mundo das drogas da cidade dinamarquesa de Aalborg).

"Visually stunning, but not as original as it tries to be."  Às vezes, filmes do mesmo gênero tendem a ser muito semelhantes em estilo e substância. Há quem diga que o diretor de Nordkraft, Ole Christian Madsen às vezes cruza a fronteira entre ser inspirador e copiado. O filme tem uma notável semelhança com "Requiem For a Dream" (outro filme sobre abuso de drogas) e certas cenas a trilha sonora parece idêntica, (sim aquela famosa musiquinha que quem assistiu sabe qual é). Maria, Allan e Steso, todas as histórias são bem representadas, mas alguns dizem que a história da jovem e seu relacionamento com o namorado, é um pouco superficial. As outras duas histórias (sobre um drogado tentando deixar a namorada de volta e um ex-traficante de drogas tentando começar uma nova vida) dominam o filme. Geralmente um bom filme, e visualmente um dos melhores filmes dinamarqueses em anos, embora Madsen pudesse ter se inclinado um pouco menos nos filmes anteriores do gênero (Vanihm, 2005).

Voltando as histórias,

Maria (interpretada por Signe Egholm Olsen), namorada de um pequeno traficante de drogas local, também alguém que apenas procura por amor no meio de um mundo de viciados, e ela está esperando que algo grande aconteça para eles; embora lentamente reconhecendo que seu sonho se tornou uma ilusão. Maria é também conhecida como “dama do tráfico”, pelo transporte de haxixe que realiza frequentemente entre as cidades de Christiania e Aalborg, na Dinamarca. Particularmente falando, há quem discorde mas foi de Maria de quem gostei mais, o resto tanto fez.

O segundo é Allan (Claus Riis Østergaard), que, depois de superar o vício em cocaína, resolve seguir o padrão de vida aceito pela sociedade.  Depois de seu retorno, seu passado o alcança, mesmo contra sua vontade e ele precisa lidar com algumas decisões sérias. Por fim, Steso (Thure Lindhardt), um dependente químico assumido o suficiente para negar qualquer tratamento. "Um viciado em tempo integral, que seus únicos objetivos na vida, é sua namorada alcoólica e está ficar chapado constantemente". Ele se sente uma pessoa brilhante, aparece lendo livros para escapar e sempre com fone de ouvido.

Mais interessante que Trainspotting – Sem Limites (1996), mas não tão envolvente quanto Réquiem Para Um Sonho (2000). 

O diferencial está naquela atmosfera que só os filmes escandinavos ou russos possuem, ou também os Russos (por exemplo a atmosfera do filme Lilja 4-ever (2002) e que gosto...

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Spun (2002)

Outros títulos: Spun - Sem Limites

Diretor: Jonas Åkerlund

Duração: 97 Minutos

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Com um elenco que conta com Mickey Rourke e John Leguizamo, essa produção narra o mergulho de um viciado no mundo das drogas. Uma viagem trágica e pesada, de onde não existe como voltar sem abandonar toda as marcas que ficam. O papel principal é de Jason Schwartzman. A produção mostra desde seu primeiro encontro com um homem que lhe ofereceu speed, sua primeira experiência com as drogas, até seus problemas atuais com o traficante local.

Como a epígrafe de abertura do filme diz, Spun é "baseado em verdade e mentiras"

Uma mensagem antidrogas que foi ampliada dez vezes pessimistas como Trainspotting (1996) e Requiem For A Dream (2000). Enquanto os três personagens principais entram e saem de laboratórios, farmácias e clínicas de animais de estimação (um cachorro verde sofrendo os efeitos do tabagismo passivo!). Temos uma ótima aparição de Eric Roberts como 'The Man' (e seus meninos), Rob Halford como balconista da locadora pornô e uma boa trilha de Billy Corgan  'Smashing Pumpkins' (thespinningimage).

"Spun" combina uma atitude de repulsa com um humor esquisito. Essa é uma das observações rançosas do filme: velocidade e pornografia (com bondage e sexo anal, os modos preferidos) andandando juntos como bacon e ovos. (Ou devo dizer ratos e lixo?) aquele filme que cheira. Enquanto a câmera oscila de uma área de desastre para outra, nenhuma partícula de sujeira, lascas de gesso decadente ou lata de cerveja esmagada é deixada sem exame em meio a pilhas de lixo em que seus personagens se desmembram de suas próprias bagunças (nytimes).

 O charme do filme, que é reconhecidamente um gosto adquirido e indescritível, vem do fato de que "Spun" não romantiza seus personagens, não os amplia ou dramatiza, mas parece abanar a cabeça, incrédula, enquanto essas besteiras persistem em ruinosas e violentas. comportamento insano.

O filme é como a versão de baixa renda, road show daqueles filmes de droga sérios onde todo mundo é machista e mortal. Os personagens de "Narc" esmagariam esses personagens sob seus polegares. O diretor, Jonas Akerlund, vem da Suécia via comerciais e videoclipes, e obviamente estudou cuidadosamente "Requiem for a Dream", já que ele usa o mesmo tipo de desconexões visuais aceleradas para sugerir a vida na metanfetamina. 

Claro há quem diga que foi muito vento pra pouca chuva (estiloso, oco, previsível), como típico de diretores de videoclipes que se arriscam no cinema, apelam para concepções visuais excêntricas, e esquecem que o filme necessita de mais elementos para valer o esforço do espectador, podendo Spun ter credibilidade quanto à pretensão de reproduzir os efeitos do consumo de drogas pesadas, porém, "Trainspotting" sendo superior. De acordo com alguns o site Fimow. Particularmente gostei mais de Nikki (Brittany Murphy) e  Cookie (Mena Suvari).

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Requiem for a Dream (2000)

Outros títulos: Réquiem para um Sonho

Diretor: Darren Aronofsky

Duração: 102 minutos 

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Baseado no livro de Hubert Shelby Jr., que escreveu o roteiro em parceria com o próprio Darren Aronofsky, Réquiem Para um Sonho se concentra em Sara Goldfarb (Ellen Burstyn), senhora solitária que passa a maior parte de seu tempo vendo o programa de Tappy Tibbons (Christopher McDonald) na TV, e no trio formado por seu filho Harry (Jared Leto), a namorada dele, Marion (Jennifer Connelly), e o amigo Tyrone (Marlon Wayans), todos viciados em heroína. Cada um desses personagens possui um sonho em especial, e esperam realizá-lo em breve. Enquanto Sara é convidada para participar do programa que tanto gosta, o que a leva a tomar pílulas para emagrecer na tentativa de entrar em um vestido perfeito para a ocasião, Harry, Marion e Ty tentam juntar dinheiro para investir em um negócio que resolva suas vidas. Mas o vício de cada um acaba os impedindo de seguir com seus planos da forma como gostariam.

Os personagens até podem se sentir mais aliviados com as drogas, mas as consequências que elas trazem são realmente tristes de se acompanhar, sendo que eles se veem obrigados a desistir de coisas que inicialmente desejavam para si mesmos. Dessa forma, não é à toa que ouvimos a excepcional e melancólica trilha de Clint Mansell mesmo nas cenas em que Sara, Harry e os outros aparentam estar muito bem e com um sorriso no rosto (papo de cinema).

A narrativa é contada por meio das estações do ano. O filme inicia no Verão, onde temos o ponto alto das personagens, e com a mudança de estações, esses mesmos personagens caminham para um final trágico. Os cortes rápidos do Diretor e a trilha de Clint Mansell ajudam a ambientar a ruína das personagens.

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T2: Trainspotting (2017)

Outros títulos: Porno (EUA)

Diretor: Danny Boyle

Duração: 117 Minutos

País de origem: Reino Unido da Grã-Bretanha e Irlanda do Norte

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Sequência de Trainspotting - Sem Limites (1996), a trama apresenta os mesmos personagens e o mesmo elenco, vinte anos depois. A história é inspirada do livro "Porno", de Irvine Welsh.

"Escolha bolsas, escolha sapatos de salto alto, lã caxemira e seda, escolha um iPhone fabricado na China por uma mulher que pulou da janela [...] escolha Facebook, Twitter, Snapchat, Instagram e milhares de outras maneiras de jogar sua vida a estranhos. Escolha atualizar seu perfil. Diga ao mundo que você vai para um almoço na esperança de que alguém se importe. Perfis olhando ex namorados, porque você acha que é melhor do que eles. Escolha postar vídeo ao vivo de sua primeira masturbação, até sua morte. Interação humana reduzida a mera informação. Escolha 10 coisas que voce não sabia sobre celebridades [...] e escolher o mesmo para os seus filhos, o que é pior [...]" 

 e para frente desta parte o discurso piora.

T2: Trainspotting não perde suas características principais e ainda consegue desenvolver novos desfechos para personagens tão únicos, problemáticos e, sobretudo, instáveis (só não chega aos pés do primeiro).
O Frank ainda mais insano, a amizade do Renton e do Sick Boy e principalmente a volta por cima do Spud me agradou muito. Tem cenas memoráveis como a festa do "1690"em que eles cantam There Were No More Catholics Left e a balada que o Renton encontra o Frank. No mais o filme é um soco para aqueles que o tempo já passou, para aqueles que a juventude já é passado e o futuro cheio de sonhos a ser realizado é contrastado por uma realidade frustrante e sem graça. Esse trecho abaixo é bem edgy mas condensa bem o contexto dos personagens (que contrasta com o que era Choose Life para eles 20 anos atrás) (felipe).
No balanço geral “T2” é um filme que acerta em cheio a geração dos anos 90 com uma gostosa nostalgia, mas num olhar frio está longe de ter a mesma relevância do primeiro filme e se coloca como uma comédia dramática apenas muito boa que reúne amigos queridos, mas com pouco assunto.
Boyle não fugiu da cobrança de repetir uma trilha sonora que marcasse, como a do primeiro filme. Recrutou novos nomes da cena britânica - Young Fathers, Fath White Family -, convocou o Prodigy a regravar "Lust for Life", de Iggy Pop, tocada em "Trainspotting" e chamou Underworld a fazer uma versão mais lenta de "Born Slippy", tema techno do longa original (Folha uol, 2017).

"Escolha rolos antigos, desejando ter feito tudo diferente. E escolha ver a história se repetir"

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Trainspotting (1996)

Outros títulos: Trainspotting: Sem Limites

Diretor: Danny Boyle

Duração: 94 minutos

País de origem: Reino Unido da Grã-Bretanha e Irlanda do Norte

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sequência: T2 Trainspotting (2017)

Sinopse: Um retrato da juventude viciada de Edimburgo, capital da Escócia. Focado na vida de Mark Renton (Ewan McGregor), um rapaz que escolhe viver assumidamente como um viciado em heroína e deixa de lado os padrões da sociedade. Ao lado de seus amigos – Sick Boy (Jonny Lee Miller), Tommy (Kevin McKidd), Spud (Ewen Bremner) e Begbie (Robert Carlyle) – ele curte futebol e usar sua droga favorita o tempo todo. Cada um desses personagens peculiares tem uma história diferente, ora divertida, ora dramática, e todas elas se cruzam por conta do vício. Renton vai além dos limites o tempo todo e isso tem um preço. Cabe ao rapaz e a seus amigos tomar as rédeas de suas vidas e sair dessa. Mas será que eles querem realmente viver assim?

"Escolha um emprego. Escolha uma carreira. Escolha uma família. Escolha uma televisão enorme. Escolha lavadoras de roupa, carros, CD players e abridores de latas elétricos. Escolha boa saúde, colesterol baixo e plano dentário. Escolha uma hipoteca a juros fixos. Escolha sua primeira casa. Escolha seus amigos. Escolha roupas esporte e malas combinando. Escolha um terno numa variedade de tecidos. Escolha fazer consertos em casa e pensar na vida domingo de manhã. Escolha sentar-se no sofá e ficar vendo game shows chatos na TV enfiando porcaria na sua boca. Escolha apodrecer no final, beber num lar que envergonha os filhos egoístas que pôs no mundo para substituí-lo. Escolha o seu futuro. Escolha viver."

Para quem não sabe (eu não sabia té escrever esse post) há um novo filme chamado T2 Trainspotting (2017): "essa sequência parece não ser um retorno apenas por fins comerciais, como a maioria de reboots, remakes e spin-offs hollywoodianos. T2 visa a todo o momento se perguntar por que está de volta: por nostalgia (um aconchego emocional), por vingança ou reparação? Esses são motes que motivam a viagem de T2."

Boyle busca representar as sensações proporcionadas pelo consumo de substâncias entorpecentes, como a adrenalina, o êxtase, a angústia e as alucinações. O diretor é muito bem-sucedido em sua escolha, fazendo com que o espectador divida com os personagens uma experiência intensa e de grande amplitude emocional. Esta escolha permite também a criação de momentos visualmente marcantes, que adentram o terreno do surreal, como o mergulho de Renton na privada do “pior banheiro de toda a Escócia”, ou quando o personagem literalmente se afunda no vício e no tapete da sala de seu fornecedor, interpretado pelo ótimo Peter Mullan. Muitas destas sequências podem ser consideradas desagradáveis, como a do bebê morto de uma das usuárias de heroína (mais tarde uma semelhança com bebê de vítima no filme Ex Drummer (2007)) ou o incidente intestinal de Spud na casa da namorada, mas Boyle as retrata sem pudor. Com isso o diretor se mantém fiel à sua fonte criativa, a obra de Welsh, inclusive em outros detalhes, como as particularidades da cultura escocesa (as gírias e o forte sotaque local, por exemplo).

Esta sintonia é fundamental, pois mais do que um filme sobre o mundo das drogas, Trainspotting é um filme sobre amizade. Um tipo de amizade errática, que parece surgir apenas nos momentos de necessidade causados pelo vício, mas que de algum modo exerce grande força sobre os personagens. Personagens que são, sem exceções, figuras amorais e autodestrutivas, de difícil identificação com o público. Características que criam uma barreira de empatia, superada pela já citada qualidade do elenco, e também pelo modo sem julgamentos com o qual Boyle expõe estas figuras, mostrando suas ações e consequências sem estabelecer limites de certo e errado.

Por fim temos outro importante e influente elemento, a trilha sonora, que vai de Iggy Pop ao grupo Underworld, cujo single “Born Slippy” se tornou um hit e marca registrada do filme, que também retrata a mudança cultural dos anos 90, quando as festas de rock e as drogas “clássicas” deram lugar à cena da música eletrônica e das drogas sintéticas. Tudo isso faz de Trainspotting um trabalho emblemático de uma época, que apesar de sofrer um pouco com o desgaste de seu estilo muito imitado e da carreira instável que Danny Boyle construiria a seguir, possui um impacto inegável (papo de cinema).

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Eu, Christiane F. - 13 Anos, Drogada e Prostituída (1981)

Outros títulos: Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo

Diretor: Uli Edel

Duração:  125 Minutos

País de origem: Alemanha

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Na cidade de Berlim, nos anos 70, a adolescente Christiane (Natja Brunckhorst) é uma jovem comum que mora com a mãe e a irmã caçula. Ela sonha em conhecer a "Sound", discoteca mais moderna e badalada do momento. Menor de idade, ela consegue entrar com a ajuda de uma amiga, conhece Detlev (Thomas Haustein) e começa a se aproximar das drogas. Primeiro álcool, depois maconha, calmantes, LSD, heroína. Imersa no submundo do vício, ela passa a prostituir-se.

De acordo com JLongo-1 (imdb),  Esse filme poderoso e chocante é uma adaptação do livro best-seller baseado na história real de Christiane F. (como já sabemos), ela viveu em Berlim até meados dos anos 80 e tendo a mesma idade que Christiane F. Enfatiza a autenticidade do livro, até do filme. Berlim era uma cidade escura e deprimente na época, mas uma verdadeira metrópole com todos os seus problemas. Não precisava fazer parte do "cenário das drogas" para perceber isso em todos os lugares no centro da cidade e arredores. O artigo da revista, seguido do livro e do filme,  expôs ao público e documentou o problema. O filme ainda é relevante 20 anos depois, basta ter um pouco de perspectiva.

A trilha sonora com a música de David Bowie (recentemente relançada em CD) é poderosa e se encaixa no clima geral perfeito. 

No (Vice, 2013) há uma entrevista com a própria e real Christiane. De acordo a própria, o filme não descreveu como cresceu, seu pai era alcoólatra e abusou de sua irmã, e dela, enquanto sua mãe nada fazia. 

Hoje, Christiane tem 51 anos, um filho de 18, e um livro lançado em 2014 para revelar os desdobramentos do vício e da fama repentina. Christiane declarou, em entrevista à revista Vice, que não conhece outra vida. E culpa a fama por estar tão debilitada e continuar usando drogas. Segundo ela, se não tivesse virando uma celebridade, não teria dinheiro para consumir heroína e outras substâncias durante todos esses anos. Pelos direitos autorais das obras, ela recebe mensalmente cerca de R$ 6 mil. Com o segundo livro, Minha Segunda Vida, lançado em 2014, ela disse esperar que as pessoas se assustem mais com as drogas (diversao r7, 2017).

Referências

https://www.vice.com/pt_br/article/bmgdq5/vou-morrer-logo-eu-sei-conheca-a-verdadeira-christiane-f

https://diversao.r7.com/pop/o-que-aconteceu-com-a-garota-de-eu-christiane-f-13-anos-drogada-e-prostituida-13062017

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Visitor Q (2001)

Outros títulos: Bijitâ Q (Original), ビジターQ (Japão)

Diretor: Takashi Miike

Duração: 84 minutos

País de origem: Japão

Áudio: Japonês | Legenda: Português

Sinopse: Visitor Q retrata, de forma bizarra, a crise da família burguesa no Japão. Kiyoshi Yamazaki, interpretado por Kenichi Endo, é um pai, de profissão jornalista, que busca realizar uma reportagem sobre violência e sexo no Japão. Ele começa tendo sexo com sua filha que é prostituta e filma seu filho sendo humilhado e agredido por colegas de escola. Por sua vez, em casa, seu filho agride a mãe, que é viciada em heroína e que se prostitui. A chegada de um estranho visitante, o "Visitor Q", que acompanha os comportamentos bizarros, provoca mudanças no seio da família Yamazaki.

De acordo com o ScreenAnarchy (2012) Visitor Q é um filme bastante feio, filmado em apenas três dias, pode-se até mesmo localizar alguns microfones de som em duas ou três tomadas diferentes. Miike foi todo digital e prático com Visitor Q e, embora ele se encaixe no filme, trazendo você para mais perto de toda a aberração do que você preferiria, não há como negar tudo parece muito apressado. Porém o filme é hilário demais para se importar com visual... A trilha sonora é praticamente inexistente  na maior parte do filme.  A maioria das cenas contém apenas os sons gravados durante a filmagem. Há uma única música no final do filme, que, ao mesmo tempo, é também a cena mais estilizada de todo o filme. Enquanto assiste ao Visitor Q, você não pode deixar de se perguntar como os atores devem ter experimentado esse filme. Algumas cenas são tão perturbadoras (e diretas ao ponto) que ou se sentiram incrivelmente envergonhadas, ou eles apenas tiveram o tempo de suas vidas enquanto filmavam. Todos os atores fizeram ótimas performances, mas é Kenichi Endo que realmente faz tudo. Seu estado continuamente animado durante os últimos 30 minutos é, sem dúvida, a melhor performance cômica que já presenciei. Cuidado, porém. Falo da experiência quando digo que há muitas pessoas por aí que não reconhecem a comédia neste filme. Embora a primeira hora possa ser considerada simplesmente perturbadora, os 30 minutos finais vão além e é impossível pensar nela como algo além de uma fatia de comédia extremamente sombria. Se você é um (facilmente) ofendido por filmes, é seguro dizer que é melhor ficar claro sobre o filme. O visitante Q é um filme para doido mas um dos filmes mais divertidos. Você tem que estar aberto para o senso de humor perturbado de Miike, Não é um filme que recomendado ativamente, deixaremos o filme recomendar a si mesmo.

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Candy (2006)

Outros títulos: Paradiso + Inferno (Itália)

Diretor: Neil Armfield

Duração:  116 Minutos

País de origem:

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Candy é uma pintora jovem e talentosa e Dan, um poeta promissor. Ambos são viciados em drogas. Quando se encontram, é amor à primeira vista. No início, sentem como se tivessem encontrado o paraíso. Mas, como em todos os paraísos, também neste há um pecado original: a heroína. Ambos acreditam que a felicidade não tem limites. Com o decorrer do tempo, percebem que não têm como sobreviver. Candy precisa se prostituir, e Dan não a impede. Eles decidem fortalecer o amor que os une e se casam.

Vários filmes ótimos, tocantes e chocantes foram feitos sobre drogas, um tema que não se cansa. Tivemos o alemão Eu, Christiane F. - 13 Anos, Drogada e Prostituída, que, por meio de uma fotografia escura e de cenas explícitas do uso de drogas, marcou uma geração. Anos mais tarde, surgiu o inglês Trainspotting, de David Boyle, que usando ironias e cenas que beiram a comédia das situações com o drama do vício, encantou um bom público. Em 2000 o americano Darren Aronofsky criou sua obra Réquiem Para Um Sonho, que com um ritmo frenético e com cenas fortíssimas, ficou na mente de muitos e até indicou Ellen Burstyn para um Oscar. Porém, candy é um filme sobre vício. 

A heroína é apenas a desculpa, é o elemento que é necessário para fazer a comparação entre drogas e amor. Candy é um filme australiano independente, adaptado do romance de Luke Davis. Embora as circunstâncias e o contexto não o apresentem diretamente, é uma história de amor, porque fala de amor e de amor de uma maneira extraordinária, evidenciando a profundidade e a complexidade do mesmo. Plasmando-o como pode ser muitas vezes: destrutivo e clichê. Bonito e trágico Não é uma história de conto de fadas e é por isso que compará-lo com a droga encontro tão inteligente, porque usá-los leva a um estado de êxtase infinito, mas a queda é fatal, e ainda, voltamos a usar pelo prazer que nos causa, embora mais tarde, a dor seja excessiva e para curá-la, voltamos à droga. O mesmo vale para o amor quando o que nos faz sentir se torna viciante e a pessoa por quem nos sentimos é tão tóxica quanto a heroína.

O filme é dividido em três partes: céu, terra e inferno, mostrando cada uma faceta e fase diferente do relacionamento do casal e relação com as drogas, como ela cresce seu amor cresce seu vício, como eles não podem controlar seus sentimentos um pelo outro, enquanto sob os efeitos da heroína mais pura e mais amor obsessivo.

Do título do filme você pode revelar qual é o verdadeiro elemento: Candy, a protagonista. É a droga que leva o nome da heroína do filme. Candy é a verdadeira maldição. Apesar de ter sido Dan que a levou a usar drogas, nela é onde está o verdadeiro vício, ela é a perdição de Dan e, por sua vez, a dela mesma. Ela se perde em seu próprio prazer e Dan se perde nela.

No entanto, o peso e importância do filme estão com seus protagonistas e como eles são capazes de transmitir esse vício para o público. Estudos comprovam que a primeira fase de se apaixonar equivale ao consumo de uma dose de cocaína ou heroína, causando os mesmos efeitos no cérebro devido à quantidade de dopamina que ocorre. Uma vez que é subitamente consumido, a descida é terrível, fisicamente e psicologicamente é um sofrimento atroz que parece que você nunca pode recuperar, a menos que você volte a consumir. Os efeitos do amor são os mesmos ou muito semelhantes, e quando os protagonistas tentam parar de usar heroína, o relacionamento deles fica cada vez mais distante. (filmfilicos, 2017).

Outro personagem importante da trama é Casper (Geoffrey Rush), um tipo de mentor de Dan na vida e no uso da heroína. São suas as palavras que parecem prever o destino do casal: "quando se pode parar com a droga, não se quer; quando se quer, não se pode".

A direção é segura, a edição é ótima e o roteiro é foda. Ainda com uma fotografia clara em contraste com a obscuridade das cenas e com a trilha sonora rodeando a melancolia, a obra se fecha numa exposição de tristezas e desilusões. Candy é um filme para ser visto. É um retrato fiel das drogas se misturando com a paixão. Um retrato da decadência dos personagens de Abbie Cornish e Heath Ledger. 

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Thriller: A Cruel Picture (1974)

Outros títulos: Thriller - En Grym Film (Original),

Thriller - Um Filme Cruel, Eles a chamam de a Caolha (Brasil kkk)

Diretor: Bo Arne Vibenius

Duração:  104 Minutos

País de origem: Suécia

Áudio: Inglês (english) | Legenda: Português

Sinopse: Garota é violentada quando criança e perde a fala. Na adolescência, ela vai ser enganada por um pilantra que a vicia em heroína e a prostitui, controlando-a através do vício. Depois de passar por todo tipo de sofrimento, a jovem consegue um treinamento em tiro e artes marciais, partindo finalmente para a vingança. Foi o primeiro filme a ser banido da Suécia - país de sua produção - por causa de suas cenas de sexo e violência.

Este notório e controverso filme sueco sobre vingança sexual foi anunciado com o slogan: "The Movie That Has No Limits of Evil. First They Took Her Speech...Then Her Sight...When They Were Finished, She Used What Was Left of Her For Her Own Frightening Kind of Revenge - THEY CALL HER ONE EYE".

Foi o primeiro filme sueco da era não-silenciosa a ser completamente banido em seu próprio país (na época já sabe né). Ele foi repetidamente editado e censurado (e banido fora da Suécia) por seus controversos temas de estupro e vingança e sexo hard-core.  (Inserções grosseiras e explícitas de um corpo-duplo sendo penetrado vaginalmente e analmente, com closes da genitália feminina e ejaculação foram adicionados ao filme).

A personagem principal era a muda Frigga/Madeleine (Christina Lindberg) cuja vida ficou traumatizada para sempre depois de um estupro em uma idade muito jovem por um idoso abandonado em um parque. Mas uma coisa eu não entendi, a menina estava então em uma bela estrada e para um totalmente estranho oferecendo carona à cidade, e então ela vai, (tipo aqueles filmes de terror que a pessoa cisma em entrar na casa abandonada), esse estranho era o cafetão Tony Dill (Heinz Hopf), que a levou num característico restaurante refinado com umas pinturas características e um serviço a Russa (ou inglesa indireto não sei mais direito), isso não importa, o que importa é que ela vai pra casa dele, bebe a bebida que ele oferece e pá ! Ele a vicia em heroína contra a própria vontade, força a prostituição, corta seu globo ocular (por certos motivos que não vou falar, já estou falando mt), porém nessa cena, a mutilação foi feita em um cadáver fresco (sim claro quem ia ficar parado calmamente imóvel enquanto enfia uma faca nos olhos) que mostra em detalhes em altos close - up, ela então é forçada a usar um tapa-olho (que mudou de rosa para vermelho para preto enquanto o filmeprogredia).

Ao ver que seus pais cometeram suicídio por conta de uma carta falsa, ela começa a treinar para se vingar (armas, direção, tiro, karatê etc). E completamente sem palavras foi atrás de vingança, e a "Um olho só" deu nó em pingo d'água. É um filme divertido, mas com cenas de sexo demasiadas.

Curiosidades: Boatos dizem que depois desse filme, Christina Lindberg encerrou sua carreira de atriz, recusando-se a realizar cenas de sexo explícito e expressando desconforto com o uso de inserções explícitas de penetração total usadas em seus personagens.
Coisas que aprendemos neste filme (por trashcinematrash): 
- Os criminosos suecos, são todos vizinhos (no filme quando uma pessoa telefona a outra, essa pessoa não demora nunca mais de 30 segundos a chegar ao local)   (kkkk)
- A policia sueca, tem os uniformes mais feios, alguma vez feitos 
- Prostitutas com "olho à pirata", são mais caras 
- Existe toda uma gama de cores de palas para os olhos 
- As notas de 1000 kr. suecas, são do tamanho A4  
- Na Suécia o ceu está sempre azul e nunca chove ou neva 
- Não se deve aceitar boleia de pessoas com barbicha e fato aos losangulos - O IKEA já existia em 1974 e tinha modelos tao feios como hoje em dia

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A Centopeia Humana (2009), 2 (2011) e 3 (2015)

A Centopeia Humana (2009)

Outros títulos: The Human Centipede (EUA)
Diretor: Tom Six
Duração: 92 Minutos
País de origem: Países Baixos (Holanda)
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Duas jovens estão em viagem quando seu carro quebra numa floresta deserta. Elas buscam ajuda e encontram a casa de um cirurgião de renome internacional e especialista em separações de gêmeos siameses, mas logo elas descobrem que ele pretende juntá-las num só corpo para criar uma centopéia humana.

De acordo com o (cinegnose, 2011), O homem e a humanidade retrocedida à forma de centopeia! E o que é mais radical: não há mais uma hermenêutica, mas uma reversibilidade irônica do Mal: tudo é levado a cabo justamente por instrumentos resultantes da evolução humana: a Ciência, a Razão e a Técnica.

Uma produção com orçamento baixíssimo e filmada em vídeo digital, mas com um tema talvez inédito no gênero terror (o Inumano). Dessa maneira, o filme entra para o hall de filmes “sadianos” como “Saló – 120 Dias de Sodoma” de Pasolini. E por que não utilizar a palavra “sádico”?

O libertino não é um louco, possesso ou demoníaco. Tal como o Dr. Heiter no filme, ele é frio, dominado pelo cálculo científico. Capaz de fazer uma apresentação didática para as suas vítimas, como se estivesse aculturando os selvagens, trazendo a luz da ciência para a humanidade idiota.

No 1º filme, um cirurgião alemão (Dr. Heiter) no melhor estilo: "oficial nazista sádico" (perfeitamente caracterizado pelo ator Dieter Laser).... sequestra 2 garotas americanas e um jovem asiático pra uma experiência aterradora: interligar os 3 por um único aparelho digestivo - costurando a boca de um no ânus do outro (assim, o 1º se alimenta e os demais ingerem suas fezes). A ideia em si chocou meio mundo quando apresentada em 2009 (sendo o filme proibido em diversos países). Mas os fãs de terror gore reclamaram que muito do filme era apenas subjetivo (ficando pra imaginação do espectador). Assim, o diretor chutou o balde de vez na parte 2... Uma ideia genial (sendo uma sequência bem criativa - se comparada com a mesmice das sequências repetitivas de filmes americanos tipo: "Jogos Mortais"). Na "Centopéia 2", um vigia (Martin) de estacionamento é fanático pelo 1º filme (já q a parte 2 considera o 1º apenas um filme) e resolve repetir na "vida real" o experimento feito na parte 1. Só q o maluco agora não é cirurgião, e resolve "emendar" as pessoas pregando suas bocas no rabo das outras usando um grampeador mesmo. Ele também almeja superar o "Dr. Heiter" (seu ídolo) unindo agora 12 pessoas. As cenas são brutais, e o que ficava apenas subjetivo no 1º agora é explícito no 2º: pessoas ingerindo merda, torturas chocantes (dentes sendo extraídos à marteladas) e a cena de estupro mais brutal da história do cinema: o maluco resolve fazer sexo com a sua "Centopéia" enrolando um "arame farpado" (!) no próprio pinto!!! E isso é só uma pequena parte de um filme q pra muitos espectadores será uma verdadeira sessão de tortura assistir até o fim (submundo-hq, 2012).

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A Centopeia Humana 2 (2011)

Diretor: Tom Six

Duração: 88 Minutos

País de origem: Holanda

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Escrito e dirigido novamente por Six, a sequência foca em Martin, um homem solitário e mentalmente perturbado que mora com sua mãe e trabalha como guarda noturno em uma estacionamento-garagem no subsolo. Para escapar de sua triste existência, Martin se perde na fantasia do filme de terror cult A Centopéia Humana, fantasiando com as meticulosas habilidades cirúrgicas do Dr. Heiter, cujo conhecimento do sistema gastrointestinal inspira Martin a praticar o impensável.

Como já havia comentado lá em cima sobre o Martin, não vou repetir, Tom Six escreveu e dirigiu essa sequela, que, em de junho de 2011, o BBFC recusou com um certificado no Reino Unido proibindo o lançamento no cinema ou DVD. Mas, percebendo que seria um esforço atoa (porra a gente tem internet sabia), com a grande quantidade de pressão contra a censura, o BBFC concedeu o certificado de filme em outubro com 2 minutos e 37 segundos de cortes.

Cada vez mais popular, o Shock Cinema combina pornografia com ultra-violência, e o segundo filme junta esse sub-gênero ao lado de filmes como A Serbian Film (tem aqui) e Anticristo.

Harvey faz excelente trabalho em seu papel como um Martin lamentável executando uma performance perturbadora e aterrorizante, apesar de não ter muito diálogo.

A Centopeia Humana 2 não tem humor negro e originalidade de seu antecessor, e para alguns que preferem a linha do primeiro, pode parecer um trabalho tedioso através da depravação e perversão (para outros é bem melhor). O filme deixa muitos no mínimo desconfortável, pessoalmente falando, a única cena a qual me deixou realmente desconfortável, foi an parte a qual a mulher entra em trabalho de parto no carro e precisa dar a partida, então PISA no recém-nascido pra acelerar, pqp, mas não cria suspense. O ritmo é lento, embora se redima nos últimos 20 min. Os fãs obstinados ao cinema extremo, trash e gore irão gostar!

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A Centopeia Humana 3 (2015)

Diretor: Tom Six

Duração:  102 Minutos

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

"Bill Boss (Dieter Laser), diretor de um grande complexo carcerário estadual nos EUA, tem vários problemas: sua prisão tem estaticamente o maior número de revoltas, custos médicos e troca de funcionários no país. Mas ele não consegue o respeito que acha que merece de seus prisioneiros e do governador do estado (Eric Roberts). Ele falha constantemente ao procurar novas ideias para as punições ideais para colocar os detentos na linha, que o leva, junto ao calor infernal, a enlouquecer. Com o local sob ameaça de fechamento do governo estadual, seu braço-direito Dwight (Laurence R. Harvey) tem uma brilhante ideia. Uma ideia revolucionária que poderá salvar o sistema carcerário americano e economizar bilhões de dólares. Uma ideia baseada nos filmes Centopeia Humana, que vai colocar os presos de joelhos - figurativamente e literalmente -, criando a punição derradeira para quer considera uma vida de crimes. Sem nada a perder, Bill e Dwight criam uma embasbacante centopeia de 500 pessoas."

KKKKKKKKKKKKKK isso é o resumo de Centopeia Humana 3. Tchau.

Sim, temos "Dr. Heiter " e "Martin" no terceiro filme em um horror horrível e engraçado, com gritos incessantes e insípidos de Dieter Laser com uma atuação bem ruim de Laurence Harvey. Os dois primeiros filmes foram polêmicos e desconfortáveis de assistir. Perturbadores e, em muitos aspéctos, únicos. Essa última foi apenas irritante. Não choca e sobre a centopeia, quando aconteceu não vou dizer.

MAAAAS, após um comentário no filmow, comecei a ver um filme ruim de um outro ângulo também. Nina (2018): Se pararem pra notar, o carinha que mora logo ali no foço da loucura, mais conhecido como Tom 6 (Six) realizou três filmes utilizando de três elementos dos filmes de terror:

Em Centopeia Humana 1: Nos foi apresentado o suspense;

Em Centopeia Humana 2: O gore extremo;

Em Centopeia Humana 3: O terrir (ou trash).

E de certa forma, se você levar o ver como trash e não buscando os elementos que os outros dois tinham, muito provavelmente vá gostar, porque a função desse terceiro é realmente satirizar a franquia em si, tanto que (SPOILER ----------------- )  é o filme dentro do filme dentro do filme e até o próprio Tom faz aquela pontinha. Assim, podendo ir na direção do divertimento.

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Lost Colony: The Legend of Roanoke (2007)

Outros títulos: Wraiths of Roanoke
Espíritos da Floresta (Brasil)

La colonia perdida (Espanha)

Diretor: Matt Codd (I)

Duração: 95 Minutos

País de origem: Bulgária/EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Colonizadores ingleses que aportaram na ilha Roanoke em 1587, encontram um forte construído anos antes totalmente deserto. Logo após membros da colônia começas a morrer de maneiras horríveis. O líder resolve voltar a Inglaterra para pegar provisões e deixa Ananais Dare no comando. Ele descobre que a ilha é assombrada por espíritos nórdicos. Com a ajuda de uma amigo nativo-americano, Dare vai ter que libertar os espíritos de sua prisão terrestre antes que toda colônia esteja perdida.
[Q&A Filmow] Que filme tem vontade de ver mas nunca viu? por preguiça ou por querer assistir rapidamente no tablet. Essa foi a pergunta feita pelo blog, de uma coisa sabemos, sempre tem uns filmes missão impossível de encontrar, impossível mesmo, como por exemplo The Theatre Bizarre 2: Grand Guignol (2018) que nunca vai sair. Então alguns usuários do filmow comentaram:"Cheerleader Camp 2 (1990)" "Floresta dos Condenados 2 (2011)" "The Imp (1981)" "Cannibals and Carpet Fitters (2018) (legendado)" entre outros. No meio disso tudo, foi possível repassar os filmes na versão online: Creature (2011) e Lost Colony (2007) !!!

Wraiths of Roanoke é conhecido por sua básica pesquisa histórica conduzindo uma aproximação dos fatos que aconteceram, os principais atores (Ananias Dare, George Howe, governador John White, filha de Ananias Virginia que foi a primeira europeia nascidano Novo Mundo) são todos nomeados e há uma inclusão de detalhes,  como instruções para esculpir uma cruz de Malta em uma árvore para evidenciar se eles encontraram problemas. Menos bem sucedidas são a aproximação do filme das circunstâncias históricas / sociais da época. Os colonos de Roanoke eram todos puritanos, mas a religião e sua causa de liberdade é mencionada pouco no filme, exceto quando se trata do personagem do padre.  Também os personagens falam livre de coloquialismo arcaico e tendem a ter atitudes mais modernas - as mulheres têm seus cabelos descobertos, por exemplo - do que teria sido aceito na época.
Infelizmente, Wraiths of Roanoke se torna menos interessante quando introduz um elemento de terror. Os espectros titulares são simplesmente figuras que se parecem com exemplares de preço reduzido dos mortos de Dunwood em O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei (2003) e nunca parecem fazer nada de interessante além de pairar espectralmente e invadir o campo para matar pessoas de vez em quando. Certamente, Matt Codd prova lamentável em gerar qualquer atmosfera assombrada de suas aparências. No lado positivo, nós conseguimos ver alguns colapsos moderadamente sangrentos, mas o filme mantém pouco em termos de tensão em algo que não seja uma maneira processada e rudimentar.

Curiosidades: O filme foi baseado em histórias reais e há um livro sobre. Traduzido do inglês "Ananias Dare era um colono da Colônia Roanoke de 1587. Ele era o marido de Eleanor White, com quem se casou na Igreja St. Bride em Londres, e pai de Virginia Dare, a primeira criança inglesa nascida na América. Os detalhes da morte de Dare ainda são desconhecidos (Wikipedia).
No livro de ficção histórica, a história é contada com vários outros fatos relevantes, no final no livro há cinco teorias sobre o que poderia ter acontecido aos colonos da Ilha Roanoke. Menciona que esse mistério é um "arquivo aberto" porque nunca foi resolvido.
No History.com há um vídeo muito bom, também há sobre no site pbs.org e so site da The Lost Colony.
Uma das teorias é que John White retornou e encontrou todas as pessoas mortas, mas a rainha na Inglaterra sabia que se as pessoas pensassem que o Novo Mundo significasse a Morte, então novos colonos nunca iriam criar novas colônias para eles, então foi 'coberto' e dito que foi um grande mistério. 

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E 

Gummo - Vidas sem destino (1997)

Outros títulos: Gummo (Original)

Diretor: Harmony Korine

Duração:  89 minutos

País de origem: Estados Unidos da América

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Do autor de "Kids", Harmony Korine, o filme traz a mesma visão realista sobre um grupo de adolescentes perdidos e o mundo tragicamente vazio em que vivem. O cenário é uma cidadezinha, devastada por um furacão. O foco é uma dupla de garotos que passa os dias à toa cheirando cola e matando gatos para vender.

Gummo segue as façanhas de um grupo de adolescentes e jovens adultos que habitam os resíduos de uma cidade do Meio-Oeste que nunca se recuperou de um terrível tornado. Essas crianças caçam gatos, cheiram cola, gravam seus seios e destroem móveis. Eles anseiam excitação, sexo, liberdade, dinheiro, poder e beleza, e suas vidas se cruzam, mas raramente se entrecruzam muito profundamente à medida que cada um persegue seus sonhos. Até o próprio filme existe como uma intersecção de vários estilos e temas; cenas cuidadosamente escritas são misturadas com trechos improvisados, imagens encontradas e material de 8mm feito por Korine e seus amigos.
Assim, Gummo nos leva a uma odisséia através das fantasias e pesadelos da América Central, apagando simultaneamente as distinções entre documentário e ficção, narrativa e poesia, e exploração descarada e sincera consideração. Korine mantém um senso inabalável de convicção e sinceridade, e seu filme me deixou com uma ladainha de momentos inesquecíveis, embora eu seja parcial com a cena em que os personagens do filme saem correndo pela chuva pesada enquanto todos se afogam, com Roy Orbison, "Crying".
"Gummo" é dirigido e roteirizado por Harmony Korine, que também foi responsável pela premissa do polêmico (um pouco apelativo) "Kids (1995)". Como todo filme que se propõe e ir nessa linha tênue (e perigosa), as atuações são as mais espontâneas possíveis, com cada ator soando como tem que ser, mesmo que nenhum gere, realmente, uma empatia total com o público. E, essa é a intenção mesmo, já que, na vida real, não temos esses heróis maniqueístas que o cinema empurra goela abaixo. À primeira vista, sim, pode parecer um filme apenas chocante. Mas, ele vai além do choque, pois, com grande pessimismo, mostra como uma sociedade por ir ladeira abaixo quando abandona aqueles que são mais vulneráveis. Não há cenas gratuitas nele, mesmo que se insinue, a todo momento, que algo verdadeiramente polêmico vai surgir na tela. Há um desfile de loucura e excessivamente realista. há um sujeito prostituindo uma menina com retardo mental, um mercado de compra de gatos para chineses, velhotes tentando seduzir garotas, acumuladores, descrições inocentes de estupros, meninos vendendo chocolates e sonhando com um futuro onde possam estuprar impunemente (blogpunhadodecoisas e sabotagem.net)

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Creature (2011)

Outros títulos: Criatura (Brasil)

Diretor: Fred Andrews

Duração:  93 minutos

País de origem: EUA

Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: Seis amigos estão fazendo um passeio juntos. Ao parar o carro, num posto de gasolina, próximo a um pântano, ficam sabendo de uma lenda local sobre um homem-jacaré. Por curiosidade, decidem visitar a antiga casa do homem que se transformou no monstro.

[Q&A Filmow] Que filme tem vontade de ver mas nunca viu? por preguiça ou por querer assistir rapidamente no tablet. Essa foi a pergunta feita pelo blog, de uma coisa sabemos, sempre tem uns filmes missão impossível de encontrar, impossível mesmo, como por exemplo The Theatre Bizarre 2: Grand Guignol (2018) que nunca vai sair. Então alguns usuários do filmow comentaram (Brujo, Gabriel, Galadriel, Mikael e Ramon. Obrigada 'link')! E as respostas foram tipo:"Cheerleader Camp 2 (1990)" "Floresta dos Condenados 2 (2011)" "The Imp (1981)" "Cannibals and Carpet Fitters (2018) (legendado)" entre outros. No meio disso tudo, foi possível repassar os filmes na versão online: Creature (2011) e Lost Colony (2007) !!!

O filme começa lembrando até mesmo do famoso Pânico na Floresta (assistir muito quando era criança, claro que vi todos), um grupo de jovens vai se aventurar, alerta que você não deve viajar para a área rural de Lousiana. Pois foi lá que um jacaré roubou a noite/irmã de um homem, que, furioso comeu o jacaré e sua irmã, transformando-o em um homem jacaré. 100 anos depois é adorado pelos caipiras da comunidade, então esses ex militares meio que imploram pela visita dessa criatura, muitos dizem que há uma atuação ruim, direção e escrita, mas que ainda há algo divertido, tipo pegar ou largar, se estiver inclinado a ver tal tipo de filme, poderá gostar, ou não.

Os protagonistas de Creature, talvez não assistem a muitos filmes de terror ao sairem da trilha para investigar uma lenda de um homem meio jacaré. Então vemos uma criatura SyFy, remonta aos velhos tempos de exploração, quando um tabu era considerado um ponto de venda. 

O filme tem altas nudez frontal completa, e até mesmo incesto, enquanto a irmã trabalha com as mãos para o irmão, se é que me entende.  É com um syFy feito por um diretor pornô holandês, um pouco menos divertido (rottentomatoes).

O que é um filme de terror clichê sem nude?!

"Olha só, uma casa esquisita abandonada e que não sabe quem mora la, VAMOS ENTRAR" 

"Eu acho que se eu encontrasse Sid Haig na rua, eu imediatamente gritaria e fugiria. Com uma história de incesto e carnificina em todos os seus filmes, ele é muito mais ameaçador do que qualquer outra coisa neste filme e pode realmente ter sido sua graça salvadora. Provavelmente porque eles perceberam que o predador desse filme era tão interessante quanto um chiclete, os cineastas se voltam para distrações como o lesbianismo, a masturbação, o fumo com maconha, até jogando algumas aranhas que, como Sid, também são mais ameaçadoras do que o monstro real." (horrorfreaknews).

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Lolita (1962), (1997) e Russian Lolita (2007)

Lolita (1962)

Diretor: Stanley Kubrick
Duração: 152 Minutos
País de origem: Reino Unido da Grã-Bretanha e
Irlanda do Norte
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: James Mason interpreta o professor Humbert Humbert, que aluga um quarto na casa de Charlotte (Shelley Winters), mãe de Lolita (Sue Lyon), de 15 anos. A senhora logo se apaixona pelo professor, mas ele só tem olhos para a ninfeta Lolita. Para ficar próximo da menina, Humbert chega a se casar com a mãe dela. Mas Charlotte um dia descobre sobre as intenções do marido; a história toma novo rumo, dando espaço a tragédia e a um "romance" (coloco o termo drama porém é assim que está no filmow) entre padrasto e enteada.

Lolita (1962) ao dizer que tudo era tão "normal".

Curiosidades: A primeira história de lolita, em 1962, dirigida por Stanley Kubrick, sofreu severos cortes da censura e lançou ao estrelato Sue Lyon, na época com 14 anos. Em 1997, Adrian Lyne lançaria sua versão, mais detalhada e livre de cortes. 

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Lolita (1997)

Diretor: Adrian Lyne
Duração:  137 Minutos
País de origem: EUA e França
Áudio: Inglês | Legenda: Português

Sinopse: No início da adolescência, Humbert (Jeremy Irons) apaixonou-se perdidamente e tragicamente por uma garota da sua idade e, à medida que se tornava adulto, nunca perdeu a obsessão por "ninfetas", adolescentes que andam na linha tênue entre ser menina e mulher. Enquanto procura um lugar para viver depois de garantir uma nova posição de professor, ele conhece Charlotte Haze (Melanie Griffith), uma mulher pretensiosa e irritante que parece desesperadamente solitária e obviamente se sente atraída por Humbert. Ele então conhece sua filha de 13 anos Lolita (Dominique Swain), a imagem da garota que Humbert amou uma vez (a história tragicamente acabada, contada no início do filme). Humbert entra na casa de Haze como pensionista e acaba se casando com Charlotte para ficar mais perto de Lolita. Quando Charlotte descobre sobre a atração de Humbert para sua filha, ela foge da casa com raiva, apenas para ser morta em um acidente de carro. Sem contar a Lolita o destino de sua mãe, Humbert a leva em uma viagem de carro pelo país, onde o relacionamento deles começa a se mover para além das profundezas...

No filme Lolita (1997) muito mais contextualizado, percebemos de uma forma digamos "poética" logo no início do filme, o homem a quem chamava lolita, era apaixonado por uma garota (Annabele) de mesma idade (14) e ele mesmo diz que Lolita jamais teria existido se não fosse Annabele mas que faleceu de tifo pouco tempo depois, o deixando em choque.

"O impacto de sua morte congelou algo em mim. A menina que amei havia ido. Mas eu continueu buscando-a por muito tempos depois [...] O veneno estava na ferida. Pode vê-la? E a ferida não cicatrizaria." (Lolita, 1997).

Mellon Collie (filmow) ressalta o fato de Dolores possuir só 12 anos, e a atriz 15 anos de idade! Assim o filme,  é do ponto de vista do cujo 'pedófilo' dando a entender o porquê de Lolita ter sido tão sexualizada, era como Humbert a via. O filme colorido, Lolita com roupas alegres, batom, e paisagens, muda quando Humbert à reencontra e Lolita não era mais aquela garotinha, tornando-se cinza, sem traços, pois Humbert não a vê como antes, podendo ver pela primeira vez a verdadeira Dolores, sem erotização, que no fim, ele reconhece que Lolita morreu, não por estar perto dele, mas por não ser mais a criança que ele conheceu. É uma história a qual muitos dizem o autor do livro ter sido um gênio ao escrever com tamanha perfeição uma dramática (não romântica ao meu ver) história, Humbert não está sobre julgamento, são cenas manipuladas por sua visão.

Ao meu ver, a doentia atração de Humbert apenas por meninas novas foi traçado por sua história de amor que nem mesmo começou, o deixando capaz de fazer escolhas dramáticas.

Curiosidades: Na Austrália, o lançamento do filme foi proibido pelas autoridades sob o argumento de que a história fazia apologia à pedofilia. Somente dois anos depois os cinemas foram autorizados a exibi-lo, mas com proibição para menores de 18 anos.

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Russian Lolita (2007)

Outros títulos:  Russkaya Lolita

Diretor: Armen Oganezov

Duração:  93 Minutos

País de origem: Rússia

Áudio: Russo | Legenda: Português

Sinopse: Filme erótico Softcore baseado no romance Lolita, de Vladimir Nabokov. Um escritor forasteiro chega a uma cidade e passa a viver numa casa onde uma menina, Alisa, o seduz.

A ninfa  Valeria Nemchenko interpreta uma virgem aparentemente de 13 a 17 anos (a idade nunca é declarada), ela e sua mãe moram em lugar bonito (meu sonho de casa) próximo a floresta em uma pequena cidade, de algum lugar doido da Rússia. Quando aparece esse homem mais velho procurando uma vida nova e um lugar para escrever, ao ver o anúncio de um quarto para alugar encontra Aliza (Alisa). A mãe rechonchuda de Alisa aluga o quarto e logo depois Gennedy e mãe começam um caso secreto explicitamente mostrado. Alisa ouve os dois, observa através da porta e se inflama de luxúria de ciúme (há uma certa cena a qual ela sai chorando, mas que na verdade, me deu vontade de rir desse choro tão sem graça). Há quem diga que Alisa vai superando sua timidez em estágios com o rapaz, mas que timidez? Desde o começo do filme ela é bem abusadinha e danada. Talvez porque ela chega nesse homem aos poucos, primeiro conversa, depois senta em seu colo, e a cada dia o homem enlouquece. Ao mesmo tempo percebe-se a atitude crianças dela. As vezes ele tenta não ceder a ela, mas Alisa é persistente e ousada. Porém, como ele não estaria interessado desde o começo ou algo do tipo, se ao ver o anuncio e falar com sua mãe disse "preciso pensar" então Alisa aparece e o cara diz "decidi, vou ficar com o quarto"... Pois é.

Enfim Alisa o rejeita depois de cenas quentes por ele dizer que não da para escolher entre as duas, torturado pela ausência da garota, ele nai até ela, e diz que quer apenas ela.

Eu estou rindo até agora, cena a qual ela esperava que as flores fossem para ela.

Aqui é onde bate os outros filmes de Lolita por uma milha. Os outros filmes fazem você adivinhar sobre os assuntos, mas este revela tudo e é muito selvagem. Eles ficam na arena do núcleo mole sem pênis masculino e nenhuma inserção visível, mas nudez total feminina, fiquei pensando, UÉ, esse rapaz não tem o orgão não? Em nenhum momento aparece o dele, parece até aqueles bonecos de madeira, mas enfim, o final para alguns surpreende, russos fazendo russises.

Curiosidades:  Soft-core ou softcore é um gênero pornográfico contendo apenas nudez, sexo e cenas sexualmente sugestivas. Soft-core ou softcore é um gênero pornográfico contendo apenas nudez, sexo e cenas sexualmente sugestivas. Partes das imagens que são consideradas demasiado explícitas podem ser obscurecidas (censuradas) através de diversos meios. Estas técnicas incluem o uso de cabelo ou a roupa envolta, as mãos ou outras partes do corpo cuidadosamente posicionadas, elementos em primeiro plano precisamente posicionados na cena (muitas vezes plantas ou cortinas), e ângulos de câmara cuidadosamente escolhidos. Esse gênero ficou popularmente conhecido no Brasil pelo cinema brasileiro, nas décadas de 1970 e 1980, pela pornochanchada; [...]". (Wikipedia)

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Taxidermia (2006)

Diretor: György Pálfi

Duração: 91 Minutos

País de origem: Áustria, França, Hungria

Áudio: Húngaro(?) | Legenda: Português

Sinopse: Inspirado pelos contos do escritor Lajos Parti Nagy, este segundo filme do realizador húngaro György Pálfi envolve-nos numa insólita e fascinante narrativa, que atravessa várias décadas e nos revela três gerações de homens com obsessões e comportamentos muito peculiares. O primeiro segmento é passado na 2ª Guerra Mundial e aí conhecemos o soldado Moroscovany, um obcecado sexual que sonha ser capaz de ejacular chamas e que tem uma carinho muito especial pela portentosa mulher do seu superior hierárquico; o segundo segmento centra-se em torno de Balatony, um glutão mórbido que não perde ocasião de se empaturrar até ao limite; finalmente temos a história de Lajos, um taxidermista cuja obsessão é levar a sua arte às últimas consequências, ou seja, o corpo humano.

Explica-se: não é um filme agradável de se ver, pois tem cenas escatológicas e de difícil aceitação, como um pênis ser bicado por uma galinha – bem longe do cinema político de A Leste de Bucareste e do aborto clandestino de 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias, os romenos da vez. 

O diretor não economiza nos barulhos nojentos e cenas repugnantes, como o soldado fazendo sexo com uma leitoa abatida, do pênis sair um jato de fogo e por fim a galinha dando-lhe uma bicada no membro. Ele termina morto pelo comandante e seu filho nasce com um rabo de porco. 

Na segunda parte do filme, o filho, já sem o rabo, torna-se um obeso mórbido depois de participar, desde criança, de concursos em que o campeão era o que ingeria a maior quantidade de comida. Apaixona-se por uma mulher bem gorda, também competidora na modalidade, e com ela terá uma lua de mel bastante igual a de tantos outros casais – os quilos a mais não impedem o clima romântico, regado a Samba da Bênção, de Tom Jobim e Vinicius de Moraes, na interpretação de Bebel Gilberto. Dessa relação nasce o representante da terceira geração, o raquítico taxidermista do título, que passa a terceira parte do filme empalhando animais e a si mesmo, guardando seu próprio corpo para a eternidade.

O roteiro parte de contos escritos por Lajos Parti Nagy; a trilha sonora, muito bela, é assinada por Amon Tobin, compositor que nasceu no Rio de Janeiro e faz parte da vanguarda chique européia – suas músicas não saem das trilhas das coreografias de Pina Bausch. Enfim, há uma certa sofisticação nos temas, na crítica ao regime comunista, na maneira como a sociedade atual discrimina os obesos, na intricada elaboração dos planos-seqüência e no inteligente uso da câmera digital. Mesmo a reconstituição de época e nos cenários estilizados percebe-se que o diretor teve educação tanto cinéfila quanto humanística. Sua verborragia não é nem acidental muito menos gratuita.

Palfi, o diretor, chega a recriar os contos dos irmãos Andersen dentro de um exemplar de A Menina dos Fósforos, um dos contos dos escritores, além conseguir, com um giro de 360 graus numa mesma banheira (plano impressionante), perpassar toda a história e resumir as intenções do filme. Enfim, é o que Peter Grenaway fazia quando ainda estava com gás (Demetrius Caesar, 2007).

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